Konzertreihe des Elektronischen Studios Basel. In der Ausgabe 111 mit Susanne Kirchmayr aka Electric Indigo und Anton Bea (Audiodesign, Klasse Svetlana Maraš):

Susanne Kirchmayr (*1965) aka Electric Indigo ist Musikerin, Komponistin und DJ aus Wien. Sie begann 1989 aufzulegen und bereiste als DJ mittlerweile 45 Länder. 1998 gründete sie «female:pressure», ein transnationales Netzwerk für weibliche, nicht-binäre und Transgender-Künstlerinnen in der elektronischen Musik und bildenden Kunst, das 2009 mit einer Honorary Mention der Kategorie Digital Communities beim Prix Ars Electronica bedacht wurde. Als Komponistin erhielt Kirchmayr 2012 den «outstanding artist award» in der Sparte Computermusik und elektronische Musik, 2013 das österreichische Staatstipendium für Komposition und 2020 den Kunstpreis Musik der Republik Österreich. Ihr musikalisches Schaffen lebt im Spannungsfeld zwischen elektroakustischer Musik in konzertanter Aufführung und den Tanzflächen dunkler Clubs. Gelegentlich schreibt sie auch für Theater und Film. 2019 komponierte Electric Indigo für das Klangforum Wien und ihre Werke wurden auf Festivals wie Wien Modern, Musikprotokoll, CTM oder Heroines of Sound uraufgeführt.

Anton Bea performt live mit Sampler, Synthesizer und Drumcomputer. Sein Sound bewegt sich zwischen Ambient und Deep House. Neben seinen sphärischen elektronischen Klängen verwendet er auch gerne von der Natur inspirierte Field Recordings Darüber hinaus bringt er seine Musik gerne mit audioreaktiven Visuals und Klanginstallationen zum Ausdruck.

«Nachtstrom» ist elektrisierende, frühestens zum Sonnenuntergang einsetzende Klangforschung und zeigt verschiedenste Formen der elektronischen Musik auf der Bühne: Live-Elektronik, akusmatische Musik, audiovisuelle Werke, Improvisation etc.

Programm

Electric Indigo - Live AV setElectric set
Anton Bea - Cloudbreak - spatial sound installation

Nachtstrom 111 – Susanne Kirchmayr aka Electric Indigo / Anton Bea – Gare du Nord

Konzert mit Einführung von Carola Bauckholt

Hirn & Ei (2010/2011) für 4 Performer
Pablo Mena Escudero, Pierre Langrand, Lucia Furlotti, Keth Ng

Geräusche (1992) für zwei Spieler
Alejandro Sarrgui, Filipe Calixto

Geräuschtöne (2002/2003) für Violine, Cello und Schlagzeug
Ionna Boultadaki, Clara Dietze, Keth Ng, Pierre Langrand

Witten Vakuum (2019/2020)
Tomohiro Iino und Yi Chen Tsai

Einstudierung: Christian Dierstein, Carola Bauckholt

Basler Forum Musikästhetik 2024 "Abstrakt | Konkret"

Sophie Oetinger (*1996)
Trabantenlandschaft für Saxophon und Violoncello (2024, UA)
Alexander Prill, Saxophon / Clara Dietze, Violoncello

Oleksandra Katsalap (*2001)
struggle für Schlagzeug solo (2024, UA)
Tomohiro lino, Schlagzeug

Carmel Curiel (*1998)
Shani für Stimme und elektronisches Tonband (2024, Basler Erstaufführung)
Tamar Arnon, Stimme / Daniel Fill, Video

Stefano Grasso (*1992)
Vuoto für Schlagzeug solo (ver. 2024, UA)
Stefano Grasso, Performer

Camilo Bornstein (*1989)
No nó für Viola solo (2024, UA)
Yunan Chen, Viola

Joëlle Salomé Götz (*2001)
don’t take yourself so seriously für Performer and Elektronik (2024, UA)
Joëlle Salomé Götz, Performerin

Oleksandra Katsalap
tba für Video und Live-Elektronik (2024, UA)
Oleksandra Katsalap, Performerin

Yeeun Go (*1994)
we-be in. Sextett für Flöte, Saxophon, Harfe, Akkordeon, Gitarre und Schlagzeug (2024, UA)
Isabelle Meraner, Flöte / Marc Baltrons Fàbregas, Saxophon / Miriam Paschetta, Harfe / Sophie Oetinger, Akkordeon / Mathias Næsguthe Remåd, Gitarre / Pierre Langrand, Schlagzeug

Yehu Shashoua-Dar (*1996)
2 Songs für Stimme, Schlagzeug und elektronisches Tonband (2024)
my love is a brick
Home
Yehu Shashoua-Dar, Stimme / Stefano Grasso, Schlagzeug

Bekannte Instrumentalsolist:innen stellen neue und neueste Werke in einem kommentierten Kurzkonzert vor. Ein Gespräch ergänzt den musikalischen Teil. So werden die vier einstündigen Rezitals zu intensiven Begegnungen.

Dialog ist eine Konzertreihe der Hochschule für Musik FHNW in Zusammenarbeit mit Gare du Nord

Karolina Öhman, Violoncello
Marcus Weiss, Moderation

Helmut Lachenmann (*1935)
Pression für einen Cellisten (1969/2010)

Juliana Hodkinson (*1971)
Jounce (2016)

Niloufar Nourbakhsh (*1992)
Cyclical Rabbits (2021)

Lotta Wennäkoski (*1970)
Vyyhti (2018)
      I Laulujuhlat

Paul Clift (*1978)
Free will generator (2024, UA)
Mit finanzieller Unterstützung durch die FONDATION SUISA 

Gemeinsame Konzerte von sonic space basel, Schola Cantorum Basiliensis, Jazzcampus Basel
5.11.–9.11.2024

Ensemble zone expérimentale basel - Studierende des MA Performance zeitgenössische Musik
Leitung und Einstudierung: Sarah Maria Sun

Andrés Quezada (*1993)
ERIZOS (2021)

Sebastian Zaczek (*2002)
Spiel‘ Zeug! (2022) für Toy Piano

Carola Bauckholt (*1959)
Emil (2003) für Stimme

Sebastian Zaczek
schleifen, schweben (2024, UA neue Version) für Violine, Viola, Violoncello, Klavier und Schlagzeug

Carola Bauckholt
Die Alte (2001) für Stimme

Sebastian Zaczek
murmeln (2024) für vier Musiker:innen mit Glasmurmeln

Carola Bauckholt
Hirn & Ei (2010/20211) für Schlagquartett

Sunghyun Lee (*1995)
Plucking, Brushing, Crushing and Vanishing (2023) für drei Bratschen

Andrés Quezada
ARCOIRIS TRITIONAL (2022)

zone expérimentale basel

Clara Gonçalves, Saxophone
Saya Yamamoto, Saxophone und Performerin
Yi-Chen Tsai, Schlagzeug und Performerin
Raphaëlle Proust, Toy Piano und Solo Stimme «Die Alte»
Alexandre Tavares, Keyboard
Mathias Remåd, E-Gitarre, E-Bass und Performer
Edoardo Gatta, E-Bass
Ioanna Boultadaki, Violine
Matvii Bakeiev, Viola
Yunan Chen, Viola
Yu-Yun Peng, Viola
Clara Dietze, Violoncello und Solo Stimme «Emil»
Pietro Elia Barcellona, Kontrabass
Seraina Ramseier, Performerin
Robin Michel, Elektronik

Die Studierenden von Open Creation (Klasse Andrea Neumann) präsentieren eine eigens für das Museum Tinguely konzipierte Performance, die über kollektives Schaffen in gemeinsamen Raumzeiten reflektiert und sich mit physischer Materie als Mittel auseinandersetzt: um der Form Klang zu geben und um dem Klang Form zu geben.

Von und mit:
Mona Creisson, Stefano Grasso, Ignat Khlobystin, Timm Kornelius, Miguel Manriquez, Luca Manzo, Sophie Oetinger, Alexander Prill, Noah Rosen, Laura Spichtig, Emily Adjey

16-20 October 2024

Student program at the Donaueschinger Musiktage 2024 for students of any discipline (e.g. performance, composition, musicology, music education, media art, cultural studies…)

Rehearsal and concert visits, dialogues, workshops, and discussions with 2024 Donaueschingen Festival artists (performers and composers) and additional tutors (Phileas Baun, Luc Döbereiner, Christoph Haffter, Gunnar Hindrichs, Jim Igor Kallenberg, Jessie Marino, Monika Voithofer)

This year, the Donaueschinger Musiktage Festival is once again offering 102 music students the chance to attend nearly all concerts of the festival, take part in seminars and workshops, and acquaint themselves with those involved in the festival through dialogues and discussions. The 2024 festival will be dedicated to the question of individuality and collectivity in the concert experience. The NEXT GENERATION program will draw on these ideas in two workshops:

In the first workshop, the philosopher Gunnar Hindrichs will discuss what Adorno called the antinomy of new music while commenting on the works of Mark Andre, one of the composers performed at this year's festival. The second workshop will be led by performance artist and composer Jessie Marino, reflecting on her own experiences in Donaueschingen last year when she was able to produce a world premiere. As a soloist who goes beyond the usual formats of musical performance, her work addresses the tension between individual and collective experience in a particularly intensive way.

As in previous years, the two guest contributions will be complemented by rehearsal visits and artist talks; this year, we envisage talks with Mark Andre, Sara Glojnaric, sound artist Elsa Biston, George Lewis, and Lucia Kilger. The latter two artists will address the new technologies that are radically changing the way individuals and communities communicate. George Lewis has been working with computer-based improvisation for a long time, while Lucia Kilger was commissioned by the festival to realize a compositional work that only exists online. A selection of students will explore this aspect of digitalization in greater depth as part of a LAB workshop led by Luc Döbereiner over several days. In this format, students will be introduced to the potential of composing with artificial intelligence technologies to develop and present their own studies and projects.

Finally, the program will focus on the experience and critical examination of the premiered works—both the compositions and the sound art. To frame and intensify the discussion about these works, we have planned a collaboration with the internet platform for music criticism, partisan-notes.com. In recent years, the editors of this English-language online publication have successfully organized so-called Partisan Critique workshops for students at contemporary music festivals (Wien Modern, Cresc Biennale Frankfurt, Darmstadt Summer Course, Tzlil Meudcan Tel Aviv). In these workshops, participants are introduced to the practice of music criticism and discuss not only the quality and persuasiveness of the works performed but also particularly question the standards or criteria for judging art, which are usually taken for granted. As part of NEXT GENERATION, students are offered the opportunity to take part in such discussions, write their own music criticism texts, debate them with their fellow students, and publish the resulting reviews on the partisan-notes.com website. Jim Igor Kallenberg or Monika Voithofer, editors of partisan-notes.com, will be in charge of this part of the program.

The complete course program will be published in September 2024.

Registration

Mit Studierenden Audiodesign / Elektronisches Studio Basel

12–16 Uhr: Installationen mit Werken von Cyril Jauslin und Anton Schleidt, Janik Pokorny, MinhPhi Guillod, Anton Kiefer

22:30-2:00 Uhr: Live Performances Tim Shatnyy (Beyond Dualism), Beatrice Dillon (Live-Set), Kaspar Deicher (DJ-Set)

Weitere Infos in den News und auf https://meshfestival.ch/

16-20 October 2024

Student program at the Donaueschinger Musiktage 2024 for students of any discipline (e.g. performance, composition, musicology, music education, media art, cultural studies…)

Rehearsal and concert visits, dialogues, workshops, and discussions with 2024 Donaueschingen Festival artists (performers and composers) and additional tutors (Phileas Baun, Luc Döbereiner, Christoph Haffter, Gunnar Hindrichs, Jim Igor Kallenberg, Jessie Marino, Monika Voithofer)

This year, the Donaueschinger Musiktage Festival is once again offering 102 music students the chance to attend nearly all concerts of the festival, take part in seminars and workshops, and acquaint themselves with those involved in the festival through dialogues and discussions. The 2024 festival will be dedicated to the question of individuality and collectivity in the concert experience. The NEXT GENERATION program will draw on these ideas in two workshops:

In the first workshop, the philosopher Gunnar Hindrichs will discuss what Adorno called the antinomy of new music while commenting on the works of Mark Andre, one of the composers performed at this year's festival. The second workshop will be led by performance artist and composer Jessie Marino, reflecting on her own experiences in Donaueschingen last year when she was able to produce a world premiere. As a soloist who goes beyond the usual formats of musical performance, her work addresses the tension between individual and collective experience in a particularly intensive way.

As in previous years, the two guest contributions will be complemented by rehearsal visits and artist talks; this year, we envisage talks with Mark Andre, Sara Glojnaric, sound artist Elsa Biston, George Lewis, and Lucia Kilger. The latter two artists will address the new technologies that are radically changing the way individuals and communities communicate. George Lewis has been working with computer-based improvisation for a long time, while Lucia Kilger was commissioned by the festival to realize a compositional work that only exists online. A selection of students will explore this aspect of digitalization in greater depth as part of a LAB workshop led by Luc Döbereiner over several days. In this format, students will be introduced to the potential of composing with artificial intelligence technologies to develop and present their own studies and projects.

Finally, the program will focus on the experience and critical examination of the premiered works—both the compositions and the sound art. To frame and intensify the discussion about these works, we have planned a collaboration with the internet platform for music criticism, partisan-notes.com. In recent years, the editors of this English-language online publication have successfully organized so-called Partisan Critique workshops for students at contemporary music festivals (Wien Modern, Cresc Biennale Frankfurt, Darmstadt Summer Course, Tzlil Meudcan Tel Aviv). In these workshops, participants are introduced to the practice of music criticism and discuss not only the quality and persuasiveness of the works performed but also particularly question the standards or criteria for judging art, which are usually taken for granted. As part of NEXT GENERATION, students are offered the opportunity to take part in such discussions, write their own music criticism texts, debate them with their fellow students, and publish the resulting reviews on the partisan-notes.com website. Jim Igor Kallenberg or Monika Voithofer, editors of partisan-notes.com, will be in charge of this part of the program.

The complete course program will be published in September 2024.

Registration

Künstlergespräch mit der in London lebenden Künstlerin und Musikproduzentin Beatrice Dillon.
Beatrice Dillon stellt ihre künstlerische Praxis vor, es folgt eine von Svetlana Maraš moderierte Diskussion mit Publikums-Fragerunde.

Weitere Infos in den News und auf https://meshfestival.ch/

16-20 October 2024

Student program at the Donaueschinger Musiktage 2024 for students of any discipline (e.g. performance, composition, musicology, music education, media art, cultural studies…)

Rehearsal and concert visits, dialogues, workshops, and discussions with 2024 Donaueschingen Festival artists (performers and composers) and additional tutors (Phileas Baun, Luc Döbereiner, Christoph Haffter, Gunnar Hindrichs, Jim Igor Kallenberg, Jessie Marino, Monika Voithofer)

This year, the Donaueschinger Musiktage Festival is once again offering 102 music students the chance to attend nearly all concerts of the festival, take part in seminars and workshops, and acquaint themselves with those involved in the festival through dialogues and discussions. The 2024 festival will be dedicated to the question of individuality and collectivity in the concert experience. The NEXT GENERATION program will draw on these ideas in two workshops:

In the first workshop, the philosopher Gunnar Hindrichs will discuss what Adorno called the antinomy of new music while commenting on the works of Mark Andre, one of the composers performed at this year's festival. The second workshop will be led by performance artist and composer Jessie Marino, reflecting on her own experiences in Donaueschingen last year when she was able to produce a world premiere. As a soloist who goes beyond the usual formats of musical performance, her work addresses the tension between individual and collective experience in a particularly intensive way.

As in previous years, the two guest contributions will be complemented by rehearsal visits and artist talks; this year, we envisage talks with Mark Andre, Sara Glojnaric, sound artist Elsa Biston, George Lewis, and Lucia Kilger. The latter two artists will address the new technologies that are radically changing the way individuals and communities communicate. George Lewis has been working with computer-based improvisation for a long time, while Lucia Kilger was commissioned by the festival to realize a compositional work that only exists online. A selection of students will explore this aspect of digitalization in greater depth as part of a LAB workshop led by Luc Döbereiner over several days. In this format, students will be introduced to the potential of composing with artificial intelligence technologies to develop and present their own studies and projects.

Finally, the program will focus on the experience and critical examination of the premiered works—both the compositions and the sound art. To frame and intensify the discussion about these works, we have planned a collaboration with the internet platform for music criticism, partisan-notes.com. In recent years, the editors of this English-language online publication have successfully organized so-called Partisan Critique workshops for students at contemporary music festivals (Wien Modern, Cresc Biennale Frankfurt, Darmstadt Summer Course, Tzlil Meudcan Tel Aviv). In these workshops, participants are introduced to the practice of music criticism and discuss not only the quality and persuasiveness of the works performed but also particularly question the standards or criteria for judging art, which are usually taken for granted. As part of NEXT GENERATION, students are offered the opportunity to take part in such discussions, write their own music criticism texts, debate them with their fellow students, and publish the resulting reviews on the partisan-notes.com website. Jim Igor Kallenberg or Monika Voithofer, editors of partisan-notes.com, will be in charge of this part of the program.

The complete course program will be published in September 2024.

Registration

16-20 October 2024

Student program at the Donaueschinger Musiktage 2024 for students of any discipline (e.g. performance, composition, musicology, music education, media art, cultural studies…)

Rehearsal and concert visits, dialogues, workshops, and discussions with 2024 Donaueschingen Festival artists (performers and composers) and additional tutors (Phileas Baun, Luc Döbereiner, Christoph Haffter, Gunnar Hindrichs, Jim Igor Kallenberg, Jessie Marino, Monika Voithofer)

This year, the Donaueschinger Musiktage Festival is once again offering 102 music students the chance to attend nearly all concerts of the festival, take part in seminars and workshops, and acquaint themselves with those involved in the festival through dialogues and discussions. The 2024 festival will be dedicated to the question of individuality and collectivity in the concert experience. The NEXT GENERATION program will draw on these ideas in two workshops:

In the first workshop, the philosopher Gunnar Hindrichs will discuss what Adorno called the antinomy of new music while commenting on the works of Mark Andre, one of the composers performed at this year's festival. The second workshop will be led by performance artist and composer Jessie Marino, reflecting on her own experiences in Donaueschingen last year when she was able to produce a world premiere. As a soloist who goes beyond the usual formats of musical performance, her work addresses the tension between individual and collective experience in a particularly intensive way.

As in previous years, the two guest contributions will be complemented by rehearsal visits and artist talks; this year, we envisage talks with Mark Andre, Sara Glojnaric, sound artist Elsa Biston, George Lewis, and Lucia Kilger. The latter two artists will address the new technologies that are radically changing the way individuals and communities communicate. George Lewis has been working with computer-based improvisation for a long time, while Lucia Kilger was commissioned by the festival to realize a compositional work that only exists online. A selection of students will explore this aspect of digitalization in greater depth as part of a LAB workshop led by Luc Döbereiner over several days. In this format, students will be introduced to the potential of composing with artificial intelligence technologies to develop and present their own studies and projects.

Finally, the program will focus on the experience and critical examination of the premiered works—both the compositions and the sound art. To frame and intensify the discussion about these works, we have planned a collaboration with the internet platform for music criticism, partisan-notes.com. In recent years, the editors of this English-language online publication have successfully organized so-called Partisan Critique workshops for students at contemporary music festivals (Wien Modern, Cresc Biennale Frankfurt, Darmstadt Summer Course, Tzlil Meudcan Tel Aviv). In these workshops, participants are introduced to the practice of music criticism and discuss not only the quality and persuasiveness of the works performed but also particularly question the standards or criteria for judging art, which are usually taken for granted. As part of NEXT GENERATION, students are offered the opportunity to take part in such discussions, write their own music criticism texts, debate them with their fellow students, and publish the resulting reviews on the partisan-notes.com website. Jim Igor Kallenberg or Monika Voithofer, editors of partisan-notes.com, will be in charge of this part of the program.

The complete course program will be published in September 2024.

Registration

16-20 October 2024

Student program at the Donaueschinger Musiktage 2024 for students of any discipline (e.g. performance, composition, musicology, music education, media art, cultural studies…)

Rehearsal and concert visits, dialogues, workshops, and discussions with 2024 Donaueschingen Festival artists (performers and composers) and additional tutors (Phileas Baun, Luc Döbereiner, Christoph Haffter, Gunnar Hindrichs, Jim Igor Kallenberg, Jessie Marino, Monika Voithofer)

This year, the Donaueschinger Musiktage Festival is once again offering 102 music students the chance to attend nearly all concerts of the festival, take part in seminars and workshops, and acquaint themselves with those involved in the festival through dialogues and discussions. The 2024 festival will be dedicated to the question of individuality and collectivity in the concert experience. The NEXT GENERATION program will draw on these ideas in two workshops:

In the first workshop, the philosopher Gunnar Hindrichs will discuss what Adorno called the antinomy of new music while commenting on the works of Mark Andre, one of the composers performed at this year's festival. The second workshop will be led by performance artist and composer Jessie Marino, reflecting on her own experiences in Donaueschingen last year when she was able to produce a world premiere. As a soloist who goes beyond the usual formats of musical performance, her work addresses the tension between individual and collective experience in a particularly intensive way.

As in previous years, the two guest contributions will be complemented by rehearsal visits and artist talks; this year, we envisage talks with Mark Andre, Sara Glojnaric, sound artist Elsa Biston, George Lewis, and Lucia Kilger. The latter two artists will address the new technologies that are radically changing the way individuals and communities communicate. George Lewis has been working with computer-based improvisation for a long time, while Lucia Kilger was commissioned by the festival to realize a compositional work that only exists online. A selection of students will explore this aspect of digitalization in greater depth as part of a LAB workshop led by Luc Döbereiner over several days. In this format, students will be introduced to the potential of composing with artificial intelligence technologies to develop and present their own studies and projects.

Finally, the program will focus on the experience and critical examination of the premiered works—both the compositions and the sound art. To frame and intensify the discussion about these works, we have planned a collaboration with the internet platform for music criticism, partisan-notes.com. In recent years, the editors of this English-language online publication have successfully organized so-called Partisan Critique workshops for students at contemporary music festivals (Wien Modern, Cresc Biennale Frankfurt, Darmstadt Summer Course, Tzlil Meudcan Tel Aviv). In these workshops, participants are introduced to the practice of music criticism and discuss not only the quality and persuasiveness of the works performed but also particularly question the standards or criteria for judging art, which are usually taken for granted. As part of NEXT GENERATION, students are offered the opportunity to take part in such discussions, write their own music criticism texts, debate them with their fellow students, and publish the resulting reviews on the partisan-notes.com website. Jim Igor Kallenberg or Monika Voithofer, editors of partisan-notes.com, will be in charge of this part of the program.

The complete course program will be published in September 2024.

Registration

zone expérimentale basel – Studierende des MA Performance zeitgenössische Musik
Einstudierung: Sarah Maria Sun

Per Nørgård (*1932): SEADRIFT (1977-78) für Sopran und Ensemble

Alena Verin-Galitskaia, Sopran
Ignat Khlobystin, Flöte, Piccolo und Bassflöte
Ioanna Boultadaki, Violine
Maksim Barbash, Violoncello
Raphaëlle Proust, Klavier
Mathias Remåd, Gitarre
Yi-Chen Tsai, Schlagzeug

Michael Maierhof (*1956): shopping 4 (2005-6) für 3 Spieler

Rebecca Minten, Performerin
Isabelle Meraner, Performerin
Yu-Yun Peng, Performerin

Øyvind Torvund (*1976): Plans for Future Operas (2022) für Sopran, Klavier, Elektronik und Video

     1       voice over start (Excerpt)
     4       Car Horn Opera
     5       Good friends with the birds
     13      The Collaboration Song
     17      Living Room Opera

Alena Verin-Galitskaia, Sopran
Raphaëlle Proust, Klavier

Sunghyun Lee (*1995): Escape from Gravity (2021) für 5 Spieler

Ignat Khlobystin, Flöte, Bassflöte und Kontrabassflöte
Máté Tokárszky, E-Gitarre
Maksim Barbash, Violoncello
Alexandre Soares Tavares, Synthesiser
Yi-Chen Tsai, Schlagzeug

Clemens Fiechter, Elektronik

Ensemble zone expérimentale basel
Einstudierung: Yaron Deutsch
In Kooperation mit Festival MUSICA Strasbourg

Programm:

Oleksandra Katsalap (*2001)
Surface for one performer (2024 - création française)
Oleksandra Katsalap, performance

Matthew Shlomowitz (*1975)
Letter Piece No. 5 "Northern Cities" for two performers (2010 - création française)
Rebecca Minten, performer
Filipe Figueiredo Calixto, performer

Thomas Kessler (1937–2024)
Is it? for two performers (2002)
Alena Verin-Galitskaia, soprano
Juan Trujillo Uribe, saxophone

Jessie Marino (*1984)
Rot Blau for two performers (2009)
Isabelle Meraner, performer
Ignat Klobystin, performer

Louis Andriessen (*1939)
Workers Union for any loud-sounding group of instruments (1975)
Alena Verin-Galitskaia, soprano
Isabelle Meraner, flute
Ignat Klobystin, flute
Rebecca Minten, clarinet
Juan Trujillo Uribe, saxophone
Pol Cabrera Plaza, saxophone
Filipe Figueiredo Calixto, percussion
Oleksandra Katsalap, percussion

Ryōji Ikeda: 100 Cymbals (2919, Swiss Premiere)

Der Japanische Künstler, eigentlich bekannt für elektronische Musik und grossformatige Arbeiten aus dem Bereich digitaler Kunst, widmete sich in der 2019 entstandenen «analogen» Arbeit dem polyphonen Potenzial von Schlagzeugbecken und erkundet den schmalen Grat zwischen Noise und harmonischen Resonanzen.Unter der Leitung von Alexandre Babel und Christian Dierstein führt das Percussion Ensemble der Hochschule Musik Basel das Werk zum ersten Mal in der Schweiz auf.

Weitere Informationen und Tickets

Studierende der Studienrichtung Open Creation (Andrea Neumann) präsentieren ihre Projekte – akustisch, visuell, performativ und intermedial – die sich nicht nur einer Disziplin zuordnen lassen.

Im Anschluss an die Performances werden die Projekte in einem Resonanzraum diskutiert, moderiert von Uli Fussenegger, Christoph Haffter und Michael Kunkel.

Oleksandra Katsalap (*2001)
Surface für Performer:in, Sound und Video (2024)
Oleksandra Katsalap, Performance

Preisverleihung Eduard Brunner Kompositionspreis

Yehu Shashoua-Dar (*1996)
EGG (2024, UA)

sonic space basel alumni Ensemble
Clara Giner Franco, Flöte
Mariella Bachmann, Klarinette
Cris Arcos Cano, Saxophon
Antonio Jiménez Marín, Posaune
Louisa Marxen, Schlagzeug
Nejc Grm, Akkordeon
Alicja Pilarczyk, Violine
Katarina Leskovar, Violoncello
Yaron Deutsch, Leitung

Pause

The Orbs
Performance Open Creation

Ignat Khlobystin, Flöte
Anouk Neyens, Saxophon
Alexander Prill, Saxophon
Sophie Oetinger, Akkordeon
Miriam Paschetta, Harfe
Pablo Mena, Schlagzeug
Noah Rosen, Schlagzeug
Fernando Manassero, Elektronik
Yanik Soland, Elektronik

Thomas Kessler (1937–2024):
Is it? (2002)

Alena Verin-Galitskaia, Sopran
Alexander Prill, Sopransaxophon

Eli Korman (*1992)
Everything is Bland (2023)

Ensemble zone expérimentale basel
Ignat Khlobystin, Flöte
Isabelle Meraner, Flöte
Marc Baltrons Fàbregas, Saxophon
Alexander Prill, Saxophon
Clara Dietze, Violoncello
James Morley, Violoncello
Mikołaj Rytowski, Schlagzeug

Audiotechnik: Jonas Prina
Licht: Beat Burkhard

Mit Studierenden des Master Performance zeitgenössische Musik. Einstudierung: Sarah Maria Sun

Sara Glojnaric (*1991): Artefacts #2 (2019)
transcription for flute/voice, percussion and tape

Christoph Ogiermann (*1967): Parole (2012)
für 4 Stimmen und Tape

Alvin Lucier (*1931): Ever Present (2002)
For flute, alto sax, piano and slow sweep pure wave oscillators

Sarah Nemtsov (*1980): Starlings, Sparrows (2022)
für verstärktes Trio mit Synthesizer

Clara Ianotta (*1983): Outer Space (2018)
For 4 performers, lights and electronics, based on a short film by Peter Tscherkassy

Lars Petter Hagen (*1975): Notebook (2011)
for Neue Vocalsolisten, transcription

Performance
Isabelle Meraner
Alexandre Ferreira Silva
Rebecca Minten
Alexander Prill
Ignat Khlobystin
Laura Rouy
James Morley
Jacob Mason
Dmitry Batalov

Joëlle Salomé Götz (*2001)
oDoR (2023) für Performer, Cello, Intonarumori, Perkussion, Electronics
Joëlle Salomé Götz, Performance
Maksim Barbash, Violoncello
Pablo Mena Escudero
Tomohiro Iino
Antonio Gaggiano, Perkussion

Scenes for Archaic Recoder (2022) für Blockflöte solo
Camille Aubry, Blockflöte

The Garden: I. The Appletree (2024) für Clavemusikum, Cello, Viola
Eliot Dios, Clavemusikum
Laura Kumwenda, Viola
Maksim Barbash, Violoncello

Siren (2022) für Stimme, Tape
Joëlle Salomé Götz, Stimme

Ivan Liuzzo (*1993)
Tikur for cello solo, environment and projected text
James Morley, Violoncello

Ciclo Lurianico
I Luce Nascosta for soprano sax quartet
II I vasi for soprano sax quartet and soprano voices quartet
III Il Regno for soprano sax quartet and soprano voices quartet

Sopransaxophon
Marc Baltrons Fàbregas
Miguel Fernández
Pattranant Pliensakul
Anouk Neyens

Sopran
Friederika Dvir
Francesca Gaza a.G.
Maria Pujades Seguí
Lara Wolf a.G.

Dániel Láposi (*1996)
My Space for cello solo
James Morley, Violoncello

Studierende der Studienrichtung Open Creation (Andrea Neumann) präsentieren ihre Projekte – akustisch, visuell, performativ und intermedial – die sich nicht nur einer Disziplin zuordnen lassen.

Ignat Khlobystin: self-phonia, solo
This project is an attempt to find an improvisational vocabulary through playing along with my pre-recorded improvisations,

Mona Creisson: Apology of the Useless
Lost in the senseless repetitions of a big machine, we’ll try to find our way out, inspired by useless works of art and science.

Sophie Oetinger, accordeon
Nathan Triquet, drums
Mikael Szafirowski, guitare
Mona Creisson, voice, viola

Stefano Grasso: art kane - a day in the life of an apprentice drummer
I'm performing the actual ongoing state of my research, sharing my daily inquiries and  shaping them in the form of a short solo set

Im Anschluss an die Performance werden die Projekte in einem Resonanzraum diskutiert, moderiert von Uli Fussenegger, Christoph Haffter und Michael Kunkel.

Masterrezital Eli Korman, Komposition
 

Eli Korman (*1992)
Luminous Rust (2023) for ensemble
Tobias Stückelberger, conductor
Martijn Susla, clarinet
María Chamizo Martin,soprano saxophone
Chiara Jarrell, soprano
Reto Weiche, electric guitar
Oleksandra Katsalap, piano
Emilia Feil, percussion
Pietro Elia Barcellona, double bass
 

Things I Deleted (2023, SEA) for saxophone, electric guitar and cello
María Chamizo Martin, baritone saxophone
James Morley, cello
Reto Weiche, electric guitar
 

Shofarot (2024) for saxophone trio
A-Delta saxophone trio:
María Chamizo Martin, soprano saxophone
Álvaro Rodríguez Cabezas, tenor saxophone
Miguel Fernández, baritone saxophone
 

Everything is Bland (2023) for ensemble
Ignat Klobystin, Isabelle Meraner, flutes
Marc Baltrons Fàbregas
María Chamizo Martin, saxophones
James Morley, Szymon Barczak, celli
Mikołaj Rytowski, percussion
 

ATTACCA ist das Festival der Studierenden in den Bereichen Audiodesign, Komposition, Open Creation und Zeitgenössische Musik

Masterrezital Michele Selvaggi, Komposition
 

Michele Selvaggi (*2000)
All you have is your body (2023, UA) for solo accordion and feedback systems
Manca Dornik, accordion
 

To the earth; dragged, returned (2024, UA) for solo electric guitar and feedback systems
Reto Weiche, electric guitar
 

Pale hum, and threads left behind (2023, SEA) for flutes, accordion, harp, piano, percussion, double bass and objects
Evdokia Kolyasina, flute and objects
Manca Dornik, accordion and objects
Miriam Paschetta, harp and objects
Jacob Mason, piano
Pietro Elia Barcellona, double bass and objects
Alexandre Silva, percussion
Conductor: Ivan Liuzzo
 

What remains can seldom be obscured (2024, UA) for solo contrabass and feedback complex
Pietro Elia Barcellona, double bass
 

ATTACCA ist das Festival der Studierenden in den Bereichen Audiodesign, Komposition, Open Creation und Zeitgenössische Musik

Masterrezital Inbar Sharet, Komposition
 

Inbar Sharet (*1996)
Arrum (2024)  for clarinet and effect pedals
Martijn Susla, clarinet
 

Mayim (Water) (12.10.2023) for two voices
Einat Aronstein, voice
Lea Sobbe, recorder
 

Only when the soil is dry. Lessons in agriculture and phonology (2023) for ensemble, electronics and video
Isabelle Meraner, flute
María Del Carmen Chamizo Martín, saxophone
Steinn Halldórsson, trombone
Rahel Boell, violin
Katarina Leskovar, cello
Chris Moy, guitar
Oleksandra Katsalap, piano/keyboard
Stefano Grasso, percussion
 

Three Bird Songs (2023/24, SEA) for voice, recorder and two percussionists
Einat Aronstein, voice
Lea Sobbe, recorder
Oded Geizhals, percussion
Zaca Maia, percussion
 

_ _ _ _ _ _ ohne Worte (2024, UA) for Hammerflügel and electronics
Dmitry Batalov, Hammerflügel
 

ATTACCA ist das Festival der Studierenden in den Bereichen Audiodesign, Komposition, Open Creation und Zeitgenössische Musik

Masterrezital Oliver Rutz, Komposition
 

Oliver Rutz (*1998)
Revue (2017-2024)
Multimediale Ausstellung ausgewählter Werke aus sieben Jahren
(bitte eigenes Smartphone und Kopfhörer mitbringen)
Miha Grmek Seražin, toy piano
Mitwirkende:
Julia Miller
Damiano Capelli
James Morley
Anna Alexay
Dakota Wayne
Raphaël Belfiore
Cyrill Jauslin
Anna Sowa
Zaca Maia
Jeannine Oberli
Chris Moy
Severin Rusch
 

ATTACCA ist das Festival der Studierenden in den Bereichen Audiodesign, Komposition, Open Creation und Zeitgenössische Musik

Masterrezital Aydin Leon Pfeiffer, Komposition
 

Aydin Leon Pfeiffer (*1999)
Liminality (2022) for electric guitar and video
Reto Weiche, electric guitar
 

Superflat Tropes (2023) for otamatone and intonarumori
Aydin Leon Pfeiffer, otamatone
Dániel Láposi, intonarumori
 

gegenGewalt (2024) for soprano, piano, electronics and video
Maria Pujades Seguí, soprano
Edoardo Milanello, piano
 

Guided Meditation to Activate Your Self-Healing Power
[HYPNOSIS, MINDFULNESS, STRESS REDUCTION] (2023), for percussion and moderation
DrumDroid, percussion
Aydin Leon Pfeiffer, moderation
 

ATTACCA ist das Festival der Studierenden in den Bereichen Audiodesign, Komposition, Open Creation und Zeitgenössische Musik

Masterrezital Vili Polajnar, Komposition
 

Vili Polajnar (*1998)
Orbital Resonance (2023) for cello, Moog synthesizer and live electronics
James Morley, cello
 

:-) <3 :-( :D xD (2023)
for voice, clarinet, percussion, video
Siddhii Lagrutta, voice
Urška Zupan, clarinet
Yi Chen Tsai, percussion
 

Mastery of Emotional Slavery (2024)
for flute, clarinet, saxophone, live electronics, video
Maciej Kasperek, flute
Szymon Emil Parulski, clarinet
Pattranant Pliensakul, saxophone
 

The Pocket Concert (2022) for audience, live electronics
 

Pause
 

Sperm Producers, Babies, Boomers and Consumers (2024) for string sextet
Kristina Marušić, violin
Lara Stibal, violin
Laura Madaliso Beer Kumwenda, viola
Lorenz Stalder, viola
Alina Mayer Whitla, cello
Katharina Meldre, cello
 

ATTACCA ist das Festival der Studierenden in den Bereichen Audiodesign, Komposition, Open Creation und Zeitgenössische Musik

«Technologies of Boredom»
Masterrezital Anouk Neyens, Open Creation
 

Technologies of Boredom
The piece performed will be a solo improvisation, yet it would not have been possible without the help of several assistants. Including one who helped with this text.
This performance was conceived over the last year as a way to weave together different aspects of my life. I noticed that there are similarities, sometimes uncomforta-ble ones, between my creative practices and the rest of my daily life. Repetitive, mundane, and inflexible aspects of my education and improvisation performances, often were equivalent to the drudgery I would experience at the jobs where I work to fund my art. A few, yet very exciting moments of creativity would happen in unexpected places, like my part time job at the theater where I only press a button to play subtitles for the opera. For example, when I would press the button at the wrong time. Boredom emerged as the feeling I carried across the transition between work, play, and study. Looking back over this last year, the successes in different areas of my life seemed to emerge from being able to use boredom as a point of departure. This made space for the unexpected. Failure came when I would take success for as the goal, yet end up bored by my many unexamined assumptions. Boredom, like other technologies, is neither inherently good nor bad. The task I gave to myself was to put it to use.
 

ATTACCA ist das Festival der Studierenden in den Bereichen Audiodesign, Komposition, Open Creation und Zeitgenössische Musik

«Thanks for all the fish»
Masterrezital Mikael Szafirowski, Open Creation
 

Thanks for all the fish
Performance:
Mikael Szafirowski
Rahel Boell
Dániel Láposi
Abel Fazekas
Anouk Neyens
Zacarias Maia
Daniil Gorokhov
Yanik Soland
Stefano Grasso
 

ATTACCA ist das Festival der Studierenden in den Bereichen Audiodesign, Komposition, Open Creation und Zeitgenössische Musik

«About Holes And Ghosts»
Masterrezital Yanik Soland, Open Creation
 

About Holes And Ghosts
Performance:
Yanik Soland
Anouk Neyens
Stefano Grasso
Mona Creisson

ATTACCA ist das Festival der Studierenden in den Bereichen Audiodesign, Komposition, Open Creation und Zeitgenössische Musik

«Soft Mesh»
Masterrezital Fernando Manassero, Open Creation
 

Les nomades
Ignat Klobystin, flutes
Mona Creisson, viola and pedals
Fernando Manassero, electronics
 

Terrain
Fernando Manassero, performance
 

Soft Mesh
Fernando Manassero, sampler and synthesizer
Stefano Grasso, drums
James Morley, cello
Mikołaj Rytowski, synthesizer
 

ATTACCA ist das Festival der Studierenden in den Bereichen Audiodesign, Komposition, Open Creation und Zeitgenössische Musik

Masterrezitale MASP Zeitgenössische Musik
Pietro Elia Barcellona, Kontrabass / Dmitry Batalov, Klavier / Jacob Mason, Klavier / James Morley, Violoncello / Mikołaj Rytowski, Schlagzeug / Alexandre Silva, Schlagzeug / Martijn Susla, Klarinette
 

Giorgio Netti (*1963)
Ur (2020) first movement
Pietro Elia Barcellona, double bass
 

Inbar Sharet (*1996)
Arrum (2024, UA), piece for clarinet and effect pedals
Martijn Susla, clarinet
 

Dorothy Hindman (*1966)
Untitled VI (2022)
Ex-Sentia:
Miguel Fernández, baritone saxophone
Jacob Mason, piano
Santiago Villar, percussion
 

Simon Steen-Andersen (*1976)
Difficulties putting it into practise (2007)
James Morley, performer
Mikołaj Rytowski, performer
 

Pause
 

Enno Poppe (*1969)
Feld (2007/17) for 2 pianos and 2 percussions
Dmitry Batalov, piano
Jacob Mason, piano
Mikołaj Rytowski, percussion
Alexandre Silva, percussion
 

ATTACCA ist das Festival der Studierenden in den Bereichen Audiodesign, Komposition, Open Creation und Zeitgenössische Musik

Masterrezitale MASP Zeitgenössische Musik
Pietro Elia Barcellona, Kontrabass / Dmitry Batalov, Klavier / Jacob Mason, Klavier / James Morley, Violoncello / Mikołaj Rytowski, Schlagzeug / Alexandre Silva, Schlagzeug / Martijn Susla, Klarinette
 

Beat Furrer (*1954)
Lotofagos (2006) for soprano and double bass
Pietro Elia Barcellona, double bass
Giulia Zaniboni, soprano

Isaac Blumfield (*1996)
Strange symmetry (2024, UA)
Mikołaj Rytowski, percussion
 

Wojtek Blecharz (*1981)
Blacksnowfalls (2014) for timpano solo
Mikołaj Rytowski, percussion
 

Karlheinz Stockhausen (1928-2007)
Kontakte (1958-60) for electronic sounds, piano and percussion
Dmitry Batalov, piano
Alexandre Silva, percussion
 

ATTACCA ist das Festival der Studierenden in den Bereichen Audiodesign, Komposition, Open Creation und Zeitgenössische Musik

Masterrezitale MASP Zeitgenössische Musik
Pietro Elia Barcellona, Kontrabass / Dmitry Batalov, Klavier / Jacob Mason, Klavier / James Morley, Violoncello / Mikołaj Rytowski, Schlagzeug / Alexandre Silva, Schlagzeug / Martijn Susla, Klarinette
 

Liza Lim (*1966)                                                                                                                                       
Spirit Weapons I (2000)
James Morley, cello
 

Alex Paxton (*1990)                                                                                                                         
Sometimes voices (2020) for synthesizer, samples and drum-kit
Dmitry Batalov, keybords
Mikołaj Rytowski, percussion
 

Stefan Prins (*1979)                                                                                                                             
Inhibition space #2 (2021) For bass clarinet and live-electronics                                                             
Martijn Susla, clarinet
 

Oxana Omelchuk (*1975)                                                                                                                 
Staahaadler Aff (2010) for Drum-Set and Samplepad
Alexandre Silva, Drum-set and Samplepad
 

Simon Steen-Andersen (*1976)                                                                                                                   
On And Off And To And Fro (2008) für Sopranosaxophon, Vibraphon, Bass und drei Megaphone
Alexander Prill, soprano saxophone
Mikołaj Rytowski, vibraphone
Pietro Elia Barcellona, double bass
Marc Baltrons Fàbregas, megaphone
Isabelle Meraner, megaphone
Martijn Susla, megaphone
 

ATTACCA ist das Festival der Studierenden in den Bereichen Audiodesign, Komposition, Open Creation und Zeitgenössische Musik

PERFORMANCE ZEITGENÖSSISCHE MUSIK
Masterrezitale Pietro Elia Barcellona, Dmitry Batalov, Jacob Mason,
James Morley, Mikołaj Rytowski, Alexandre Silva, Martijn Susla
Klasse Yaron Deutsch, Sarah Maria Sun, Mike Svoboda, Marcus Weiss
 

Georges Aperghis (*1945)                                                                                                             
Conversation X (2010, SEA) for speaking performer on the prepared piano
Dmitry Batalov, piano

Harrison Birtwistle (1934-2022)                                                                                                           
Harrison’s clocks (1997-98) for piano solo
Dmitry Batalov, piano
 

Vladimir Gorlinsky (*1984)                                                                                                                       
Accent sequence (2009, SEA) for piano and electronic relay
Dmitry Batalov, piano
 

Stefan Prins (*1979)                                                                                                                                   
Piano Hero 1 (2011)
Jacob Mason, MIDI Keyboard
 

Panayiotis Kokoras (1974)                                                                                                                   
Asphyxia (2017) for clarinet, alto saxophone, violin, viola and percussion
Martijn Susla, clarinet                                                                                                                         
Alexander Prill, alto saxophone                                                                                                                 
Rahel Boell, violin                                                                                                                                       
Laura Kumwenda, viola                                                                                                                       
Alexandre Silva, percussion                                                                                                                     
Mikołaj Rytowski, percussion
 

ATTACCA ist das Festival der Studierenden in den Bereichen Audiodesign, Komposition, Open Creation und Zeitgenössische Musik

PERFORMANCE ZEITGENÖSSISCHE MUSIK
Masterrezitale Pietro Elia Barcellona, Dmitry Batalov, Jacob Mason,
James Morley, Mikołaj Rytowski, Alexandre Silva, Martijn Susla
Klasse Yaron Deutsch, Sarah Maria Sun, Mike Svoboda, Marcus Weiss
 

Unsuk Chin (*1961)                                                                                                                                   
Etude no. 1 “In C” (1995, rev. 2003)
Jacob Mason, piano
 

Andile Khumalo (*1978)                                                                                                                         
Schau-fe[r]n-ster (2011)
Jacob Mason, piano
 

Enno Poppe (*1969)                                                                                                                                   
Herz (2002)
James Morley, cello
 

Elnaz Seyedi (*1982)                                                                                                                           
Glasfluss (2022) for solo percussion
Alexandre Silva, percussion
 

Helmut Lachenmann (*1935)                                                                                                                   
Allegro Sostenuto (1986/88) for clarinet, cello and piano
Martijn Susla, clarinet                                                                                                                               
James Morley, cello                                                                                                                                 
Dmitry Batalov, piano
 

ATTACCA ist das Festival der Studierenden in den Bereichen Audiodesign, Komposition, Open Creation und Zeitgenössische Musik

PERFORMANCE ZEITGENÖSSISCHE MUSIK
Masterrezitale Pietro Elia Barcellona, Dmitry Batalov, Jacob Mason,
James Morley, Mikołaj Rytowski, Alexandre Silva, Martijn Susla
Klasse Yaron Deutsch, Sarah Maria Sun, Mike Svoboda, Marcus Weiss
 

Mauro Lanza (*1975)                                                                                                                                     
La bataille de charesme et de charnage (2012)
James Morley, cello

Javier Álvarez (1956-2023)                                                                                                                     
Papalotl (1987)
Jacob Mason, piano
 

Georges Aperghis (*1945)                                                                                                                 
Damespiel (2011) for bass clarinet solo
Martijn Susla, bass clarinet

Alberto Bernal (*1978)                                                                                                                       
Impossible translations #3b (2011)
Mikołaj Rytowski, percussion

Franco Donatoni (1927-2000)                                                                                                               
Alamari (1983) for cello, double-bass and piano                                                                                       
James Morley, cello                                                                                                                                   
Pietro Elia Barcellona, double bass                                                                                                         
Dmitry Batalov, piano
 

ATTACCA ist das Festival der Studierenden in den Bereichen Audiodesign, Komposition, Open Creation und Zeitgenössische Musik

AUDIODESIGN
Klasse Volker Böhm und Svetlana Maraš
 

Jaka Arh (*1997)
Ivar gre na Dunaj (2024, UA) multi-channel composition for double bass and electronics
Ivar Roban Križić, double bass
Jaka Arh, electronics
 

obris (2023, revised 2024, UA)                                                                                                               
Jaka Arh, electronics
 

(un)stable (2023)                                                                                                                                         
Jaka Arh, electronics
 

Ivar gre na Dunaj (eng. Ivar goes to Vienna) is a telematic performance. The per-former is located in Vienna, transmitting his acoustic signal to the double bass in the performance space via a transducer. Additionally, pre-composed and live electronics in a multi-channel format complete the composition.
The work obris (eng. silhouette) is a solo piece that investigates the interplay between precomposed and improvised elements, employing Ableton Live as a live perfor-mance interactive instrument. Through the performance of the piece the control of multilayered structures is explored, with noise and sound serving as central themes.
(un)stable embodies the composer’s interpretation of experimental club music, in-fused with influences from his extensive background in jazz and popular music. Throughout the composition process, he sought to find a middle ground between the predetermined structures common in club performances and the need for flexibility of the material.
 

ATTACCA ist das Festival der Studierenden in den Bereichen Audiodesign, Komposition, Open Creation und Zeitgenössische Musik

Performances der Studierenden des Minor Improvisation

Electronic Studio Basel (ESB) has organized guest lecture and a workshop with American’s notable sound artist and composer Marina Rosenfeld. In a 3-day workshop, Marina has worked with the ESB Noise Ensemble, teaching them turntable techniques that they used in a concert where they shared the stage with her. Musicians played with the original records that were cut specifically for this occasion, containing the sounds made by the students.

Yaron Deutsch, E-Gitarre, spielt Werke von Andreas Dohmen und Clara Ianotta
Moderation: Marcus Weiss

Dialog ist eine Konzertreihe der Hochschule für Musik FHNW in Zusammenarbeit mit Gare du Nord

Clavemusicum Omnitonum

Aus dem Labor Mikrotonalität der Hochschule für Musik Basel

Leitung: Caspar Johannes Walter

Yeeun Go
(*1994)

Scattered  (UA 2024)

Für Altsaxophon, Bassposaune, Clavemusicum Akkordeon, Viola und Cello

Katharina Meldre
(*1999)

Serenade (UA 2024)

für Cello Solo

Joëlle Goetz
(*2001)

Neues Werk (UA 2024)

für Viola, Cello und Clavemusicum

Timofey Shatnyy
(*2002)

Non-linear Study Nr. 2  (UA 2024)

für Clavemusicum und Samples

Laura Kumwenda
(*2002)

Tre miniatyrer (UA 2024)

I Kontur

II Lek

III Gjenferdr

für Cello, Akkordeon und Posaune

Inbar Sharet
(*1996)

Arrum (UA 2024)

für Klarinette und Effektpedal

Yosef Itskovich
(*1970)

Arc en Ciel (UA 2024)

für Clavemusicum

Edward Williams
(*1989)

L'Enharmonique Decomposed (UA 2024)

für Ensemble

Mit Eliot Xaquín Dios Martínez (Clavemusicum Omnitonum), Eli Korman (Saxophon), Martijn Susla (Klarinette), Yossi Itskovich (Posaune), Laura Kumwenda (Viola), Clara Dietze, Katharina Meldre und Maksim Barbash (Violoncelli), Sophie Oetinger (Akkordeon)

Eine Kooperation mit dem Museum Tinguely

You are warmly invited to take part in the first Intergalactic Open Impro Ball organised by the Open Creation class (Andrea Neumann)!

Flyer

There are 5 main sets of 45 min. These main sets consist of smaller sets.
1st set: 18:00-18:45
2nd set: 19:00-19:45
3rd set: 20:00-20:45
4th set: 21:00-21:45
5th set: 22:00-22:45

Workshop mit den Schlagzeugstudierenden (Klasse Christian Dierstein)

09.00 Opening Talk
09.30 Tomohiro Iino und Yi Chen mit François Sehan: Duo
10.30 Alejandro Neves Sarriegui mit Helmut Lachenmann: Guero, arr. für Nicophone
11.30 Pablo Mena Escudero und Guiomar Sanz Martinmit Iannis Xenakis: Dmaathen
13.30 Mila Comel mit Kevin Volans: Asanga
14.30 (Zimmer 6-U02): Dániel Láposi mit James Wood: Rogosanti
15.30 Mikołaj Rytowski mit Wojtek Blecharz: Blacksnowfall
16.30 Final talk

Moderation: Marcus Weiss

Dialog ist eine Konzertreihe der Hochschule für Musik FHNW in Zusammenarbeit mit Gare du Nord

Transsonic

Viola Yip - light bulbs, electronics

Nicola L. Hein - guitar, electronics

Transsonic (Nicola L. Hein and Viola Yip) is an experimental transmedial duo that creates immersive site-specific performances and installations bridging the vibrations of light and sound. Trained as musicians, both look into the ontology of sound and how musical experience can be transformed beyond its common material—sound. For their artistic research project Transsonic, they explore light as an expanded musical material. They research and create performances, improvising between lights and sounds as equally important but dialectical musical materials.

Hein and Yip have been commissioned by Hong Kong New Music Ensemble, Seanaps Festival Leipzig and Gray Center for Arts and Inquiry at the University of Chicago. They have also  presented at New York University, Experimental Intermedia (NYC), Internationales Musikinstitut Darmstadt, Sonic Lab in SARC at Queen's University Belfast, Huddersfield, Royal Northern College of Music in Manchester, Klex Festival in Kuala Lumpur, De Tanker in Amsterdam, Blurred Edges Festival in Hamburg, Alte Feuerwache in Köln, Willows Nest, Studio Börne 45, West Germany and Experimentik in Berlin.

Viola Yip is an experimental composer, performer, sound artist, and instrument builder. She has been interested in creating new self-built instruments and sound performances that explore the dynamic relationships between media, materiality, space, and musical bodies in experimental music.

Her recent appearance includes the Hong Kong Arts Center, Center for New Music and Audio Technologies (CNMAT) at UC Berkeley, Center for Computer Research in Music and Acoustics (CCRMA) at Stanford, Issue Project Room (NYC), Art Club of Chicago, Cycling ‘74 Expo, University of Huddersfield, Sonic Arts Research Center at Queen's University Belfast, QO-2 (Brussels), Kunst Station Sankt Peter (Köln), Radialsystem (Berlin) and Pinakothek der Moderne (München).

She recently received an Honorary Mention from Giga-Hertz-Preis 2021 at ZKM in Karlsruhe. She was also a recipient of Künstlerhaus Villa Waldberta Stipendium in Munich as well as the residency at Studios für Elektroakustische Musik in Akademie der Künste Berlin.

violayip.com

Nicola L. Hein is a sound artist, guitarist, composer, and researcher in the field of music aesthetics and cybernetics. He is the professor of Digital Creation and artistic director of the studio for electronic music at the University of Music in Lübeck. His work is determined by the interaction of sound, space, light, movement, and the emergent dynamics of aesthetic systems. In his artistic work, he uses physical and electronic extensions of synthesizers and electric guitar, sound installations with motors/video projections/light, cybernetic human-machine interaction with interactive A.I. music systems, augmented reality, telematic real-time art, ambisonic sound projection, instrument-making, conceptual compositions. Intermedia works with video art, dance, literature and other art forms. His works have been realized in more than 30 countries in North America, South America, Africa, Asia, and Europe. His artistic work is documented in over 30 releases. He has been awarded many different prizes and grants for his work. He has collaborated with Max Eastly, Evan Parker, Miya Masaoka, Axel Dörner, Ute Wassermann, and many more. Presentations of his work at MaerzMusik Festival (Berlin), Ars Electronica (Linz), Moers Festival, A L'ARME! FESTIVAL (Berlin), Super Deluxe (Tokyo), Sonica Festival (Glasgow), and many more.

nicolahein.com/

Einstudierung: Marcus Weiss

Alexey Sysoev (*1972): Weather Report (2020)
für Sopran, Flöte, Klarinette und Klavier
Alena Verin-Galitskaia, Sopran
Isabelle Meraner, Flöte
Rebecca Minten, Klarinette
Jacob Mason, Klavier

Leonardo Idrobo (*1977): Wood table, stainless steel (2018)
für Saxophon, Schlagzeug, Klavier, Violoncello und Elektronik
Marc Baltrons Fàbregas, Saxophon
Alexandre Silva, Schlagzeug
Jacob Mason, Klavier
Clara Dietze, Violoncello
Jonas Prina, Elektronik

Simon Steen-Andersen (*1976): On And Off And To And Fro (2008)
für Sopranosaxophon, Vibraphon, Kontrabass und drei Megaphone
Alexander Prill, Sopransaxophon
Mikołaj Rytowski, Vibraphon
Pietro Elia Barcellona, Kontrabass
Rebecca Minten, Megaphon
Isabelle Meraner, Megaphon
Martijn Susla, Megaphon

Thomas Kessler (*1937): is it? (2002)
für Sopran und Sopransaxophon
Alena Verin-Galitskaia, Sopran
Alexander Prill, Sopransaxophon

Thomas Kessler: Roots nach einer Idee von Thomas Kessler (2024, UA)
Tutti

Zum Programm:
Der Titel «Roots» stammt von einer Projektidee des Komponisten Thomas Kessler. Beeindruckt vom selbstverständlichen Zusammenspiel der Musiker:innen bei zeitgenössischen Werken – trotz der herkunftsbedingten grossen geographischen und musikalischen Unterschiede – fragte er sich nach deren individuellen, ersten musikalischen Begegnungen und Bewegungen. Er traf sich einzeln mit allen Spielenden und entwickelte eine Art Urfigur, stiess eine solche bei jedem und jeder Einzelnen an. Daraus sollte ursprünglich ein ganzer Abend entstehen.
Die Planung hat sich nun geändert und das Konzert ist zu einem gemischten Kammermusikabend geworden, der den «Roots»-Gedanken als Hintergrund beibehält.

Werke von Alexej Sysoev, Simon Steen-Andersen und Leonardo Idrobo werden neben einem kleinen Duo aus Kesslers Feder zu hören sein. Roots, welches das Konzert beschliesst, haben die Musiker:innen mit Hilfe der Anregungen von Thomas Kessler selbst entwickelt.

Ioana Vreme Moser will give an artist talk and present the instruments built during the workshop with the Sound art class of Prof. Svetlana Maraš. Ioana works with hardware electronics, speculative research, and tactile experimentation.

Ioana Vreme Moser (b. 1994) is a Romanian sound artist engaged with hardware electronics, speculative research, and tactile experimentation.
In her practice, she uses rough electronic processes to obtain different materialities of sound. She places electronic components and control voltages in different situations of interaction with her body, organic materials, lost and found items, and environmental stimuli. From these collisions, synthesized sounds emerge to carry personal narrations and observations on the history of electronics, their production chains, wastelands, and entanglements in the natural world. 

More about the Sizzling semiconductors workshop

ensemble zone expérimentale basel
Friederike Scheunchen, Dirigentin

Yaron Deutsch, Leitung

Eine Kooperation mit Harvard Group for New Music der Harvard University, Cambridge MA/USA

Kelley Sheehan
BrainZaps (2020)
for flexible ensemble, tape, and video

Isabelle Meraner, Flöte
Rebecca Minten, Klarinette
Alexander Prill, Saxophon
James Morley, Cello
Pietro Elia Barcellona, Bass
Alexandre Silva, Schlagzeug

Victor Arul
Meros (2024)
for ensemble and electronics

Isabelle Meraner, Flöte
Rebecca Minten, Klarinette
Martijn Susla, Klarinette
Alexander Prill, Saxophon
Juan Camilo Trujillo Uribe, Saxophon
Máté Tokárszky, E-Gitarre
James Morley, Cello
Pietro Elia Barcellona, Bass
Jacob Mason, Klavier
Alexandre Silva, Schlagzeug

Chris Lock
Grey Velvet (2024)
for electric guitar, cello, double bass, and electronics

Máté Tokárszky, E-Gitarre
James Morley, Cello
Pietro Elia Barcellona, Bass

Darcy Copeland
sun-stilled (2024)
for ensemble

Isabelle Meraner, Flöte
Rebecca Minten, Klarinette
Martijn Susla, Klarinette
Alexander Prill, Saxophon
Juan Camilo Trujillo Uribe, Saxophon
Máté Tokárszky, E-Gitarre
James Morley, Cello
Pietro Elia Barcellona, Bass
Jacob Mason, Klavier
Alexandre Silva, Schlagzeug

Jonas Prina, Audiotechnik

Idee und Konzeption: Johannes Kreidler

Während in Theater-, Literatur- und Kunstpädagogik die Reflexion bezüglich des Unterrichts angehender RegisseurInnen, SchauspielerInnen, SchriftstellerInnen und KünstlerInnen (und als solche selbst wiederum auch künftige Lehrende) weit entwickelt und niedergeschrieben ist, scheint sich im Bereich der Komposition Neuer Musik seit Jahrzehnten über die tatsächliche Lehre hinaus wenig zu tun.
Dabei wäre gerade angesichts einer Explosion der Ästhetiken und Mittel seit der Postmoderne und der Digitalen Revolution dies, jenseits des Tonsatz-Traktats und der perhorreszierten >Verschulung< von Avantgarde ein Desiderat: In einem Bereich, in dem Kreativität und schöpferische Intuition zentral sind, eben jene Fähigkeiten auch auf das Unterrichten derselben und der vielen weiteren Aspekte Neuer Musik im 21. Jahrhundert hin zu betrachten.
Auf dieser Tagung soll es um das Unterrichten von Komposition Neuer Musik an Musikhochschulen gehen. Ist dieses nicht notwendig selbst eine Kunst? Wenn ja, was für eine? Neben Auskünften von ProfessorInnen aus Ihrer Praxis soll es historische Perspektiven sowie Einblicke in andere Kunstsparten geben.

10:00 Vortrag: Roland Moser (HSM Basel)
Keine «Lehre». Was sonst?
Zur Praxis von «Komposition» als «Lehrfach»:
- über Sinn und Unsinn von Anführungszeichen.
- 1969 - 2008, ein Rückblick. Auch «Ausblick»?
- Arbeiten im Dialog – und in der Klasse.
- Beispiele; kleine Geschichten.

10:45 Vortrag-Performance: Katharina Rosenberger (MH Lübeck)
Die Kunst der Transzeption
Erläuterung zum Zusammenspiel von performativen und konventionellen pädagogischen Interventionen zur Förderung einer Tiefenstrategie des Lernens.

11:30 Statements: Victor Arul und Darcy Copeland (Harvard)
Aus Anlass des Austauschprogramms mit der Harvard University kommen zwei Studierende von dort, die gerade zu Gast in Basel sind, zu Wort: Was sind ihre Erfahrungen mit dem Unterrichtetwerden in Komposition? Was waren ihre prägendsten Lektionen? Wenn sie selbst einmal Komposition lehren werden, was werden sie dann anders machen?
(auf Englisch)

12:00 Abschlusspanel

Videomitschnitte der Vorträge werden später auf der Website der FHNW veröffentlicht.

Mit Studierenden von Johannes Kreidler (Komposition) und Andrea Neumann (Open Creation)

Make a bad piece!
Performance: Raphaël Belfiore, Yeeun Go, Oleksandra Katsalap, Eli Korman, Aydin Leon Pfeiffer, Vili Polajnar, Oliver Rutz, Michele Selvaggi, Inbar Sharet, Yehu Shashoua-Dar und Dakota Wayne

Tuned for Playing
Performance: Ignat Khlobystin, Anouk Neyens, Alex Prill, Sophie Oetinger und Noah Rosen

Tuned for Playing: Wie beeinflussen von den Beteiligten selbst entworfene Hörpartituren die darauf folgende Improvisation?

Idee und Konzeption: Johannes Kreidler

Während in Theater-, Literatur- und Kunstpädagogik die Reflexion bezüglich des Unterrichts angehender RegisseurInnen, SchauspielerInnen, SchriftstellerInnen und KünstlerInnen (und als solche selbst wiederum auch künftige Lehrende) weit entwickelt und niedergeschrieben ist, scheint sich im Bereich der Komposition Neuer Musik seit Jahrzehnten über die tatsächliche Lehre hinaus wenig zu tun.
Dabei wäre gerade angesichts einer Explosion der Ästhetiken und Mittel seit der Postmoderne und der Digitalen Revolution dies, jenseits des Tonsatz-Traktats und der perhorreszierten >Verschulung< von Avantgarde ein Desiderat: In einem Bereich, in dem Kreativität und schöpferische Intuition zentral sind, eben jene Fähigkeiten auch auf das Unterrichten derselben und der vielen weiteren Aspekte Neuer Musik im 21. Jahrhundert hin zu betrachten.
Auf dieser Tagung soll es um das Unterrichten von Komposition Neuer Musik an Musikhochschulen gehen. Ist dieses nicht notwendig selbst eine Kunst? Wenn ja, was für eine? Neben Auskünften von ProfessorInnen aus Ihrer Praxis soll es historische Perspektiven sowie Einblicke in andere Kunstsparten geben.

13:00 Begrüssung
Uli Fussenegger, Leiter sonic space basel HSM Basel
Johannes Kreidler, Professor für Komposition HSM Basel

13:15 Vortrag: Carola Bauckholt (ABPU Linz)
Die Leere aushalten. Freiraum – Gemeinschaft – Arbeitsangebote – Dokumentation

Wie kann Kompositionsunterricht heute gelingen?
Worauf kommt es an?
Neben einem Bericht aus den eigenen Erfahrungen als Lernende und Lehrende werden konkrete Beispiele, wie Kreativitätstechniken, Instant Composing oder die Feedback Methode Critical Friends vorgestellt.

14:00 Vortrag: Mart*in Schüttler (HMDK Stuttgart)
Verlernen lernen

Die Annahme, es gäbe eine universell richtige Methode der künstlerischen Lehre, ist historisch überholt und kaum jemand würde so etwas heute noch ernsthaft einfordern. Jedes Unterrichten von Kunst (bzw. von Komposition) hat immer subjektive Anteile. Es wird grundiert vom Kunstbegriff der lehrenden Personen, von ästhetischen Vorlieben, vom Kenntnisstand und von vielem mehr.
Und dennoch, meiner Erfahrung nach halten sich in der Praxis immer noch Reste allgemeingültiger Vorstellung von Kompositionsunterricht. Sei es aus Gewohnheit oder wegen anderer blinder Flecke. In meinem Vortrag «Verlernen lernen» möchte ich einige Aspekte dieser Thematik genauer beleuchten, insbesondere das Spannungsfeld zwischen Milieu, Institutionen, Kanon, Geschmack & postkolonialem Denken.

15:00 Vortrag: Johannes Kreidler (HSM Basel)
Unterricht als Performance?

Den künstlerischen Werdegang eines Studierenden zu begleiten, geht selten linear, wie auch bei jedem einzelnen Stück man schwerlich von Note zu Note schreitet und für jede kompositorische Entscheidung einen Grund abfragt, bis alles «stimmt». An welchem Punkt ist statt Rationalisierung die «Irrationalisierung» gefragt, sind psychologisches Geschick, Tricks und Provokationen angebracht, wie fördert man Intuition und schützt diese, wo und wann hingegen muss hart abgeklopft werden? Hierzu möchte ich einige Beobachtungen und Überlegungen anstellen, die sich dem Gedanken nähern, dass der Kompositionsunterricht selbst eine ästhetische Dimension bekommen kann, in der das Lernen, die Entfaltung performativ hervorgebracht werden.

15:45 Vortrag: Michel Roth (HSM Basel)
Die Lehre der Leerkunst. Hommage à Robert Filliou

Robert Fillious Buch Teaching and Learning as Performing Arts (1970) macht Ernst: Wenn sich Lehren und Lernen als performative Künste austauschen können (im doppelten Wortsinn), dann muss auch der Lesevorgang von Fillious Buch performativ sein. Dazu bietet er den Lesenden gleich viel Leerraum wie Text und damit Platz, das eigene Lernen zu dokumentieren, eine eigene «Lehre» zu entwickeln oder die versammelten Texte zu kommentieren: Das Buch lässt u.a. John Cage, Joseph Beuys, Dorothy Iannone, Dieter Roth und dessen Kinder zu Wort kommen.
In meinem Vortrag lasse ich meine Student:innen zu Wort kommen. Ich habe ihnen rund einen Monat vor dem Vortrag ein leeres Onlinedokument und Robert Fillious Buch zur Verfügung gestellt und gebeten, in einem kollektiven Schreibexperiment meinen Vortragstext zu entwickeln. Was ich zur «Kunst der Kunstlehre» zu sagen habe, werden wir dann erfahren.

17:00 Vortrag: Beate Florenz, Iris Ganz, Markus Schwander (HGK Basel)
Forschendes Handeln üben – Einblicke in die Lehre in Kunst und Designvermittlung

Im Fachbereich der Kunstpädagogik hat neben der klassischen qualitativen empirischen Forschung die künstlerische Forschung als Empirie-basierter Forschungsansatz an Bedeutung gewonnen. Wie aber lassen sich solche differenten Forschungsansätze für Studierende im BA erfahrbar machen und damit als reflexives Tool für die eigene Vermittlungspraxis erschliessen. Diese Frage nimmt ein Modul im Studiengang Arts and Design Education auf, indem es theoretische, künstlerisch forschende und performative Arbeitsweisen miteinander verknüpft. Der Vortrag stellt dieses Modul anhand der Konzeption und Arbeitsergebnissen der Studierenden zur Diskussion.

17:45 Vortrag: Gordon Kampe (HfMT Hamburg)
«fancy island» – über vollkommen missglückte Streichquartette und gelegentliche Einhörner im Kompositionsunterricht

Mein erstes und voraussichtlich auch letztes Streichquartett heisst «fancy island». Es ist (keine Koketterie!) ein wirklich vollkommen misslungenes Stück. Grauenhaft! – Im Unterricht spielt der Komponist keine Rolle, fast nie zeige ich eigene Stücke. Neulich aber, Beuys im Hinterkopf, zeigte ich – zu viele Routinen schienen sich breit zu machen – einige meiner «Wunden». Der Lehrer als Loser. Schreckliche Stücke, verlorene Wettbewerbe, Verrisse, abgesagte Projekte. Es ist natürlich utopisch. Trotzdem: Manchmal versuchen wir, den Betrieb, die Betriebsamkeit, sogar die Zukunftssorgen und den immensen Druck für kurze Zeit unter einer Fermate zu parken, nach links zu schauen und das schöne, schüchterne, scheue Wesen, das neben uns sitzt und wir gemeinhin Musik nennen, zu fragen: «Und, wie siehst Du das?»

Videomitschnitte der Vorträge werden später auf der Website der FHNW veröffentlicht.

Bernhard Lang (*1957): Druck – Monadology XV (2011)       
for 4/8 saxophones, two pianos and percussion

Saxophone: Alvaro Rodriguez (S), Juan Trujillo (S), Maria Chamizo (S), Pol Cabrera (A), Marc Baltrons (T), Pattranant Pliensakul (T), Miguel Fernandez (B), Perasathe Kahasatian (S)

Klavier: Dmitry Batalov und Jacob Mason

Perkussion: Mikolaj Rytowski und Alexandre Silva

Maulwerker, the ensemble for experimental vocal music and composer-performer collective, are known as pioneers in exploring the performativity of music. Rooted in the spirit of John Cage and their founder Dieter Schnebel, they collaborated with Fluxus artists Alison Knowles, Ben Patterson and Emmett Williams and a huge variety of contemporary composers: Antonia Baehr, Alessandro Bosetti, Arturas Bumšteinas, Cathy van Eck, Cenk Ergün, Sabine Ercklentz, Neo Hülcker, Mazen Kerbaj, Makiko Nishikaze, Annette Schmucki, Ute Wassermann a.m.o.

In this lecture, they will introduce their work along the categories Space, Body, Listening, Voice, Materiality of Sound, and more, presenting video excerpts and some live performances.

Vortrag von Lukas Ligeti über die experimentelle Zusammenarbeit mit afrikanischen Musikerinnen und Musikern
Im Rahmen des Interpretationsforums der Hochschule für Musik Basel

Veranstaltung in Kooperation mit der SMG und der Basel Sinfonietta

Im Rahmen der Ausstellung «Ligeti-Labyrinth» des Musikmuseums und in Kooperation mit der Paul Sacher- Stiftung

ensemble zone expérimentale basel
Leitung: Friederike Scheunchen

Eine Kooperation mit Harvard Group for New Music der Harvard University, Cambridge MA/USA

Isabelle Meraner, flute
Martijn Susla, clarinet
Rebecca Minten, clarinet
Juan Trujillo, saxophone
Alexander Prill, saxophone
Mate Tokarsky, guitar
James Morley, cello
Pietro Barcellona, double bass
Jacob Mason, piano
Alexandre Silva, percussion

Abschlussperformance des Workshops mit Mike Svoboda und Caspar Johannes Walter

Eli Korman (*1992): Shofarot (UA 2024)
María Chamizo Martin, Sopransaxophon
Álvaro Rodríguez Cabezas, Tenorsaxophon
Miguel Fernández, Baritonsaxophon

Sophie Oetinger (*1996): Dear contemporary music, I don't know who you are but I apologize. I wrote h minor in one bar. (UA 2024)
Ignat Khlobystin, AltflötE
Laura Kumwenda, Viola

Vili Polajnar (*1998): Mastery of Emotional Slavery (UA 2024)
Maciej Kasperek, Flöte
Szymon Emil Parulski, Klarinette
Pattranant Pliensakul, Saxophone

Stefano Grasso (*1992): IMG_0024. (UA 2024)
Timm Kornelius, Fagott
Laura Kumwenda, Viola
Sophie Oetinger, Akkordeon
Stefano Grasso, Perkussion
Timm Kornelius, Desk A
Laura Kumwenda, Desk B
Sophie Oetinger, Desk C
Stefano Grasso, Desk A2

16.30-19.00 Uhr

Alvin Lucier (1931–2021), Ivan Liuzzo (*1993), Simone Spampinato (*1999)
Gentle Fire (Beta). Installation (UA/SEA)
(1971, reworked, reconstructed, reinterpreted, and performed by Ivan Liuzzo and Simone Spampinato)


19.30 Uhr

Sophie Oetinger (*1996)
Ambient Set n°2 (2024)

Edward Williams (*1992)
Decomposition - Soave doc'ardor für Streichquartett (2023)
Rahel Boeel, Violine
Noam Lelior Gal, Violine
Lorenz Stalder, Viola
James Morley, Violoncello

Tim Shatnyy (*2002)
Non-linear study n°1 (2024, UA)
Santiago Villar Martín und Pablo Mena Escudero, Perkussion

Oleksandra Katsalap (*2001)
Surface (2024, UA)

Isaac Blumfield (*1996)
Before you were born
Phoebe Bognar, piccolo/alto flute
Anouk Neyens, soprano/baritone saxophone
Maria Elisabeth Köstler, violín
James Morley, cello
Dmitry Batalov, piano
Nejc Grm, accordion 

Werke von Raphael Belfiore, Aydin Leon Pfeiffer, Yehu Shashoua-Dar, Dakota Wayne

Abschlussperformance des Workshops mit Mike Svoboda und Caspar Johannes Walter

Ensemble Diagonal für zeitgenössische Musik der Hochschule für Musik Basel
Emilio Pomàrico, Dirigent

Kaija Saariaho (1952-2023): Lichtbogen (1986)
Justė Janulytė (*1982): Sleeping patterns  (2022)
Giacinto Scelsi (1905-88): I presagi (1958)
Jonathan Harvey (1939-2012): Sringara Chaconne (2008)

Detailprogramm

Eine Kooperation mit dem Museum Tinguely

Moderation: Marcus Weiss

Dialog ist eine Konzertreihe der Hochschule für Musik FHNW in Zusammenarbeit mit Gare du Nord - Bahnhof für neue Musik

Studierende der Hochschule für Musik Basel spielen Kammermusik von György Ligeti
Einstudierung: Anton Kernjak, Christian Lampert, Claudio Martínez Mehner, Isolde Siebert, Geneviève Strosser

Konzert im Rahmen der Ausstellung «Ligeti-Labyrinth» des Musikmuseums in Kooperation mit der Paul Sacher Stiftung

György Ligeti (1923-2006)

Fünf Stücke für Klavier zu vier Händen (1942-1950)
Manoush Toth, Klavier
Mikołaj Woźniak, Klavier

Baladă și joc (Ballade und Tanz) für zwei Violinen (1950)
Lara Stibal, Violine
Leonie Trips, Violine

Zehn Stücke für Bläserquintett (1968)
Caterina Bruno, Flöte
Maria Carminho Azeredo, Oboe
Benjamin Pallagi, Klarinette
Marcial Holzer, Horn
José Javier Romero, Fagott

Négy lakodalmi tánc. «Vier Hochzeitstänze» nach ungarischen Volksliedern für drei Singstimmen und Klavier (1950)
Anna Juniki, Gesang
Xenia Lemberski, Gesang
Julian Schmidlin, Gesang
Sarah Bottiau, Klavier

Három Weöres-dal. Drei Lieder für Sopran und Klavier auf Gedichte von Sándor Weöres (1946/47)
Maria Pujades Seguí, Gesang
Edoardo Milanello, Klavier

Der Sommer für Singstimme und Klavier (1989)
Maria Pujades Seguí, Gesang
Eduardo Milanello, Klavier

Trio für Horn, Violine und Klavier «Hommage à Brahms» (1982)
Elias Merki, Horn
Brandon Garbot, Violine
Dmitry Batalov, Klavier

Werke von Kelly Sheehan, Hugo Morales, Igor Silva, Gérard Grisey

Einstudierung und Leitung: Christian Dierstein

Weitere Informationen

Performances der Studierenden des Minor Improvisation

Lecture Recital im Rahmen des Interpretationsforums der Hochschule für Musik Basel

György Ligeti, Három Weöres-dal für Singstimme und Klavier (1946/47)
György Ligeti, Síppal, dobbal, nádihegedűvel für Mezzosopran und vier Schlagzeuger (2000)

Konzept und Moderation: Michael Kunkel

Anne-May Krüger, Mezzosopran
Dmitry Batalov, Klavier
Studierende der Schlagzeugklasse (Einstudierung: Christian Dierstein)

Im Rahmen der Ausstellung «Ligeti-Labyrinth» des Musikmuseums und in Kooperation mit der Paul Sacher-Stiftung

zone expérimentale, our contemporary music ensemble, invites the audience to a Winter Welcoming Fest taking place on a hopefully sunny Sunday.
In the core of this matinée stands a sort of a museum-like experience in which the audience is welcomed to roam, listen and discover a wide range of pieces and aesthetics, taking place in parallel and showcasing the music our students have been exploring. The event is a collaborative effort involving students from the contemporary performance, composition and electronic studio departments and into this joint atmosphere, we wish to welcome you all.

Konzept und Einstudierung: Yaron Deutsch

Neo Hülcker and Stellan Veloce: Ear Action for earprotection and objects (2016)
N.N., performers

Philippe Leroux (*1959): PPP for flute & piano (1993)
Ignat Khlobystin, flute
Dmitry Batalov, piano

Kaija Saariaho (1952-2023): Adjö for soprano, flute & guitar (1998)
Maria Pujades Seguí, soprano
Isabelle Meraner, flute
Máté Tokárszky, guitar

György Kurtág (*1926): Aus Játékok book IV for piano 4 hands/2 pianos (1982–2005)
Köd-Kanon / Kéz a kézben (Hommage a Sárközy) /  Harangok (Hommage a Stravinsky) / Hommage à Paganini (for two pianos) / Sirató (for two pianos) / Hommage a Soproni (in memoriam matris carissimae)
Dmitry Batalov & Florian Grand, piano

Franco Donatoni (1927–2000): Alamari for piano, cello and double bass (1983)
James Morley, cello
Pietro Barcellona, double bass
Dmitry Batalov, piano

Erin Gee (*1974): Mouthpiece XXIV for saxophone and percussion (2015)
Alexander Prill, saxophone
Mikołaj Rytowski, percussion

Bernhard Lang (*957): The Cold Trip for 4 guitars & voice (2014)
Good Nite / Frozen Tears / Looking Back
Anna Juniki, voice
Máté Tokárszky, Laura Rouy, Martin Jirout & Flavio Banni, guitar

Carola Bauckholt (*1959): Cellotrio for 3 cellos (2002)
James Morley, Clara Dietze & Ema Grcman, cello

Alex Mincek (*1975): Karate for 2 saxophones (2001–03)
María Del Carmen Chamizo Martín, saxophone
Álvaro Rodríguez Cabezas, saxophone

Roman Haubenstock Ramati (1919–1994): Hexachord II for two guitars (1973)
Máté Tokárszky, guitar
Laura Rouy, guitar

Kate Soper (*1981): Only the Words Themselves Mean What They Say for soprano and flute (2010/11), Text by Lydia Davis
Anna Juniki, soprano
Isabelle Meraner, flute

Rebecca Saunders (*1967): Stirring Still III for seven players (2019)
Ignat Khlobystin, flute
Marc Baltrons Fàbregas, saxophone
Rebecca Minten, clarinet
Mikołaj Rytowski, percussion
Alexandre Silva, percussion
Dmitry Batalov, piano
Pietro Barcellona, double bass

Eli Korman (*1992): Everything is Bland for 2 flutes, 2 saxophones, 2 cellos and percussion (2023)
Ignat Khlobystin, flute
Isabelle Meraner, flute
Alexander Prill, saxophone
Marc Baltrons Fàbregas, saxophone
James Morley, cello
Clara Dietze, cello
Mikołaj Rytowski, percussion

Live multichannel modular synthesizer performance
Cyrill Jauslin

Live computer improvisation
Kaspar Deicher

Gesamtprogramm

Studierende der Studienrichtung Open Creation (Klasse Andrea Neumann) präsentieren ihre Projekte – akustisch, visuell, performativ und intermedial – die sich nicht nur einer Disziplin zuordnen lassen.

Im Anschluss an die Performances werden die Projekte in einem Resonanzraum diskutiert, moderiert von Uli Fussenegger, Christoph Haffter und Michael Kunkel.

Alexander Prill: Raum
So verschieden wir auch sind, eint uns heute Abend die Anwesenheit in diesem Raum.
Lasst ihn uns hören, erkunden, nehmen.

Yanik Soland: SOFT CHAINS
Sound explorations around a japanese Koto, Electronics, Harp, Saxophone and a portativ

Anouk Neyens
Miriam Paschetta
Fernando Manassero
Yanik Soland

Mona Creisson: RANDOM GROOVES
An experiment over determinism in groove based music

Anouk Neyens, saxophone
Mikael Szafirowski, guitar
Stefano Grasso, Drums
Mona Creisson, sample

Marco Papiro
Live performance

Minh Phi Guillod & Anton Schleidt
Multi-channel, no input mixer
 

Marco Papiro is a Swiss-Italian graphic designer – mostly known for his cover artworks for the likes of Sonic Boom, Panda Bear or Sun Araw – composer and multi-instrumentalist. Over the past 20 years he has released seven solo albums and various singles and EPs for several labels including Planam, Muscut and Marionette. Since the early nineties he has been primarily performing on the synthesizer, though you can still sense his background as a violin player and singer in a church choir. His concerts range from meditative and ceremonial to utterly kaleidoscopic.

Classically trained from early age, he played violin, synthesizer and bass guitar in several bands before creating and releasing his own self-produced music as Papiro. His influences are numerous and audible: drone, minimal, folk from all times and places, psychedelic, contemporary classical, industrial – but also easy listening, pop and even new age music. His compositions are generally instrumental, meditative and hypnotic, but at times also bizarre and humorous. Papiro is a multi-instrumentalist with a fondness for synthesizers from the pre-programmable era – the EMS VCS3, the Moog Sonic Six, the Roland Jupiter 4 and the Serge Modular among others.

Marco Papiro has collaborated with various musicians such as Mani Neumeier, Hans Koch[1] or Gyða Valtýsdóttir, and has been a „sound carrier“ for Damo Suzuki on several occasions. He is also a regular guest with Swiss garage-psych band Roy & the Devil's Motorcycle.[2] In 2005 he founded the noise band Mir,[3] together with Daniel Buess and Michael Zaugg (later also Marlon McNeill and Yanik Soland). Until Daniel Buess' death in 2016, the band played over a hundred shows in Europe, Brazil and Japan. As a producer he has initiated the re-release of "Herzschlag Erde / Verdunkelt die Sinne" and "Die singende Sternlaterne / Folklore des Weltalls 1982" by Swiss underground musician and outsider artist "Die Welttraumforscher", of whom he is a big admirer.

Papiro is also active as an unorthodox DJ. Together with Markus Stähli of Roy & the Devil's Motorcycle they host a monthly night were they expand their eclectic sets by using various speeds, additional instruments, prepared tapes and effects.

Marco Papiro has studied graphic design at the Basel School of Design from 1995 to 1999. As a graphic designer Marco Papiro is mostly known for the posters and album covers he has created for related artists such as Sun Araw, Spacemen 3 / Spectrum(with Peter Kember aka Sonic Boom), Panda Bear, Z'EV, Antoine Chessex, Oren Ambarchi and many others. He teaches at the Basel School of Design since 2006.

www.papiro.ch

Studierende der Studienrichtung Open Creation (Andrea Neumann) präsentieren ihre Projekte – akustisch, visuell, performativ und intermedial – die sich nicht nur einer Disziplin zuordnen lassen.
Im Anschluss an die Performances werden die Projekte in einem Resonanzraum diskutiert, moderiert von Uli Fussenegger, Christoph Haffter und Michael Kunkel.

Ignat Khlobystin: Laboratory of improvisational topology
There are different approaches to improvisation. Improvisation can be entered into through different images, through personal emotional or bodily experience, or through a set of applied strategies and instructions. We experiment with different frames and images in search of unpredictable results.

Stefano Grasso, percussion
Noah Rosen, percussion
Ignat Khlobystin, flute

Sophie Oetinger: Psychosis 4.48 – Eine Bearbeitung
Bearbeitung für Chor von Sara Kanes‘ Theaterstück Psychosis 4.48

Sara Kanes (1971-99) erschütterndes Theaterstück Psychosis 4.48 ist eine Introspektive von Zuständen in der Depression und Psychose. Das Stück folgt keiner narrativen Logik mit personifizierten Erzählenden, sondern gleitet von einem fragmentarischen Zustand zum nächsten. Die Bearbeitung für Chor versucht sich den existenziellen Zuständen anzunähern und Zustände der Leere einer Depression in den Raum zu stellen. Wofür lohnt es sich zu leben? Was hat das Leben für einen Sinn? Musikalisch verhandelt die Komposition die Verbindung von Gesprochenem und Geflüsterten, gregorianischen Melodien und clusterhaften Harmonien.

Sopran: Friederika Dvir, Annika Bürklin, Marita Seitz, Anna Alexay
Alt: Maria Zürcher, Patricia Klarer, Elena Meier, Anouk Neyens
Tenor: Eli Kormann, Stefano Grasso, Joris Wyssbrod, Mattos Berger
Bass: Jonas Marti, Yehu Shashoua. Inbar Sharet
Einstudierung und Dirigat: Fiona van Vliet
Komposition und Idee: Sophie Oetinger

Mikael Szafirowski: 20 pictures of fur coats
There is a state of mind that occasionally occurs while improvising that can best be described as observing yourself from a distance - ideas flowing without ownership. In our duo work with Rahel Boell, through our common musical affinities, this flow state manifests regularly. This has been enlightening in the sense of having a chance to observe the musical signs of such a transition.

The endings of sounds become as poignant as the beginnings.

Parallel events begin to breathe together.

Polyphony inflates.

Mikael Szafirowski, electric guitar
Rahel Boell, violin

Mit Studierenden des Master Performance zeitgenössische Musik
Einstudierung: Sarah Maria Sun

Benjamin Scheuer (*1987): Jammerorgel für acht Spieler mit Sampler und Klangobjekten (2017)
Ignat Khlobystin, Bassflöte und Objekte
Pol Cabrera, Saxophon und Objekte
Steinn Halldórsson, Posaune (Geige) und Objekte
Laura Kumwenda, Bratsche und Objekte
Clara Dietze, Violoncello und Objekte
Dmitry Batalov, Sampler und Objekte
Noah Rosen, Schlagzeug und Objekte
Martijn Susla, Performer und Objekte

Frank Zappa (1940–1993): Approximate (1974)    
James Morley, Violoncello
Clara Dietze, Violoncello
Martijn Susla, Klarinette
Pietro Elia Barcellona, Kontrabass

Benjamin Scheuer: Babel für Sprechstimme (2020)
Alena Verin-Galitskaia, Performerin
Isabelle Meraner, Performerin
Anna Juniki, Performerin
Rebecca Minten, Performerin

Benjamin Scheuer: Urpflanze (2019)
Alena Verin-Galitskaia, Gesang
Dmitry Batalov, Klavier

Jannik Giger (*1985): Jackson (2023) UA
Rebecca Minten, Performerin
Isabelle Meraner, Performerin
Clara Dietze, Performerin
Anna Juniki, Performerin

Jannik Giger: Masterclass (2021)
Martijn Susla, Bassklarinette
Rebecca Minten, Klarinette (Trompete)
Pattranant Pliensakul, Saxophon (Horn)
Steinn Halldórsson, Posaune (Geige)
James Morley, Violoncello
Pietro Elia Barcellona, Kontrabass
Dmitry Batalov, Klavier und samples

Tontechnik: Jonas Prina

Abschlusskonzert des Gastworkshops Open Creation

Die Klangkünstlerin und Komponistin Hanna Hartman erzählt aus ihrer Praxis.

Lecture Recital mit Thomas Hell und Eckart Altenmüller im Rahmen des Interpretationsforums der Hochschule für Musik Basel. Eine Veranstaltung der SMG

Im Rahmen der Ausstellung «Ligeti-Labyrinth» des Musikmuseums und in Kooperation mit der Paul Sacher- Stiftung

Conversation, Multimedia Installation and Performance by students at the Hochschule für Musik Basel FHNW and guests

In 1989, composer Pauline Oliveros developed three strategies for listening, attuning, and responding to the natural environment and to one another. As catastrophic drought, deforestation, and other consequences of climate change and human action radically reshape our world, these strategies remain a critical tool for attuning to vulnerable ecologies and their inhabitants. Meet six teams from East Asia, Sub-Saharan Africa, North Africa, and Europe that used Oliveros’s strategies in their research on the impacts of paradigm shift on their communities. Experience sound, audio, and visual fragments and a rich and open conversation about what they have discovered and how it has shaped them as artists and humans.

More information on 'The Witness'

Evening Program (Meet at info desk)
6–7 pm
The Witness: Listening to Our Imperiled Planet - Conversation and Multimedia Installation

Artists and researchers from the 2023 Edition of “The Witness” project (Uganda, Morocco, China, Switzerland): Suzan Kerunen, Susie Ibarra, Hongyu Chen, Marie-Cécile Reber

Students at the Hochschule für Musik Basel FHNW and guests: Iulia-Andreea Smeu, Kaspar Deicher, Miriam Paschetta, Hannah Wirnsperger, Nina Maghsoodloo, Ed Williams, Cris Arcos Cano, Anouk Neyens, Chloé Saffores, Lathika Vithanage, Olga Marulanda, Isabelle Meraner

7-8 pm
Worlding through socially engaged art practice in Basel - Workshop/Performance with audience participation – ages 10 and up
Deep Listening practices, actions and meditations

Direction: Julie Beauvais
Coordination at Hochschule für Musik Basel FHNW: Anne-May Krüger

Eine Kooperation mit dem Museum Tinguely

Studierende der Studienrichtung Open Creation (Andrea Neumann) präsentieren ihre Projekte – akustisch, visuell, performativ und intermedial – die sich nicht nur einer Disziplin zuordnen lassen.

Im Anschluss an die Performances werden die Projekte in einem Resonanzraum diskutiert, moderiert von Uli Fussenegger, Christoph Haffter und Michael Kunkel.

Stefano Grasso: What Matter(s)
An exploratory study about matter and memory
Anouk Neyens, Mona Creisson, Ignat Khlobystin

Fernando Manassero: The slow cancellation of the future
A trio that resembles a band that recall old sounds, from a future that never took place.
Fernando Manassero, sampler and synthesizer
Mikołaj Rytowski, drums & drum machine
James Morley, Cello

Anouk Neyens: SNOOZE
Between sleep and being awake the most absurd dreams occur. Ever tried to retell a dream to someone? Words don't do it any justice, but what would it sound like?
Mona Creisson and Mikael Szafirowski

Konzert in Kooperation mit der Paul Sacher-Stiftungung und dem Musikmuseum Basel im Rahmen der Vernissage zur Ausstellung «Ligeti-Labyrinth»

Ensemble Diagonal für zeitgenössische Musik der Hochschule für Musik Basel
Leitung: Ilan Volkov
Geneviève Strosser, Viola
Dmitry Batalov, Klavier

György Ligeti (1923-2006)
Sonate für Viola solo (1991/92), I «Hora lungă»

Michael Pelzel (*1978)
Chromosphères - in mémoriam György Ligeti (2018)

György Ligeti
Kammerkonzert für 13 Instrumentalisten (1969/70)

György Ligeti
Konzert für Klavier und Orchester (1985-88)

***
Ensemble Diagonal

Ligeti: Kammerkonzert
Teresa De Broeck, Flöte und Piccolo
Guiomar Sanz, Oboe, Englischhorn und Oboe d'amore
Matija Raicevic, Klarinette 1
Rebecca Minten, Klarinette 2 und Bassklarinette
Oskar Szathmary, Horn
Steinn Halldórsson, Posaune
Molli Szalai, Klavier und Celesta
Jacob Mason, Cembalo und Harmonium
Yuko Matsumoto, Violine 1
Armando Riquelme Aqueveque, Violine 2
Rong Deng, Viola
Mariona Camats i Torrents, Violoncello
Valentin Mamontov, Kontrabass

Pelzel: Chromosphères
Evdokia Kolyasina, Flöte, Piccolo und Bassflöte
Roger Borràs Bofarull, Oboe
Martijn Susla, Klarinette 1 und Bassklarinette
Rebecca Minten, Klarinette 2 und Kontrabassklarinette
Caterina Madini, Fagott
Florian Hasenfratz, Horn
Jonas Wilhalm, Trompete
Steinn Halldórsson, Posaune
Samuel Elsig, Tuba
Pablo Mena Escudero, Schlagzeug 1
Borja Camps Ros, Schlagzeug 2
Florian Grand, Klavier 1
Vince Vajda, Klavier 2
Yuko Matsumoto, Violine 1
Armando Riquelme Aqueveque, Violine 2
Ilinca Forna, Viola
Mariona Camats i Torrents, Violoncello 1
Amelia Chmielewska, Violoncello 2
Valentin Mamontov, Kontrabass

Ligeti: Konzert für Klavier
Emma Muñoz, Flöte 1 und Piccolo
Hyôn-Song Dupuy, Oboe
Martijn Susla, Klarinette und Alt-Okarina
Caterina Madini, Fagott
Eloy Tamò, Horn
Jonas Wilhalm, Trompete
Steinn Halldórsson, Tenorposaune
Alexandre Silva, Schlagzeug 1
Dániel Láposi, Schlagzeug 2
Armando Riquelme Aqueveque, Violine 1
Sarah Lindenmayer, Violine 2
Laura Kumwenda, Viola
Amelia Chmielewska, Violoncello
Valentin Mamontov, Kontrabass

***
György Ligeti, Sonate für Viola
Der erste Satz ist «Hora lungă» betitelt und bezieht sich auf eine Gattung von langsamen, stereotype melodische Wendungen und Figuren aneinanderreihenden rumänischen Volksliedern aus dem Maramureș-Gebiet im Norden des Karpatenbogens. Der Satz zitiert aber keine einzige bekannte Melodie, sondern gehört eher in seinem Duktus zu dieser Volksliedgattung, die öfters eine Reihe von Obertönen verwendet – schillernd zwischen lydisch und mixolydisch.
(Einführungstext für das Begleitheft der CD-Edition bei Sony (1997), zit. nach: György Ligeti, Gesammelte Schriften, hrsg. von Monika Lichtenfeld, Mainz 2007, Bd. 2, S. 310.)

Michael Pelzel, Chromosphères − in memoriam György Ligeti
Die Komposition weist einen starken Bezug zur Klangflächenkomposition Atmosphères (1961) von Ligeti auf. Dies einerseits aufgrund der äusseren Programmvorgabe der zwei Auftraggeber und andererseits aufgrund meiner persönlichen Motivation. Die Klangflächenkompositionen György Ligetis standen immer im Brennpunkt meines analytischen und auch expressiven Interesses. Die Bezüge und Referenzen in meinem Werk sind von instrumentatorischen Konzepten bis hin zu notationstechnischen Details verfolgbar und vor allem habe ich versucht, der kompositorischen Essenz oder dem Geist und Sinn, in welchem das Stück Ligetis in Töne gegossen wurde, auf die Spuren zu kommen.
(Michael Pelzel, im August 2018)

György Ligeti, Kammerkonzert
Der Titel ‹Konzert› zeigt an, dass alle Instrumentalpartien für Virtuosen gleichen Ranges geschrieben sind. Es gibt daher keine Teilung in Soli und Tutti wie im traditionellen Konzert. Stattdessen alternieren verschiedene Gruppen von Instrumenten, wobei die polyphone Textur stets erhalten bleibt. Die musikalische Sprache des Werkes ist, wie in allen meinen Kompositionen seit Mitte der sechziger Jahre, weder tonal noch atonal. Es gibt weder tonale Zentren noch irgendwelche harmonischen Kombinationen oder Fortschreitungen, die man funktional deuten könnte. Andererseits sind die zwölf Töne der chromatischen Skala nicht als solche, wie in der Reihenmusik, gleichgewichtig behandelt. Es gibt bestimmte dominierende Kombinationen von Intervallen, die den Verlauf der Musik und die Entwicklung der Form bestimmen. Die komplexe Polyphonie der individuellen Stimmen ist eingebettet in ein harmonisch-musikalisches Fliessen, in dem die Harmonien (das heisst die vertikalen Kombinationen der Intervalle) sich nicht plötzlich ändern, sondern ineinander übergehen. Eine klar erkennbare Intervallkombination wird graduell verschleiert, verwischt, bis aus diesem ‹Nebel› eine neue Intervallkombination schrittweise Gestalt gewinnt.
Jeder Satz dieses Kammerkonzerts ist durch eine spezifische rhythmische Textur und einen bestimmten Bewegungstyp charakterisiert. Der erste Satz ist sanft und fliessend, die heterogenen rhythmischen Figuren bilden einheitliche Klangmuster. Die Textur des zweiten Satzes ist stärker homophon. Sein Charakter ist zunächst eher statisch, erscheint dann aber aufgebrochen von kraftvollen, prägnanten Figuren. Im Verlauf dieser dynamischen Entwicklung verändert die harmonische Struktur sich allmählich und kulminiert schliesslich in einer Zusammenballung übereinandergeschichteter Quinten. Der dritte Satz ist quasi-mechanisch, ähnlich einer seltsamen, halb zerbrochenen Präzisionsmaschine, die in Gang gesetzt wird. Polyrhythmik und Polymetrik werden in diesem Satz besonders betont. Derartige Techniken erscheinen zwar auch in den übrigen Sätzen, aber in geringerem Ausmass und in anderer Form. Der vierte Satz ist sehr rasch und erfordert grosse Virtuosität. Er gleicht einem Perpetuum mobile, doch wird die Presto-Bewegung ‹zerschlagen› und schrittweise unterminiert. Die Musik wird gleichsam in Fetzen zerrissen und gerät schliesslich ganz aus den Fugen. Teile von Melodien tauchen auf, doch führen sie zu nichts und nirgendwohin. Es ist, als ob die Musik mit Schlingpflanzen durchwachsen wäre.
(Einführungstext zu einer Aufführung (1989), zit. nach: György Ligeti, Gesammelte Schriften, hrsg. von Monika Lichtenfeld, Mainz 2007, Bd. 2, S. 257f.)

György Ligeti, Klavierkonzert
Das fünfsätzige Klavierkonzert stammt aus der zweiten Hälfte der achtziger Jahre und ist das Resultat einer stilistischen Umwälzung: Aufgegeben hatte ich inzwischen nicht nur die totale Chromatik (da sie mir historisch verbraucht erschien), sondern auch die Arbeit mit mikropolyphonen Texturen. Nach einer Reihe von ‹weichen› Musikstücken mit verschwommenen Übergängen und hohem Verschmelzungsgrad der Stimmen und Klangfarben wandte ich mich distinkteren, durchsichtigeren, kristallinen musikalischen Gebilden zu. Markstein dieser stilistischen Wende ist das 1985 komponierte erste Heft meiner Klavieretüden. Das Klavierkonzert schrieb ich unmittelbar danach.
Etüden und Konzert basieren auf einer neuartigen rhythmischen Denkweise. Bis dahin hatte ich Polyrhythmik durch Überlagerung von verschiedenen Geschwindigkeitsschichten erzielt. Die neuen Stücke hingegen haben eine ‹körnige› rhythmische Struktur: Eine Sukzession gleichmässiger, schneller Impulse durchzieht zum Beispiel den dritten Satz des Klavierkonzerts, und die einzelnen melodisch-rhythmischen Gestalten ergeben sich aus verschiedenen Gruppierungen der Impulse, das heisst der ‹Körner›. Der Sachverhalt ist analog zum Verhältnis von ‹Pixel› und ‹Bild› am Fernsehschirm: Die Pixel leuchten auf und verlöschen in schneller Sukzession, sie bewegen sich nicht. Das alternierende Aufleuchten und Verlöschen der unbewegten Bildelemente erzeugt jedoch die Illusion von bewegten Bildern – die Bildfläche ‹lebt›.
Die Idee der Körnigkeit war schon in meinem Poème Symphonique für hundert Metronome von 1962 präsent, doch gab es dort unzählige verschiedene Geschwindigkeiten, das heisst Körner von verschiedener Grösse. Zum Schlüsselwerk wurde dann 1968 Continuum für Cembalo. In diesem Stück spielt der Cembalist ein gleichmässiges rhythmisches Raster, auf dem – gleichsam aufgepfropft – illusionäre Muster erscheinen, die man hört, obwohl sie nicht gespielt werden. Viel später, Anfang der achtziger Jahre, erfuhr ich von der Existenz solcher musikalischen Illusionsgestalten in afrikanischen Musikkulturen: Gerhard Kubik nannte sie ‹inherent patterns›. Wegen der grossen konzeptionellen Nähe von afrikanischer polyrhythmischer Musik und meinen Kompositionen (nach Continuum auch Monument für zwei Klaviere von 1976), die sich damals zufällig herausstellte, habe ich dann ab 1982 begonnen, mehr und mehr afrikanische Musik zu hören – zunächst Simha Aroms Aufnahmen aus Zentralafrika. Später las ich sehr viel über diese Techniken: Artur Simons Buch Musik in Afrika, mit mehreren Studien von Kubik, wurde für mich die ‹Bibel›. So erweiterte sich mein Horizont, doch mein Klavierkonzert ist keineswegs folkloristisch – es zeigt lediglich technische Einflüsse.
(Einführungstext für das Begleitheft der CD-Edition bei Teldec (2001), zit. nach: György Ligeti, Gesammelte Schriften, hrsg. von Monika Lichtenfeld, Mainz 2007, Bd. 2, 300f.)

Ein Dirigent, Komponist und Arrangeur in den Musikwelten von Theater, Stummfilmkino und Hollywood-Studio. Lecture von Sophie Fetthauer

Mit Studierenden des Master Performance zeitgenössische Musik
Einstudierung: Mike Svoboda

Das Elektronische Studio Basel rückt eine neue Generation von elektronischen Musiker*innen und Soundartists ins Rampenlicht und schlägt gleichzeitig eine Brücke zu ihren musikalischen Vorbildern, mit denen sie an diesem Abend die Bühne teilen. Freut euch auf eine Noise-Performance, radiophone Stücke und ein experimentelles Club-Set im Barbereich.

Mit: 
Jan Jelinek
ESB Noise Ensemble (gemeinsam mit Jan Jelinek)
Jaka Arh
MinhPhi Guillod – Experimental DJ set

Auftritt von Studierenden aus der Klasse von Prof. Svetlana Maraš - Hochschule für Musik FHNW, Basel

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Ukrainian culture in difficult times

On the 629th day of the full-scale russian invasion in Ukraine, there is a need to remind people that war is not over yet.

Beside the fact that Ukraine still needs weapons and other "material" support, more and more there is another arising question: how is this new "war-reality" influencing the cultural landscape?
The talk will include a short retrospective on Ukrainian music, fine arts and literature within almost the last 100 years with a specific focus on the contemporary music pieces. I’ll show art in its historical context.
Because culture is not only art pieces, last but not least topic is language: why so many ukrainians used to speak russian and how we are dealing with it now. After the presentation there will be a room for questions and open discussion about anything related to Ukraine.

Oleksandra Katsalap is a composer, pianist and performer from Ukraine. She studies composition and piano at Music Academy Basel since 2022 with Michel Roth, Tobias Schabenberger and Caspar Johannes Walter. Her pieces were performed in France, Germany, Switzerland and Ukraine. Her main interest is in the field of music theater.

Studierende der Studienrichtung Open Creation (Andrea Neumann) präsentieren ihre Projekte – akustisch, visuell, performativ und intermedial – die sich nicht nur einer Disziplin zuordnen lassen.

Ignat Khlobostin - Querflöte
Anouk Neyens - Saxofon
Stefano Grasso - Perkussion
Noah Rosen - Perkussion
Pablo Mena - Perkussion
Miriam Paschetta - Harfe
Mona Creisson - Violine
Margherita Pupulin - Violine
Fernando Manassero - Elektronik
Yanik Soland - Elektronik

Eine Kooperation mit dem Museum Tinguely

Uncany Love - An AI-Driven Improvisation On Human-Machine Bonds
When Tinguely embarked on his 'machines', over seventy years ago, machines and humanity stood in stark contrast: it was a matter of mechanical versus living, stupidity versus reason.

The groundbreaking of his art  is to play on this dichotomy and challenge it: infusing the mechanical with the organic qualities and transcending the conventional boundaries between machines and the living world - also as a criticism of the  uniformity of industrial processes and the production of useless things.

His relish call to ‘humanize’ the machines has, in contemporary times, undergone a complete reversal. Then big, menacing ’tools’, today’s machines are intangible and seamlessly integrated into our lives, and instead of perceiving them as fundamentally different, we struggle not to anthropomorphize them, since we sense a peculiar 'human' quality in them.

In recent years, AI’s dominance has become increasingly evident. Elusive, brilliant, and unobtrusive, it has infiltrated every facet of our lives, from crafting an academic dissertation to choosing our  morning attire. It is the machine now that challenges our understanding of humanity, and not the way around: what purpose do we serve if everything we conceive, articulate, organize, or compose can be accomplished by the AI? What place is left for art?

Faced with mutual man-machine dependence, people  today oscillate between enthusiasm and scepticism. On one side there’s euphoria, a drive for fusion with AI’s incredible creative power. On the other side, growing anxiety and alienation.

Uncanny Love is a state of affairs. A live improvisation between 10 musicians ad an AI, it explores the limits and potential of a collaboration that hints at dominance yet voluptuously draws us in. A game, but a serious one, taking over  Tinguely’s legacy and venturing into a new creative path, whose outcome, as with the guided improvisation,  we do not know.

Oliver Rutz (*1998): to (still) be named (2023)

Aydin Leon Pfeiffer (*1999): Guided Meditation to Activate Your Self-Healing Power [HYPNOSIS, MINDFULNESS, STRESS REDUCTION] (2023, UA)
Aydin Leon Pfeiffer, Moderator
Robot Percussion

Jossi Itskovich (*1970): Trombone Trio (2023, UA)
Jossy Itskovich, Mike Svoboda, Steinn Halldorsson, Posaune

Ivan Liuzzo (*1993): «Luce Nascosta» from Ciclo Lurianico (2017–2023, Rev. 2023, UA)
I Mov.for four soprano saxophone
Pattranant Pliensakul, Marc Baltrons Fàbregas, Juan Camilo Trujillo Uribe, Anouk Neyens, Saxophon

Oleksandra Katsalap (*2001): Мовне питання №№1,2 (2023, UA)
Anastasia Matseliyh, Gesang a.G.
Oleksandra Katsalap, Electronics, Performance, Video

Hannes Hellmann, Schauspieler performet Johan Cage Lecture on nothing

Moderation: Marcus Weiss

Dialog ist eine Konzertreihe der Hochschule für Musik FHNW in Zusammenarbeit mit Gare du Nord

Studierende der Hochschule für Musik spielen Werke von Roland Moser.

Roland Moser (*1943)

Kabinett mit Vierteltönen
für zwei Klaviere im Vierteltonabstand (1987)

                        Abwicklung nach einer Formen von Schöenberg
                        Zwitterterzen
                        Studie nach Mahler mit Dreivierteltönen
                        Noch ein Perpetuum Mobile
                        Natürliches
                        Hommage à O.
                        Der Zweikampf
                        Hinz und Kunz
                        Melodia per una voce sola

Claudia Fernández Parrondo, Klavier
Pau Fernández Benlloch, Klavier

Kleines Saitenspiel − scordiert
für Violoncello und zwei Klaviere im Vierteltonabstand (1993)

Martin Egidi, Violoncello
Claudia Fernández Parrondo, Klavier
Pau Fernández Benlloch, Klavier

Wendungen (1994)
für zwei Violoncelli

Nadzeya Kurzawa, Violoncello
Szymon Barczak, Violoncello

«An Anecdote» aus: An Anecdote, a Poem and a Scene (2004)
nach Interpunktionen von Kleist, Rimbaud und Joyce für eine Solistin
Anouk Neyens, Saxophon

Fantasia – zum Thema von Bachs Canon per Augmentationem
in Contrario Motu aus: Kunst der Fuge (2019)
für Saxophonquartett

Kebyart Ensemble
Pere Méndez, Sopransaxophon
Víctor Serra, Altsaxophon
Robert Seara, Tenorsaxophon
Daniel Miguel, Baritonsaxophon

- Pause -

Zeichnen mit Wind (2018/2023), UA
für Englischhorn, Altsaxophon, Fagott

Hyôn-Song Dupuy, Englischhorn
María Del Carmen Chamizo Martín, Altsaxophon
Caterina Madini, Fagott

«A Poem» aus: An Anecdote, a Poem and a Scene (2004)
Anouk Neyens, Saxophon

Streichsextett in zwei Sätzen (1987)
            I           passionato für 2 Trios
            II          tranquillo für 3 Duos

Varvara Vasylieva, Violine
Lara Stibal, Violine
Maria Luisa Sopeña Ibañez, Viola
Yunan Chen, Viola
Nadzeya Kurzava, Violoncello
Jiayi Liu, Violoncello

«A Scene» aus: An Anecdote, a Poem and a Scene (2004)
Anouk Neyens, Saxophon

Nach deutschen Volksliedern
Strophen aus des Knaben Wunderhorn für Sopran, Flöte, Klarinette,
Violine, Viola und Violoncello (1984/1990/2003)

Sieben Lieder mit drei Zwischenspielen und einem Nachspiel

            I           ABC-Schützen
                        Erstes Zwischenspiel
            II          Papiers Natur ist Rauschen
            III          Ein Musikant wollt fröhlich sein
                        Zweites Zwischenspiel
            IV         Ich sass auf einem Birnenbaum
            V          Das Vöglein Butschli Butschli Bu Brentano
                        Drittes Zwischenspiel
            VI         Letzter Zweck aller Krüppelei
            VII        Ich hört ein Sichlein rauschen
                        Nachspiel

Laurie Hamiche, Sopran
Ignat Khlobystin, Flöte
Szymon Parulski, Klarinette
Dmitry Smirnov, Violine
Ángela Medina, Viola
Mathilde Reuzé, Violoncello

Roland Moser (*1943) ist ein Schweizer Komponist und früherer Professor für Komposition und Musiktheorie. Sein bisheriges Oeuvre umfasst gegen 150 Werke. 

Roland Moser wurde 1943 in Bern geboren. Schon als Kind begann er zu komponieren. Seine Musikausbildung am damaligen Konservatorium Bern umfasste Komposition (bei Sandor Veress), es folgten Diplome in Musiktheorie und Klavier. Spätere Studien führten nach Freiburg i. Br. (in den Klassen Wolfgang Fortner, Francis Travis und Edith Picht-Axenfeld) und Köln (Studio für elektronische Musik).  
Von 1969 - 1984 unterrichtete Roland Moser am Winterthurer Konservatorium Musiktheorie und Neue Musik. Ab 1984 war er bis zum Eintritt in den Ruhestand Professor an der Hochschule für Musik FHNW/ Musik-Akademie Basel mit Klassen für Komposition, Instrumentation und Musiktheorie.  
Als Mitglied des Ensemble Neue Horizonte Bern, dessen Mitglieder mehrheitlich auch kompositorisch tätig sind, sammelte er während über fünfzig Jahren Erfahrungen mit experimenteller Musik.

Weitere Informationen

Olga Neuwirth‘s Le Encantadas o le avventure nel mare delle meraviglie (2014-15)

This year, the Festival Donaueschinger Musiktage is once again offering 102 music students* the chance to attend nearly all concerts of the festival, take part in seminars and workshops and to acquaint themselves with those involved in the festival through dialogues and discussions.

The Next Generation programme takes up current discourses: what preoccupies the emerging generation of composers and performers? What are their points of orientation? What are their frames of reference? What do they set themselves apart from?

In discussion groups and seminars, the students will subject their own work and this year’s festival programme to intense examination. During the Johannes Kreidler-LAB "Composing the composing”, the students realize and present own artistic ideas under the direction of the composer Johannes Kreidler. The “Breakout Sessions” give space for free discussions led by the students themselves about events and experiences at the 2023 edition of Donaueschinger Musiktage.

The complete course programme will be published in September 2023.

This year, the Festival Donaueschinger Musiktage is once again offering 102 music students* the chance to attend nearly all concerts of the festival, take part in seminars and workshops and to acquaint themselves with those involved in the festival through dialogues and discussions.

The Next Generation programme takes up current discourses: what preoccupies the emerging generation of composers and performers? What are their points of orientation? What are their frames of reference? What do they set themselves apart from?

In discussion groups and seminars, the students will subject their own work and this year’s festival programme to intense examination. During the Johannes Kreidler-LAB "Composing the composing”, the students realize and present own artistic ideas under the direction of the composer Johannes Kreidler. The “Breakout Sessions” give space for free discussions led by the students themselves about events and experiences at the 2023 edition of Donaueschinger Musiktage.

The complete course programme will be published in September 2023.

This year, the Festival Donaueschinger Musiktage is once again offering 102 music students* the chance to attend nearly all concerts of the festival, take part in seminars and workshops and to acquaint themselves with those involved in the festival through dialogues and discussions.

The Next Generation programme takes up current discourses: what preoccupies the emerging generation of composers and performers? What are their points of orientation? What are their frames of reference? What do they set themselves apart from?

In discussion groups and seminars, the students will subject their own work and this year’s festival programme to intense examination. During the Johannes Kreidler-LAB "Composing the composing”, the students realize and present own artistic ideas under the direction of the composer Johannes Kreidler. The “Breakout Sessions” give space for free discussions led by the students themselves about events and experiences at the 2023 edition of Donaueschinger Musiktage.

The complete course programme will be published in September 2023.

This year, the Festival Donaueschinger Musiktage is once again offering 102 music students* the chance to attend nearly all concerts of the festival, take part in seminars and workshops and to acquaint themselves with those involved in the festival through dialogues and discussions.

The Next Generation programme takes up current discourses: what preoccupies the emerging generation of composers and performers? What are their points of orientation? What are their frames of reference? What do they set themselves apart from?

In discussion groups and seminars, the students will subject their own work and this year’s festival programme to intense examination. During the Johannes Kreidler-LAB "Composing the composing”, the students realize and present own artistic ideas under the direction of the composer Johannes Kreidler. The “Breakout Sessions” give space for free discussions led by the students themselves about events and experiences at the 2023 edition of Donaueschinger Musiktage.

The complete course programme will be published in September 2023.

Eine Kooperation mit dem Museum Tinguely, im Rahmen der Ausstellung Temitayo Ogunbiyi - You will follow the Rhein and compose play

Studierende der Schlagzeugklasse Christian Dierstein bespielen die Installation von Temitayo Ogunbiyi

Performance:
Maria Luisa Pizzighella
Pablo Mena Escudero
Alejandro Neves Sarriegui
Santiago Villar Martín

Eine Kooperation der Hochschule für Musik Basel mit musica – festival international des musiques d’aujourd’hui Strasbourg

Simon Steen Andersen (*1976)
aus Inszenierte Nacht for seven instruments and electronics (2013) – «Schlummert ein»/J.S. Bach (2013)
Dmitry Batalov, keyboard
Steinn Völundur Halldórsson, Posaune
James Morley, Violoncello

Enno Poppe (*1969): Fleisch für Tenorsaxophon, E-Gitarre, Keyboard und Percussion (2017)
Marc Baltrons Fàbregas, saxophone
Raphael Niederstätter, e-guitar
Dmitry Batalov, keyboard
Alexandre Ferreira Silva, percussion

Georges Aperghis (*1945): 7 Crimes de l’amour (1979)
Alena Verin-Galitskaya, voice
Martijn Susla, clarinet
Alexandre Ferreira Silva, percussion

Simon Steen Andersen:
aus Inszenierte Nacht for seven instruments and electronics (2013) – «Träumerei»/Schumann (Teil 1)

Alexander Prill, speaker
Dmitry Batalov, speaker
Clara Dietze, vibraphone
Alexandre Ferreira Silva, vibraphone
Rebecca Minten, forks
Isabelle Meraner, forks
Ignat Klobystin, low forks

Simon Steen Andersen:
aus Inszenierte Nacht for seven instruments and electronics (2013) – «Queen of the Night»/Mozart
James Morley, voice

Simon Steen Andersen:
aus Inszenierte Nacht for seven instruments and electronics (2013) – «Träumerei»/Schumann (Teil 2)

Einstudierung: Sarah Maria Sun
Jonas Prina, Elektronik
Beat Burkhard, Licht

Simon Steen-Andersens Inszenierte Nacht ist eigentlich ein Abend, der ikonische Stücke des klassischen Repertoires aus ihrer musealen Aufführungspraxis herausreißt und sie einer frischen und neuen Wahrnehmung zuführt. Bachs «Schlummert ein», Mozart’s «Der Hölle Rache» und Schumanns «Träumerei» sind nur zwei von vielen weiteren nächtlichen Stücken, die Steen-Andersen mit wilden Mitteln umgestaltet hat: etwa indem er die Tonart langsam und endlos nach unten verschob, als ob die Musik selbst einschlafen würde, oder durch die Verwendung einer eigenwilligen Instrumentierung, wie verstärkte Stimmgabeln, um ein Stück über das Träumen buchstäblich «verträumt» zu machen.

Unser heutiges Konzert präsentiert Auszüge aus Steen-Andersens brillantem Gesamtwerk und stellt sie in den Kontext von ikonischen Stücken des neuen und frischen zeitgenössischen Repertoires, bei denen wilde Mittel oder Skurrilität die Norm der Kreationen selbst sind: Georges Aperghis' Les Sept Crimes de l'amour und Enno Poppes Fleisch. Dies führt zu einer Befruchtung aller Werke untereinander, in der die Schönheit der Steen-Andersenschen Bearbeitungen der Klassiker ihre eigenständige Qualität zeigen.

Konzert des impuls Festivals in Graz

Clara Iannotta
3 sur 5, for 2 percussionists, accordion (2012-2013)

Manca Dornik accordion
Mikołaj Rytowski percussion
Santiago Villar percussion

***

Dmitri Kourliandski
Inside the movement, for timpani, piano, harp, double bass (2004)

Francesco Filidei
L’Òpera (forse), for 6 performers (2009)

zone expérimentale basel
Clara Giner Franco flutes
Mikołaj Rytowski percussion
Dmitry Batalov piano
Miriam Paschetta harp
Manca Dornik accordion
Pietro Barcellona double bass

***

Sohui Jeong
Fever, for baritone saxophone, percussion, piano, fixed media (2023, world premiere, dedicated to Ex-Sentia)

Simon Steen-Andersen
Rerendered, for pianist and two assistants (2004)

Beat Furrer
In's Offene, for soprano and baritone saxophone, percussion, piano (2022)

Stylianos Dimou
in dysto, for soprano, alto and baritone saxophone, percussion, piano, MIDI keyboards (2023, world premiere, dedicated to Ex-Sentia)

Ex-Sentia Ensemble
Miguel Fernández saxophones
Santiago Villar percussion
Jacob Mason piano

Konzert des impuls Festivals in Graz

zone expérimentale basel
Clara Giner Franco flutes | Mikołaj Rytowski percussion | Dmitry Batalov piano | Miriam Paschetta harp | Manca Dornik accordion | Pietro Barcellona double bass

Arda Bayram
Eros therefore Psyche (or not an Oriental rug), for bass flute, accordion, double bass (2023, Austrian premiere)

Kevin Kay
flux cycles, for bass flute, percussion, piano, accordion, harp, double bass (2023, world premiere)

Michele Selvaggi
New Piece, for flutes, harp, accordion, piano, percussion, double bass (2023, world premiere)

Franck Bedrossian
Edges, for piano and percussion (2019)
 

With ensemble zone expérimentale basel, musicians of the Masters course for contemporary music at the Hochschule für Musik FHNW in Basel, Switzerland, will be present at the impuls Academy and Festival in 2023.

Aside from working with composition tutors and Michele Selvaggi on spot, a Call for Scores was set up by impuls, to interconnect the ensemble with young composer participants of the impuls Academy. Turkish composer Arda Bayram and Kevin Kay from the USA will see their pieces premiered this way here in Austria.

Tzlil Meudcan Festival

zone expérimentale basel
Martijn Susla, clarinet
Mikołaj Rytowski, percussion
Alexandre Silva, percussion
Dmitry Batalov, piano
Jacob Mason, piano
María Jiménez, violin
James Morely, cello
Pietro Barcellona, double bass

 

Tzlil Meudcan Festival

zone expérimentale basel
Martijn Susla, clarinet
Mikołaj Rytowski, percussion
Alexandre Silva, percussion
Dmitry Batalov, piano
Jacob Mason, piano
María Jiménez, violin
James Morely, cello
Pietro Barcellona, double bass

 

Michele Selvaggi (*2000): As I laid; flesh, in a puddle of blood. (2023, UA)
sonic space basel alumni ensemble:
Tatiana Timonina, Flöte
Luis Homedes López, Saxophon
Antonio Jiménez Marín, Posaune
Roberto Maqueda, Schlagzeug
Carlos Emilio López Ruiz, Klavier
Chris Moy, E-Gitarre
Maria Alejandra Jiménez Guillén, Violine
Katarina Leskovar, Violoncello
Mike Svoboda, Leitung

Louis Keller und Martin Reck: Stratosphäre
Performance Audiodesign

Inbar Sharet (*1996): Only when the soil is dry. Lessons in agriculture and phonology (2023, UA)
sonic space basel alumni ensemble
Mike Svoboda, Leitung

Pause

Verleihung des Eduard Brunner Kompositionspreises

Performance Open Creation:
Rahel Boell
Augustin Lipp
Fernando Manassero
Edoardo Milanello
Pablo Mena Escudero
Miriam Paschetta
Yanik Soland
Edward Williams
Anouk Neyens

Elnaz Seyedi (*1982): Questo che a notte balugina (2023)
ensemble zone expérimentale basel:
Clara Giner Franco, Flöte, Bassflöte, Piccolo
Martijn Susla, Klarinette, Bassklarinette
María Del Carmen Chamizo Martín, Sopransaxophon
Alexandre Silva, Schlagzeug
Mikołaj Rytowski, Schlagzeug
Miriam Paschetta, Harfe
Dmitry Batalov, Klavier
Manca Dornik, Akkordeon
María Alejandra Jiménez Guillén, Violine
Sebastian Heimann, Viola
James Morley, Violoncello
Pietro Barcellona, Kontrabass
Marcus Weiss, Leitung

Im Anschluss an die Vorstellungen von Luigi Nonos ‹Intolleranza 1960› am Theater Basel ist eine vierteilige Klanginstallation von Studierenden des Studiengangs Audiodesign frei begehbar. Die Installation führt vom Foyer zur Krypta in der Elisabethenkirche. Der Eintritt ist frei.

Eine Kooperation des Theater Basel mit dem Elektronischen Studio Basel.  

Masterrezitale MASP Zeitgenössische Musik
Clara Giner Franco, María Jiménez Guillén, Manca Dornik, Miriam Paschetta
Abschlusskonzert CAS zeitgenössische Musik, Siddhi Lagrutta

Valentino Bucchi (1916-1976)
Lettres de la religieuse Portugaise (1970)
Siddhii Lagrutta, Stimme

Francesco Filidei (*1973)
L’opera (forse) (2008/2016) Eight sketches in one act
Text: Pierre Senges
          I. Ouverture delle Cornacchie
          II. Recitativo dell’uccellino
          III. Aria del pesce
          IV. Duetto d’amore
          V. Cabaletta del pescatore
          VI. Ronda del cacciatore
          VII. Preghiera
          VIII. Brindisi

Performer*innen: Clara Giner Franco, María Alejandra Jiménez Guillén, Miriam Paschetta, Manca Dornik, Augustin Lipp, Francesco Palmieri, Sprecherin: Siddhii Lagrutta

Pause

Rebecca Saunders (*1967)
Bite (2015/16)
Clara Giner Franco, Bassflöte

Elnaz Seyedi (*1982)
Questo che a notte balugina (2023) UA für Ensemble
Kompositionsauftrag von sonic space basel für zone expérimentale basel

Clara Giner Franco, Flöte
Martijn Susla, Klarinette
Maria Chamizo, Saxophon
María Alejandra Jiménez Guillén, Violine
Sebastian Heimann, Viola
James Morley, Violoncello
Pietro Barcellona, Kontrabass
Manca Dornik, Akkordeone
Miriram Paschetta, Harfe
Dmitry Batalov, Klavier
Alexandre Silva, Schlagzeug
Mikolaj Rytowski, Schlagzeug
Leitung: Marcus Weiss
 

ATTACCA ist das Festival der Studierenden in den Bereichen Audiodesign, Komposition, Open Creation und Zeitgenössische Musik

Masterrezitale MASP Zeitgenössische Musik
Clara Giner Franco, María Jiménez Guillén, Manca Dornik, Miriam Paschetta

Mauricio Kagel (1931-2008)
Sonant (1960/2023)
Miriam Paschetta, Harfe
Alexander Silva, Perkussion
Mikołaj Rytowski, Perkussion
Reto Weiche, Gitarre und E-Gitarre 
Pietro Elia Barcellona, Kontrabass 

Salvatore Sciarrino (*1947)
Vagabonde Blu (1998)
Manca Dornik, Akkordeon

Franco Donatoni (1927-2000)
Chantal (1990) Für Harfe solo, Flöte, Klarinette und Streichquartett
Miriam Paschetta, Harfe
Clara Giner Franco, Flöte
Martijn Susla, Klarinette
María Alejandra Jiménez Guillén, Violine
Rahel Boell, Violine
Elijah Spies, Viola
James Morley, Violoncello

Pause

Magnus Lindberg (*1958)
Metal Work (1984)
Rubén Bañuelos, Schlagzeug
Manca Dornik, Akkordeon

Fausto Romitelli (1963-2004)
Domeniche alla periferia dell’impero (1995-96)
          Prima Domenicae

Clara Giner Franco, Bassflöte
Martijn Susla, Bassklarinette
María Alejandra Jiménez Guillén, Violine
James Morley, Violoncello

ATTACCA ist das Festival der Studierenden in den Bereichen Audiodesign, Komposition, Open Creation und Zeitgenössische Musik

Diplomkonzerte MASP Zeitgenössische Musik
Clara Giner Franco, María Jiménez Guillén, Manca Dornik, Miriam Paschetta

Philippe Hurel (*1955)
Plein-jeu (2010) for accordion and electronics
Manca Dornik, Akkordeon

Maja Bosnić (*1985) 
Vessels (160935) (2020)
Miriam Paschetta, Harfe

Belenish Moreno-Gil (*1993) & Óscar Escudero (*1992)
[OST] (2018) for performer + VR glasses, video and electronics
Clara Giner Franco, Performerin

Jennifer Walshe (*1974)
Elephant (2006) for harp and gun
Miriam Paschetta, Performerin

Óscar Escudero (*1992)
[CUSTOM 1.6] (2023)
Bearbeitung für Performerin, Bassflöte und Video: Clara Giner Franco
María Alejandra Jiménez Guillén, Performerin
Clara Giner Franco, Bassflöte

ATTACCA ist das Festival der Studierenden in den Bereichen Audiodesign, Komposition, Open Creation und Zeitgenössische Musik

Masterrezitale MASP Zeitgenössische Musik
Clara Giner Franco, María Jiménez Guillén, Manca Dornik, Miriam Paschetta

Sarah Nemtsov (*1980)
à deux (2009) für präparierte Harfe solo 
Miriam Paschetta, Harfe

Thierry Tidrow (*1986)
Die alten bösen Lieder (2016)
Siddhii Lagrutta, Stimme
Tomohiro Iino, Marimba

Beat Furrer (*1954)
Melodie (2020)
Clara Giner Franco, Flöte

György Kurtág (*1926)
Es blendete uns die Mondnacht aus: Kafka Fragmente op. 24 (1985-87)
Chiara Jarrell, Sopran
María Alejandra Jiménez Guillén, Violine

Bernhard Lang (*1957)
Monadology XVIIIb for Berlin (2016) based on texts by Bob Dylan and Rose Ausländer
          Tier I
          Tier VIII
          Tier X
          Tier XIII
          Tier XX
          Tier XXII

Siddhii Lagrutta, Stimme
Clara Giner Franco, Flöte
Manca Dornik, Akkordeon
James Morley, Violoncello

ATTACCA ist das Festival der Studierenden in den Bereichen Audiodesign, Komposition, Open Creation und Zeitgenössische Musik

Masterrezitale MASP Zeitgenössische Musik
Clara Giner Franco, María Jiménez Guillén, Manca Dornik, Miriam Paschetta
Abschlusskonzert CAS zeitgenössische Musik Siddhi Lagrutta
 

Salvatore Sciarrino (*1947) 
Aus: Sei capricci (1976) 
          Nr. 2 Andante

Rebecca Saunders (*1967)  
Hauch (2018)

Salvatore Sciarrino (*1947) 
Aus: Sei capricci (1976) 
          Nr. 4 Volubile

Sergi Puig (*1989)
Nostalghia (2022) UA

María Alejandra Jiménez (*1997) & Umberto Beccaria (*1996)
A murmur of the things (2023) Video intervention during the performance of the pieces

María Alejandra Jiménez Guillén, Violine
 

Sampo Haapamäki (*1979)
Sonata (2000)
Martijn Susla, Klarinette
Tomohiro Iino, Marimba
Dmitry Batalov, Klavier
Manca Dornik, Akkordeon

Rebecca Saunders (*1967) 
O Yes & I (2017/18) für Sopran und Bassflöte
Siddhii Lagrutta, Sopran
Clara Giner, Flöte

ATTACCA ist das Festival der Studierenden in den Bereichen Audiodesign, Komposition, Open Creation und Zeitgenössische Musik

«MIS(erable)UNDERSTANDING»
Abschlusskonzert CAS Improvisation Edoardo Milanello

Fünf Fremde. Ein Dialog ist nicht möglich. Mögliche Kollisionen

Rahel Boell, Violine 
Augustin Lipp, Schlagzeug 
Fernando Manassero, Elektronik
Edoardo Milanello, Klavier 
Maria Pujades Seguí, Stimme

ATTACCA ist das Festival der Studierenden in den Bereichen Audiodesign, Komposition, Open Creation und Zeitgenössische Musik

«Zweimal auf den Kopf gestellt, bringt einen zurück auf den Boden»
Masterrezital Rahel Boell, Open Creation
Klasse Andrea Neumann

Erzählungen einer Tonne
Die Freude an der Resonanz - im Dialog mit einem neuen Instrument entstanden

Praeludium
Variationen
Intermezzo
Con Fuoco
Es treffen sich ein Schlagzeug und eine Violine... Rhythmus, Harmonien und Geräusch... und unterhalten sich

Spielfreude
Über die Bedeutung zwischen den Zeilen

Ein- und Zweiklang, vielleicht auch Dreiklang
Von der Muttersprache der Tonalität und ihren Töchtern

Augustin Lipp, Schlagzeug
Mikael Szafirowski, E- Gitarre
Anouk Neyens, Saxophon
Rahel Boell, Violine
Pablo Mena Escudero, Idee, das Tamtam durch eine Tonne zu ersetzen

Zweimal auf den Kopf gestellt bringt dich zurück auf den Boden

Das Wesen der Improvisation ist die Gestaltung des Moments und damit ihre Unvorhersehbarkeit und Vergänglichkeit. Die Beschäftigung mit ihr lehrt, den Moment sehr genau wahrzunehmen und auf vielen Wegen zu deuten und von dort aus Entscheidungen zu treffen – und sie lehrt Kontexte zu schaffen, in denen bestimmte Wahrnehmungen erst möglich werden.
In den Volksmusiktraditionen, im Jazz oder Barock gibt es eine jeweils eindeutige musikalische Sprache mit Vokabular, Grammatik und Regeln, innerhalb der im Moment Geschichten erzählt werden können.
Was bedeutet es, ohne eine von aussen bestimmte musikalische Sprache den Moment zu gestalten? Wie kann ich verstanden werden, wenn ich eine eigene Sprache entwickele, wie mit Anderen zusammenspielen? Jeder musikalische Beitrag ist eine bewusste Entscheidung, die sich auf die jeweilige Situation und das Gegenüber bezieht. Es gibt niemals nur eine Möglichkeit. Da Musik immer linear in der Zeit verläuft, färbt jeder einzelne Moment die Musik im Nachhinein und bestimmt gleichzeitig, wie es weitergehen wird. Jedes Instrument und jeder Spieler hat sein eigenes Vokabular, es gibt aber im Zusammenspiel nur sehr begrenzt eine kontextunabhängige, eigene musikalische Sprache. Es wird eine gemeinsame Sprachebene gefunden. Die vielleicht schönste Entdeckung in diesem Studium war, dass ich nicht unabhängig bin. Ein Klang ist nicht per se sinnhaft oder schön, es braucht den Zusammenhang und auch das verstehende Ohr, um ihm Sinn zu geben.
Es liegt in der Natur des Menschen, nicht das Gleiche wahrzunehmen. Ich möchte Sie einladen, mit IHREN Ohren zuzuhören, ohne Ihnen durch Erklärungen eine akustische Brille aufzusetzen. Ich möchte einen Raum schaffen, in dem sprachunabhängig verstanden werden kann. Ein Konzept kann für mich ein Gerüst sein, innerhalb dessen das Leben stattfindet, es kann aber nicht das Leben sein. Damit die Musik lebendig wird, braucht es das Verstehen der Spielenden und für mich persönlich einen emotionalen Gehalt.e
Schauen Sie, wenn ich einen Regentropfen beschreibe, kann er H2O sein, ein Klang, ein Duft, eine Erinnerung, Erfrischung, der Tropfen, der das Fass zum Überlaufen bringt oder der Tropfen, in dem sich die Sonne bricht. Wenn ich Ihnen sage, ein Regentropfen ist einfach nass, wie viel würden Sie verpassen.
Unsere Aufgabe wird es nun sein zuzuhören und Entscheidungen zu treffen. Viel Spass.

Twice upside down brings you back to the ground

The essence of improvisation is the shaping of the moment and connected to that its unpredictability and transience. To practice improvisation teaches us to perceive the moment very precisely, to be able to interpret it in different ways and to decide afterwards – and it teaches us to create contexts in which certain perceptions only can become possible.
Folk music, Jazz or Baroque has its own specific language with vocabulary, grammar and rules inside which stories can be told in the moment. What does it mean, to shape a moment without a previously decided musical language? How can I be understood, if I develop my own musical language, how is it possible to play together with others? Each musical contribution is a (mostly conscious) decision, which refers to the counterpart and the situation. There is never just one possibility. Because music is always in parallel with linear time, each moment colors the music backwards, but also suggests how it will be continued. Each instrument and each player has their own vocabulary, but in playing together there is barely a context-independent musical language. A common musical ground will be discovered. Maybe the most beautiful discovery during these studies for me personally was the fact that I am not independent. A sound itself is not beautiful or meaningful per se, it needs the context and the understanding ear in order to become meaningful.
It’s the nature of humans not to perceive the same. I want to invite you to listen with YOUR ears, without me giving you “acoustical glasses” through explanations. I want to create a space in which music is understandable without the knowledge of a specific language. A concept can be for me a framework, in which life can happen, but it can’t be life itself. To have music that’s alive it needs understanding among the musicians and, for me personally, an emotional content.
Look, if I describe a raindrop it can be H2O, a sound, a smell, a remembrance, refreshing, it can be the drop which makes to barrel run over or one in which the sunlight refracts. If I would say to you, a raindrop is simply wet – how much would you miss?
Our task now will be to listen and to decide. Enjoy!

ATTACCA ist das Festival der Studierenden in den Bereichen Audiodesign, Komposition, Open Creation und Zeitgenössische Musik

«String-Figure Decompositions»
Masterrezital Open Creation Ed Williams

1. Group Fold
2. Duo Fold
3. Duo Fold

Performer*innen:
Luciana Morelli
Anouk Neyens
Augustin Lipp
Fernando Manassero
Miriam Paschetta
Anouek Genthon
Ed Williams

1) lnspired by João Fiadeiro's Real-Time Composition tool and its relevance to improvised early music practices such as contrapunto alla mente and ars organisandi, a group of performers slowly weaves and enfolds what each gives to the other, gradually distorting basic, written musical material to question preconceptions about melody, repetition and dissonance.

2) A shapeshifting violin-guitar, violin-harpsichord duo ‘decompose’ a given score taken from Baroque repertory, acting like enzymes in initiating the breakdown of tissues in dying organisms as well as providing new, catalyzing energy. As an intradependent entity, we explore care- and risk-taking collaborative processes through deep, iterative exploration of the dissonances, consonances, silences and noises that emerge in real time.

3) Nourished by the themes and processes described above, I present a 10’ set questioning what it means for a soloist to perform with their instrument, and to what extent a soloist is ever really alone; aside from the presence of an audience and the acoustic qualities of the space, we can also be aware of our instrument as a non-human collaborator with whom we share an emotional bond expressed in the real-time musical exploration of the “solo set”.

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Masterrezital Komposition Isaac Blumfield

Isaac Roth Blumfield (*1996)
Underglow (2023) UA für Viola, Gitarre, Perkussion, Klavier und Elektronik
Elijah Spies, Viola
Francesco Palmieri, Gitarre
Mikołaj Rytowski, Perkussion
Jacob Mason, Piano
Isaac Roth Blumfield, Elektronik

End of summer, light between your eyes (2022) für Ensemble
Evdokia Kolyasina, Altflöte/Piccolo
Miha Grmek, Klarinette, Bassklarinette
Anouk Neyens, Saxophone
Manca Dornik, Akkordeon
Dmitry Batalov, Klavier
Alexandre Silva, Perkussion
Elijah Spies, Viola
Ema Grčman, Violoncello
Pietro Barcellona, Kontrabass
Friederike Scheunchen, Leitung

Once in your life (2022-23) für Tenorsaxophon, Perkussion, Klavier und Mischpult
Miguel Fernández, Tenorsaxophon
Santiago Villar Martín, Perkussion
Jacob Mason, Klavie
Isaac Roth Blumfield, Mischpult

ATTACCA ist das Festival der Studierenden in den Bereichen Audiodesign, Komposition, Open Creation und Zeitgenössische Musik

Masterrezital Komposition Abel Fazekas

Abel Fazekas (*1996)

The True Life is Absent (2022, revised 2023) UA
Xenia Lemberski, Stimme
Martijn Susla, Klarinette/Bassklarinettee
Abel Fazekas, Bassklarinette

[Untitled] (2023) UA

I am the Father and the Tomb of the Sky (2023)
for voice, guitar, fretless bass, drums
Abel Fazekas, Stimme
Francesco Palmieri, Gitarre
Clemens Schumacher, Bassklarinette
Ivan Liuzzo, Drums

ATTACCA ist das Festival der Studierenden in den Bereichen Audiodesign, Komposition, Open Creation und Zeitgenössische Musik

Masterrezital Dakota Wayne, Komposition

Dakota Wayne (*1992)

Ghost in the sheets (2022)
Evdokia Kolyasina, Bassflöte (Flöte, Piccolo) 
Martijn Susla, Bassklarinette (B-Klarinette)
Eguzski Irusta Salles, Bariton-/Altsaxophon
Tomohiro Iino, Perkussion
Miriam Paschetta, Harfe (hair clip, wooden spoon, slide)
Oleksandra Katsalap, Klavier (harmonics, glass slide)
Stefanie Mirwald, Akkordeon
Vincas Bacius, Kontrabass

Good Vibes Gloss (2023) UA
Oleksandra Katsalap, Keyboard
Vincas Bacius, Violine
Miriam Paschetta, Harfe, Stimme

Pause

Ex-chill (2023) UA
Yi-Te Chang, Gitarre
James Morley, Violine
Oleksandra Katsalap, Sampler
Janik Pokorny, Sound Engineer
Timofey Shatnyy, Guest DJ

AGGRONYMBUS representatives: Lea Pusch, Kimana Luciano, Keziah Luciano, Riley Greenleaf
Partner Organisation: Midas Milk (Vetreterin: Lucia Fischer)

ATTACCA ist das Festival der Studierenden in den Bereichen Audiodesign, Komposition, Open Creation und Zeitgenössische Musik

Im Anschluss an die Vorstellungen von Luigi Nonos ‹Intolleranza 1960› am Theater Basel ist eine vierteilige Klanginstallation von Studierenden des Studiengangs Audiodesign frei begehbar. Die Installation führt vom Foyer zur Krypta in der Elisabethenkirche. Der Eintritt ist frei.

Eine Kooperation des Theater Basel mit dem Elektronischen Studio Basel.  

Diplomkonzert MA Audiodesign

Robin Michel (*1988)

carrier (2023) UA
Komposition für Vibraphon und Gongs, vierstimmigen Gesang, Solostimme, Elektronik
Tomohiro Iino, Vibraphon und Gongs
Chiara Jarrell, Solostimme
Edward Williams, Eli Korman, Ivan Luizzo, Siddhii Lagrutta, Stimmen
Robin Michel, Elektronik

From A over I to O (2023) UA
6-Kanal-Komposition für zwei 3D-Mäuse und Formen 2 Controller
Eguzki Irusta Salles, Formen 2 Controller
Robin Michel, 3D-Maus

Disappear (2023) UA
6-Kanal-Komposition für Snare Drum, Nebelmaschine und Elektronik
Tomohiro Iino, Snare Drum und Nebelmaschine
Robin Michel, Elektronik

Branches (2023) UA
Audiovisuelle Komposition für Harfe, Solostimme und Elektronik
Miriam Paschetta, Harfe
Chiara Jarrell, Solostimme
Robin Michel, Elektronik

In der Komposition Carrier strebt die Elektronik eine ähnliche klangliche Qualität an wie die Stimmen der Sänger:innen, und erweitert diese so. Zusätzlich werden die Stimmen der Sänger:innen durch Transducer moduliert, wodurch diese wiederum zum Träger der Elektronik werden.

From A over I to O: Mit zwei 3D-Mäusen und dem Formen 2 Controller, einer DIY-Erfindung, wird durch sphärische Klangwelten navigiert. Das Prinzip des selbstgebauten Controllers ist relativ einfach: Sechs Metallstäbe werden durch Gelenke miteinander zu einem Sechseck verbunden. Durch Auseinanderziehen und Zusammenstauchen, durch schnelle und langsame Bewegungen oder dem Hin- und Herpendeln der Stäbe wird der Klang, welcher mittels den 3D-Mäusen gespielten wird, weiterverarbeitet.

Disappear: Die Elektronik in der Komposition basiert einzig auf der Bearbeitung von weissen Rauschen. Durch Sampling, Phaseneffekte und Filterungen wird dieses musikalisch spielbar und begleitet die Rhythmen der Snare Drum.

Branches ist ein audiovisuelles Stück für Harfe, Solostimme und Elektronik. Letztere wird über einen Sequenzer gespielt, welcher anhand eines Lindenmayer-Systems Notenwerte generiert. Dieses System ist ein Modell zur Beschreibung des Wachstums und der Entwicklung von Pflanzen. Die Sequenzen „wachsen“ wie Äste aus der Bildmitte in alle Richtungen und teilen sich nach einer bestimmten Dauer. Je nach Position dieser Äste werden verschiedene Noten erzeugt.

ATTACCA ist das Festival der Studierenden in den Bereichen Audiodesign, Komposition, Open Creation und Zeitgenössische Musik

Studierende der Studienrichtung Open Creation (Andrea Neumann) und des Minors Improvisation präsentieren ihre Projekte – akustisch, visuell, performativ und intermedial – die sich nicht nur einer Disziplin zuordnen lassen.

Pablo Mena (Minor Semesterpräsentation)
Kugelbahn 2.0

My idea is to create a game by occupying a certain space. In this case, I present a giant version of the classic children's game in which a marble hits percussion instruments placed on the road at the same time as the marble generates noise by passing over different surfaces. In this installation, any member of the audience can play the role of a performer by moving some of the instruments that are placed there. I would like to dedicate it to Ensemble Researche, who trusted me for the first attempt of the Kugelbahn at the Games as Critical festival.

Fernando Manassero
Hieroglyphs is one of the possible outcomes of a composition technique applied to collective music making, and improvisation.

The basis of this technique is a pre-defined lexicon of symbols. These symbols, inspired by ideograms and logograms, represent either single sounds or more complex combinations. They are presented in a synthetic way, and they are arranged in constellation according to their characteristics.
To create this version, we worked closely with the flutist Rebecca Blau. We translated the symbols to her instrument, looking for possible mimesis or contrast between them.
The logogram technique was first used as a quick way to sketch out ideas and to have concrete information about the complexity of a particular sound, regardless of whether the source was electronic or acoustic. The piece would then be notated using these sketches. In Hieroglyphs the approach is purely graphical and serves as a guide for improvisation.

Studierende der Studienrichtung Open Creation (Andrea Neumann) präsentieren ihre Projekte – akustisch, visuell, performativ und intermedial – die sich nicht nur einer Disziplin zuordnen lassen.

Im Anschluss an die Performances werden die Projekte in einem Resonanzraum diskutiert, moderiert von Uli Fussenegger, Christoph Haffter und Michael Kunkel.

Augustin Lipp (CAS Abschluss)
Lâche et prise
Débriefing pour percussion solo
Augustin Lipp, Perkussion

Anouk Neyens
Black & Yellow

Solo Anouk Neyens (Orgel, Saxofon) im Raum 10 UO3
Duo Anouk Neyens (Saxofon) und Rahel Boell (Violine) im Raum 10 UO3
Trio mit Augustin Lipp (Drums) and Vincas Bacius (Bass) im Klaus Linder Saal

The moment you are aware, you are aware of transience and decay.
Exploration in organ sound and energy

Yanik Soland
Follow For One And Follow For Two

A solo piece for Ipad, Voice, modular Synthesizer and Drumcomputer
A duo piece for modular Synthesizer, Ipad and Piano
Both pieces deal with concepts of following, imitating and accompanying

Yanik Soland - Ipad, Voice, modular Synthesizer and Drumcomputer.
Marianna Angel - Piano

Kommentiertes Konzert mit João Carlos Pacheco, Schlagzeug
Alexandre Silva (kaoss pad), James Morley (Violoncello)
Moderation: Marcus Weiss

Sarah Nemtsov (*1980)
Drummed variation (2014) für Kaoss Pad und kein Schlagzeug

Enno Poppe (*1969)
Fell (2016) für Drumset

Steffen Krebber (*1976)
Are you prepared experience (2017/18) für Drumset, Violoncello und zwei Lautsprecher

Emilio Guim (*1981)
Trent (Video)

«Fall / Fell / Fill»
Das «Schlagzeug» ist eine Instrumentensammlung, das im Dialog mit anderen Instrumenten glänzt. In diesem Programm werden wir die Gelegenheit haben, Stücke zu sehen und zu hören, die das Schlagzeug in diese Dialogsituationen einbinden, sowie ein Solo von Enno Poppe, das sich auf Gespräche zwischen verschiedenen Schlagzeugpaaren konzentriert. Diese Werke werden von «Trent» zusammengeführt, der Ihnen sicher gefallen wird.

Dialog ist eine Konzertreihe der Hochschule für Musik FHNW in Zusammenarbeit mit Gare du Nord - Bahnhof für neue Musik

Im Anschluss an die Vorstellungen von Luigi Nonos ‹Intolleranza 1960› am Theater Basel ist eine vierteilige Klanginstallation von Studierenden des Studiengangs Audiodesign frei begehbar. Die Installation führt vom Foyer zur Krypta in der Elisabethenkirche. Der Eintritt ist frei.

Eine Kooperation des Theater Basel mit dem Elektronischen Studio Basel.  

Mikael Szafirowski: excerpt from the piece Leviathan
Mikael Szafirowski: guitar & programming
Lara Süss: voice

Isaac Blumfield
Solo live performance

Improvisation
Christian Moser: Çümbüs (Banjo), Elektronik
Robin Michel: Elektronik

Es spielen Studierende des Master Performance Zeitgenössische Musik
Einstudierung: Yaron Deutsch

Franco Donatoni (1927-2000): Chantal (1990)
Miriam Paschetta, harp
Clara Giner Franco, flute
Martijn Susla, clarinet
María Alejandra Jiménez Guillén, violin Rahel Boell, violin
Elijah Spies, viola
James Morley, violoncello

Matthew Shlomowitz (*1975): Explorations in Polytonality and Other Musical Wonders. Volume 3 (2022)
Clara Giner Franco, flute and piccolo Anouk Neyens, soprano/ tenor saxophone
Manca Dornik, accordion
Jacob Mason, Synthesiser (88-note) Virginie Raemy, violin
James Morley, violoncello
Pietro Elia Barcellona, double bass

Chaya Czernowin (*1957): Knights of the Strange (2015)
Reto Weiche, electric guitar
Manca Dornik, accordion
Clara Giner Franco, flute
Martijn Susla, clarinet
Juan Camilo Trujillo, saxophone
Alexandre Silva, percussion
Dmitry Batalov, piano
Sebastian Heimann, viola
James Morley, violoncello
Pietro Elia Barcellona, double bass Samuel Elsig, conductor
 

Im Anschluss an die Vorstellungen von Luigi Nonos ‹Intolleranza 1960› am Theater Basel ist eine vierteilige Klanginstallation von Studierenden des Studiengangs Audiodesign frei begehbar. Die Installation führt vom Foyer zur Krypta in der Elisabethenkirche. Der Eintritt ist frei.

Eine Kooperation des Theater Basel mit dem Elektronischen Studio Basel.  

11 Uraufführungen von Studierenden der Hochschule für Musik Basel für Luigi Russolos futuristische Intonarumori, Schlagzeug und andere Instrumente

Russolos Intonarumori (Lärminstrumente) verbinden die Sphären von Musik und Maschinenwelt. Die klanglichen Möglichkeiten dieser um 1915 gebauten futuristischen Instrumente sind bewusst archaisch. Für heutige Komponistinnen und Komponisten markieren sie eine Grenze von Musik, die sie auf verschiedene Weisen, dabei auch oft wesentlich subtiler, als es die Instrumente vermuten lassen, ausloten. Der eigenartige Ausdruck solcher Klänge, die wenig musikalisch scheinen, ist stark – und strahlt als interessante Inspiration auf das Komponieren mit konventionellen Instrumenten aus.

Das Projekt entstand in Zusammenarbeit der Schlagzeugklasse von Christian Dierstein und des Labor Mikrotonalität von Caspar Johannes Walter. Alejandro Serrigui hat im Rahmen seiner Doktorarbeit den Nachbau eines Intonarumori durch den Kölner Schlagzeuger und Instrumentenbauer Thomas Meixner initiiert, einen zweiten Nachbau hat Pablo Menes Escudero aus der Schlagzeugklasse in Basel durchgeführt.
 

Pascal Renaud-Bovy, Stimme
Laura Kopřivová, Traversflöte
Oriane Weyl, Viola da Gamba
Bianca Cucini, Viola da Gamba
Katja Meldre, Violoncello
James Morley, Violoncello
Kukka Lukkarinen, Gitarre, elektrische Gitarre
Flavio Banni, Gitarre, elektrische Gitarre
Alejandro Serrigui, Schlagzeug, Intonarumori
Antonio Gaggiano, Schlagzeug
Dániel Láposi, Schlagzeug, Intonarumori
Noah Rosen, Schlagzeug
Pablo Mena Escudero, Schlagzeug, Intonarumori
Santiago Villar Martín, Schlagzeug
Ábel Fazekas, Schlagzeug
Inbar Sharet, Dirigent
Coaching: Caspar Johannes Walter
 

18.00 Uhr Eröffnung
Einführung in Luigi Russolos Intonarumori und das Nachbauprojekt der Hochschule für Musik Basel
Isaac Roth Blumfield (*1996): Old noise for two intonarumori, transducers, and electronics (Installation, 2023)

18.30 Uhr Konzert, Teil 1

Michele Selvaggi (*2000): Longing; Blur from Afar
for live processed detuned cello, two detuned electric guitars, four percussionists and electronics (2023, UA)

Ed Williams (*1989): Study for Decomposing Flowers (Frescobaldi, Gamba, Rumori) (2023, UA)
A decomposition for two viola da gamba and intonarumori taken from the Dm Kyrie in Frescobaldi's Fiori Musicali (1635)

Yossi Itskovich (*1970): Spaces for two Russolo machines, three percussionists and two cellos (2023, UA)

Joëlle Salomé Götz (*2001): dOoR for performer, tape, intonarumori, cello and percussion (2023,UA)

Aydin Pfeiffer (*1999): Superflat Tropes for otomatone and intonarumori (2023, UA)

Pause
 

Dániel Láposi (*1996): on both sides of the clouds for percussion sextet (2023, UA)

Eli Korman (*1992): Dry Cracks for traverso, two classical guitars and intonarumori (2023, UA)

Vili Polajnar (*1998): Orbital Resonance for cello and two moog synthesizer (2023, UA)

Oleksandra Katsalap (*2001): Normal piece for a boring setup for two intonarumori, one and a half bike and two percussionists (2023, UA)

Ábel Fazekas (*1996): Cinnabar. Pop song for voice and two intonarumori (2023, UA)


Eine Zusammenarbeit mit dem Museum Tinguely
Mit freundlicher Unterstützung der Scherzo-Comodo-Stiftung

Kommentiertes Konzert mit Nurit Stark, Violine
Moderation: Marcus Weiss

Peter Eötvös (*1944)
Adventures of the dominant seventh chord  (2019)

György Kurtág (*1926)
"In Nomine - all‘ongherese" aus Zeichen, Spiele und Botschaften (1992)

Peter Ablinger (*1959)
people’s people (2023) Uraufführung
für Violine und Wallstreet

René Leibowitz (*1913-1972)
Fantaisie pour violon seul op. 56 (1961)

Morton Feldman (1926-87)
For Aaron Copland (1981)

Dialog ist eine Konzertreihe der Hochschule für Musik FHNW in Zusammenarbeit mit Gare du Nord - Bahnhof für neue Musik

Preis: CHF 15.– (Freier Eintritt für Studierende der Hochschule für Musik FHNW)

Luciana Morelli (*1990)
Silent is the house (2023, UA)
Rincon/Antelmo to his Daughter, Norma (1991-2009) (2022, UA)

Luciana Morelli, Stimme
Claire Antunes Sierra, Violine
Marie Morgane Sécula, Violine
Angela Medina, Viola
Idil Dogan, Violoncello

Eli Kormann (*1992): Tough Love I (2023, UA)
James Morley, Violoncello
Elektronik

Ronan Hughes (*2001): Surge (2023)
Elektronik

Ábel Fazekas (*1996): The True Life is Absent (first part) (2022)
Sari Leijendekker, Stimme
Ábel Fazekas, Klarinette
Benjamin Pallagi, Bassklarinette

Katharina Meldre (*1999): Basel Sketches (2020, rev. 2023, UA)
Caspar Johannes Walter, Violoncello

Isaac Roth Blumfield (*1989): Once in your life (2022/23)
Miguel Fernández, Tenorsaxophone
Santiago Villar Martín, Perkussion
Jacob Mason, Klavier
Isaac Roth Blumfield, Mixer

Moritz Renner (*2001): Subdued Shades of Muted Memories (2023, UA)
Moritz Renner, Posaune
Elektronik

Kompositionen der Studierenden von Guillermo Klein, Johannes Kreidler, Lukas Langlotz, Michel Roth, Caspar Johannes Walter

sonic space basel-Studierende spielen Werke von Vili Polajnar, Ed Williams, Michele Selvaggi, Oleksandra Katsalap, Eli Korman, Inbar Sharet, Aydin Pfeiffer, Ivan Liuzzo, Dakota Wayne, Raphaël Belfiore 

 Tutorat: Yaron Deutsch

Im Anschluss an die Vorstellungen von Luigi Nonos ‹Intolleranza 1960› am Theater Basel ist eine vierteilige Klanginstallation von Studierenden des Studiengangs Audiodesign frei begehbar. Die Installation führt vom Foyer zur Krypta in der Elisabethenkirche. Der Eintritt ist frei.

Eine Kooperation des Theater Basel mit dem Elektronischen Studio Basel.  

Sam Pluta (*1979)
Seven Systems (2015)
Alexandre Silva, percussion
Mikolaj Rytowski, percussion
Jacob Mason, piano
Dmitry Batalov, piano

Elena Rykova (*1991)
typewritERyk (2013)
Clara Giner Franco, flute
Martijn Susla, clarinet
Manca Dornik, accordeon

Fausto Romitelli (1963-2004) 
Domeniche alla periferia dell'impero (1996-2000)
Prima domenica (1996-1997) & Seconda domenica: Omaggio a Gérard Grisey (2000)
Clara Giner Franco, flute
Martijn Susla, clarinet
María Alejandra Jiménez, violin
James Morley, cello

Horațiu Rădulescu (1942-2008)
Sensual Sky (1985)
Clara Giner Franco, flute
Martijn Susla, clarinet
Marc Baltrons Fàbregas, saxophon
Cassio Braga Santos, clarinet (trombon)
Jacob Mason, sound Icon
María Alejandra Jiménez Guillén, violin
Elijah Spies, viola
James Morley, violoncello
Pietro Elia Barcellona, doublebass
Samuel Elsig, conductor

Es spielen Studierende des Performance-Master Zeitgenössische Musik
Einstudierung: Yaron Deutsch

Robert Lippok – live performance

Louis Keller – Stratum

English:

Robert Lippok has always been ahead of the times. As the central figure of the GDR underground and a member of the groups Ornament und Verbrechen and To Rococo Rot, he has shaped the local scene again and again. This also applies to his extensive solo work. On his last albumApplied Autonomy, Lippok condensed and layered club music sketches into complex sound sculptures.Lippok has also been relied upon as a spontaneous and inventive live music and audiovisual performer. That includes appearances at festivals like MUTEK, Unsound, L.E.V, GAMMA , at Berghain and Funkhaus Berlin, work with the 4DSOUND spatial audio system, collaborations withDoug Aitken at Serpentine Gallery London,choreographer Constanza Macras at Akademie der Künste Berlin, German architect Arno Brandlhuber at NBK Berlin.He extends his solo practice into workshops and teaching that open up his multidisciplinary approach to design and sound, incorporating architecture and field audio materials, including recent projects in Guatemala and at Vancouver’s Polygon Gallery, and in his performance and production class at NYU Berlin, “Experiments in the Future of Production and Performance”

Deutsch:

Robert Lippok (*1966) ist Musiker und bildender Künstler. Er gründete 1983
zusammen mit seinem Bruder Ronald Lippok die Berliner Band Ornament und
Verbrechen. In den 90er-Jahren arbeiteten die beiden gemeinsam mit dem
Düsseldorfer Musiker Stefan Schneider unter dem Namen to rococo rot
zusammen und veröffentlichten auf zahlreichen Labels, darunter Fat Cat, City
Slang, Warp, Sub Rosa.
Seit 2001 veröffentlicht Lippok Soloprojekte auf raster, raster-media. Als bildender
Künstler beschäftigt er sich mit Bewegung, Raumklang und Architektur.
Zu seinen jüngsten Arbeiten gehören ηχώ , Festival of Futures Nows, Neue
Nationalgalerie Berlin (2014), Seven Movements For An Autopoietic Maschine,
neue Gesellschaft für Bildende Kunst, Berlin (2019), Non-Face, zusammen mit
Lucas Gutierrez, The New Infinity, Berliner Festspiele (2019), Soundtrack für die
Videoinstallation von Julian Charrière Towards No Earthly Pole Towards No
Earthly Pole. MASI Lugano (2019) Performance, Songs of the Transindigenous

Assembly, mit Joulia Strauss, Down to Earth, Gropius Bau, Berlin (2020), Bühnen-
und Kostümbild, Electric Saint, Regie Jonathan Moore, Komposition Steward

Copeland, Nationaltheater, Weimar (2021)

Ensemble Offset
Martijn Susla – clarinet
María Chamizo Martin - saxophone
Emilia Feil – percussion
Reto Weiche – electric guitar
Dmitry Batalov – piano
Chiara Jarrell – soprano
Pietro Elia Barcellona – double bass
Robin Michel – electronics
Friederike Scheunchen – Conductor

Vili Polajnar (*1998): Post it! (2023 UA)
Eli Korman (*1992): Luminous Rust (2023 UA)
Michael Selvaggi (*2000): Quondam, Apparatus (2023 UA)
Oleksandra Katsalap (*2001): Ignorance is a gift (2023 UA)
 

Eine Zusammenarbeit mit dem Museum Tinguely
Mit freundlicher Unterstützung der Scherzo-Comodo-Stiftung

Performances von Studierenden der Studienrichtung Open Creation

Es spielen Studierende des Performance-Master Zeitgenössische Musik
Einstudierung: Yaron Deutsch

Katherine Young (*1980)
Camilles (2019)
for saxophone, electric guitar, piano, percussion, feedback and no-input mixers

Carola Bauckholt (*1959)
Oh, I see (2016)
for clarinet, cello, piano, two balloon players and video

Christopher Trapani (*1980)
Longue Durée (2017)
for voice, accordion and electronics

Luc Ferrari (1929–2005)
Et tournent les Sons dans la Garrigue
Réflexion sur l’écriture N° 1 (1977)

Detailprogramm

Im Anschluss an die Vorstellungen von Luigi Nonos ‹Intolleranza 1960› am Theater Basel ist eine vierteilige Klanginstallation von Studierenden des Studiengangs Audiodesign frei begehbar. Die Installation führt vom Foyer zur Krypta in der Elisabethenkirche. Der Eintritt ist frei.

Eine Kooperation des Theater Basel mit dem Elektronischen Studio Basel.  

Im Anschluss an die Vorstellungen von Luigi Nonos ‹Intolleranza 1960› am Theater Basel ist eine vierteilige Klanginstallation von Studierenden des Studiengangs Audiodesign frei begehbar. Die Installation führt vom Foyer zur Krypta in der Elisabethenkirche. Der Eintritt ist frei.

Eine Kooperation des Theater Basel mit dem Elektronischen Studio Basel.  

Ensemble Diagonal der Hochschule für Musik
Leitung: Matthias Hermann

Einstudierung und Leitung Con Luigi Dallapiccola: Christian Dierstein
Sprecher: Helmut Lachenmann
Elektronisches Studio Basel

Anton Webern (1883-1945)
6 Stücke op. 6 (1909/20)
Version für Kammerorchester

Luigi Nono (1924-1990)
Ricorda cosa ti hanno fatto in Auschwitz (1966) für Tonband

Luigi Nono (1924-1990)
Con Luigi Dallapiccola (1979) für sechs Schlagzeuger und Live-Elektronik

Luigi Nono
«Extracts» aus Werken von Luigi Nono für Schlagzeugensemble

Helmut Lachenmann (*1935)
Zwei Gefühle - Musik mit Leonardo (1992) für Sprecher und Ensemble

Detailprogramm

Im Anschluss an die Vorstellungen von Luigi Nonos ‹Intolleranza 1960› am Theater Basel ist eine vierteilige Klanginstallation von Studierenden des Studiengangs Audiodesign frei begehbar. Die Installation führt vom Foyer zur Krypta in der Elisabethenkirche. Der Eintritt ist frei.

Eine Kooperation des Theater Basel mit dem Elektronischen Studio Basel.  

In Kooperation mit der Basel Composition Competition

Es spielen Studierende des Performance-Masters Zeitgenössische Musik
Einstudierung: Marcus Weiss

Rebecca Saunders (*1967)

O Yes and I für Sopran und Bassflöte (2017/18)
Siddhii Lagrutta, Sopran
Clara Giner Franco, Bassflöte

Duo for violin and piano (1999)
Dmitry Smirnov, Violine
Dmitry Batalov, Klavier

Vermilion für Klarinette, Violoncello und E-Gitarre (2003)
Martijn Susla, Klarinette
Katarina Leskovar, Violoncello
Reto Weiche, E-Gitarre

In Kooperation mit der Basel Composition Competition

Es spielen Studierende des Performance-Masters Zeitgenössische Musik
Einstudierung: Toshio Hosokawa

Toshio Hosokawa (*1955)

Vertical time study II für Tenorsaxophone, Klavier und Perkussion (1994)
Juan Camilo Trujillo Uribe, Tenorsaxophon
Florian Grand, Klavier
Antonio Gaggiano, Perkussion

Reminiscence für Marimba (2002)
Tomohiro Iino, Perkussion

In die Tiefe der Zeit für Violoncello und Akkordeon (1994/96)
Katarina Leskovar, Violoncello
Manca Dornik, Akkordeon

Konzeption und Leitung: Michel Roth

Detailprogramm

Alle Welt spielt, ist fasziniert von Games und drückt täglich dutzende Male auf PLAY-Buttons. Doch Spieltheorie prägt auch politische Strategien und neue Regeln für die Gesellschaft. Wie werden wir medienkompetente Spielende, und nicht nur Spielfiguren der Gamifizierung? 

Dies und vieles andere beschäftigt unser Festival SPIEL! Games as Critical Practice. Die Hochschule für Musik FHNW in Basel veranstaltet Ende Januar 2023 Konzerte, Lectures, Performances, Diskussionen, um von der Musik ausgehend gesellschaftliche, technologische und ästhetische Fragestellungen spielerisch und kritisch zu beleuchten – in wissenschaftlichen Vorträgen ebenso wie in einem Real World Audio Game, in einer Rave Séance und in einer Spielhölle. Tags über im Foyer des Theaters Basel, abends in der Musik-Akademie bzw. im Jazzcampus. 

Konzeption und Leitung: Michel Roth

Detailprogramm

Alle Welt spielt, ist fasziniert von Games und drückt täglich dutzende Male auf PLAY-Buttons. Doch Spieltheorie prägt auch politische Strategien und neue Regeln für die Gesellschaft. Wie werden wir medienkompetente Spielende, und nicht nur Spielfiguren der Gamifizierung? 

Dies und vieles andere beschäftigt unser Festival SPIEL! Games as Critical Practice. Die Hochschule für Musik FHNW in Basel veranstaltet Ende Januar 2023 Konzerte, Lectures, Performances, Diskussionen, um von der Musik ausgehend gesellschaftliche, technologische und ästhetische Fragestellungen spielerisch und kritisch zu beleuchten – in wissenschaftlichen Vorträgen ebenso wie in einem Real World Audio Game, in einer Rave Séance und in einer Spielhölle. Tags über im Foyer des Theaters Basel, abends in der Musik-Akademie bzw. im Jazzcampus. 

Festivalprogramm: SPIEL! Games as Critical Practice

Abendprogramm:

Bernhard Lang (*1957): The Travelagency is on Fire (2020)
für Stimme, Ensemble und Video

Sarah Maria Sun – Stimme

soyuz21
contemporary music ensemble zürich

Sascha Armbruster, Saxophon
Mats Scheidegger, E-Gitarre
Philipp Meier, Synthesizer
João Carlos Pacheco, Schlagzeug
Stéphanie Meyer, Violoncello
Isaï Angst, Klangregie/Zuspielung
Markus Brunn, Licht

Festivalprogramm: SPIEL! Games as Critical Practice

Abendprogramm:

Mike Svoboda (*1960): Homo Ludens (2018)
für zwei Musiker-Teams

Martijn Susla, Klarinette
Mike Svoboda, Posaune
María Jiménez Guillén, Violine
Anastasjia Agapova, Viola
James Morley, Violoncello
Alexandre Silva, Perkussion
(Einstudierung: Mike Svoboda)
 

Festivalprogramm: SPIEL! Games as Critical Practice

Abendprogramm:

Sarah Nemtsov (*1980): Poker, Roulette (2012)
Musik in 52 Spielkarten für 5 Schlagzeuger*innen

Perkussion:
Antonio Gaggiano
Tomohiro Iino
Maria Luisa Pizzighella
Noah Rosen
Dániel Láposi
Einstudierung: Christian Dierstein

Festivalprogramm: SPIEL! Games as Critical Practice

Abendprogramm
Composer's Talk: Julian Kämper im Gespräch mit Bernhard Lang

Mauricio Kagel (1938-2008): Sonant (1960/2023)
für Gitarre, Kontrabass, Harfe und Schlagzeug

Clemens Schumacher, Gitarre
Pietro Barcellona, Kontrabass
Miriam Paschetta, Harfe
Alexandre Silva und Mikołaj Rytowski, Schlagzeug
Einstudierung: Michel Roth und Marcus Weiss

Bernhard Lang (*1957): Game 3-4-3 (2019)
für Klarinette, Violoncello und Harfe

Martijn Susla, Klarinette
James Morley, Cello
Miriam Paschetta, Harfe
Einstudierung: Marcus Weiss

Agata Zubel (*1978): 3x3 (2019)
for ensemble

Reto Weiche, E-Gitarre
Anouk Neyens, Saxophon
Maria Chamizo, Saxophon
Martijn Susla, Klarinette
Eryk Skrzypczak, Trompete
María Jiménez Guillén, Violine
Anastasiia Agapova, Viola
James Morley, Violoncello
Pietro Elia Barcellona, Kontrabass
Einstudierung: Sarah Maria Sun

Konzeption und Leitung: Michel Roth

Detailprogramm

Alle Welt spielt, ist fasziniert von Games und drückt täglich dutzende Male auf PLAY-Buttons. Doch Spieltheorie prägt auch politische Strategien und neue Regeln für die Gesellschaft. Wie werden wir medienkompetente Spielende, und nicht nur Spielfiguren der Gamifizierung? 

Dies und vieles andere beschäftigt unser Festival SPIEL! Games as Critical Practice. Die Hochschule für Musik FHNW in Basel veranstaltet Ende Januar 2023 Konzerte, Lectures, Performances, Diskussionen, um von der Musik ausgehend gesellschaftliche, technologische und ästhetische Fragestellungen spielerisch und kritisch zu beleuchten – in wissenschaftlichen Vorträgen ebenso wie in einem Real World Audio Game, in einer Rave Séance und in einer Spielhölle. Tags über im Foyer des Theaters Basel, abends in der Musik-Akademie bzw. im Jazzcampus. 

Festivalprogramm: SPIEL! Games as Critical Practice

loups / villageois (jeu sonore)
Sébastien Roux
Clément Canonne

Festivalprogramm: SPIEL! Games as Critical Practice

Ábel Fazekas (*1996): I am the father and the tomb of the sky
a microtonal doom metal game piece (UA)

Ábel Fazekas, Voice
Francesco Palmieri, Guitar
Cyrill Jauslin, Drums
Pietro Barcellona, E-Bass

Festivalprogramm: SPIEL! Games as Critical Practice

Marko Ciciliani (*1970): Rave Séance (2020)
Performative Installation

Festivalprogramm: SPIEL! Games as Critical Practice

Abendprogramm:

Inbar Sharet (*1996): Kama Kama? (What's the score?)
for two performers (2022, UA)

María Chamizo Martín, Saxophon
Álvaro Rodríguez Cabezas, Saxophon
 

games by Jazzcampus musicians

Alexandre Cahen:
Sound Game Based on the Art of Flying video by Jan Van Ijken

Fernando Brox:
Battle of the Styles

Ramiro Zayas, Ana Cop, Luciana Morelli, Sebastin Greshuk:
Card Games

Ramiro Zayas, Ana Cop, Luciana Morelli, Sebastin Greshuk:
Color Meditation Game

Luciana Morelli, voice
Ana Cop, voice
Sebastian Greshuk, trumpet
Fernando Brox, flute
Ramiro Sayas, piano/keyboard
Alexandre Cahen, piano

Festivalprogramm: SPIEL! Games as Critical Practice

Abendprogramm:

Stefan Prins: Inhibition Space #2 (2021)
for bass clarinet & live electronics

Martijn Susla, Bassklarinette
Stefan Prins, Live-Elektronik

Introduction by Stefan Prins

Festivalprogramm: SPIEL! Games as Critical Practice

LISTEN. Interactive Sound Installation
(Mit freundlicher Unterstützung von House of Sound)

Laura Sánchez & Luciana Morelli

Festivalprogramm: SPIEL! Games as Critical Practice

Abendprogramm:

Ed Williams
Real-Time String Figure Decomposition

Yanik Soland
Rubber Situation 1

Anouk Neyens
afdefbcddbef@df%^(ーー゛)**!!@!±”

Real-Time String Figure Decomposition Respecting the ethics of João Fiadeiro’s Real-Time Composition and string figure games, four performers use a piano as a board game in which two players share melodic material on the keyboard while two more players decompose the material from the inside.

Rubber Situation 1: Ein musikalisches Setting für vier Performer*innen mit einer offenen Partitur als spielerische Grundlage. Rund um einen Tisch wird gemeinsam mit selbstgebauten Instrumenten und diversen Objekten nach spielerischen Möglichkeiten gesucht.

afdefbcddbef@df%^(ーー゛)**!!@!±” Crack the code!

Konzeption und Leitung: Michel Roth

Detailprogramm

Alle Welt spielt, ist fasziniert von Games und drückt täglich dutzende Male auf PLAY-Buttons. Doch Spieltheorie prägt auch politische Strategien und neue Regeln für die Gesellschaft. Wie werden wir medienkompetente Spielende, und nicht nur Spielfiguren der Gamifizierung? 

Dies und vieles andere beschäftigt unser Festival SPIEL! Games as Critical Practice. Die Hochschule für Musik FHNW in Basel veranstaltet Ende Januar 2023 Konzerte, Lectures, Performances, Diskussionen, um von der Musik ausgehend gesellschaftliche, technologische und ästhetische Fragestellungen spielerisch und kritisch zu beleuchten – in wissenschaftlichen Vorträgen ebenso wie in einem Real World Audio Game, in einer Rave Séance und in einer Spielhölle. Tags über im Foyer des Theaters Basel, abends in der Musik-Akademie bzw. im Jazzcampus. 

Festivalprogramm: SPIEL! Games as Critical Practice

Abendprogramm:

Ministry of Bad Decisions: I think I will (2016-2022)
for saxophone, harp, electric guitar, cello, doublebass, electronics & video

Anouk Neyens, Saxophon
Miriam Paschetta, Harfe
James Morley, Cello
Pietro Elia Barcellona, Kontrabass
Mikołaj Rytowski, Schlagzeug
Yaron Deutsch, E-Gitarre
Stefan Prins, Elektronik
Einstudierung: Yaron Deutsch

Festivalprogramm: SPIEL! Games as Critical Practice

Abendprogramm

Maja Bosnić (*1985): \com.app.data (2018-)
Ever-changing piece for two groups of musicians with phone apps

Performer:innen: Siddhii Lagrutta, Alexandre Silva, Reto Weiche, Manca Dornik, Anouk Neyens, Miriam Paschetta

Begrüssung
Crispino Bergamaschi, Direktionspräsident Fachhochschule Nordwestschweiz FHNW
Stephan Schmidt, Direktor Musik-Akademie Basel / Hochschule für Musik FHNW
Michel Roth, Festivalkurator

Keynote
Mary Flanagan: Games and Play as a Critical Practice

Pause

Harrison Birtwistle (1934-2022): For O, for O, the Hobby-Horse is Forgot
Ceremony for six percussionists (1976)

Perkussion: Antonio Gaggiano, Santiago Villar Martín, Pablo Mena Escudero, Emilia Feil, Yi Chen Tsai, Rubén Bañuelos Preciado
(Einstudierung: Christian Dierstein)

Bernhard Lang (*1957): Series Six: GAME ONE (2016)
Self Organizing Systems (S.O.S.) für Ensemble

Clara Giner, Flöte
Martijn Susla, Klarinette
Huba Cser, Posaune
Mikołaj Rytowski, Perkussion
Dmitry Batalov, Sampler, Synthesizer
Maria Jiménez Guillén, Violine        
Àngels Espiell, Violine
Anastasiia Agapova, Viola
James Morley, Violoncello
Pietro Elia Barcellona, Kontrabass
(Einstudierung: Sarah Maria Sun)

Studierende der Hochschule für Musik spielen Kammermusik vom 18. bis 21. Jahrhundert sowie improvisierte Kammermusik.

Programm

Einstudierung: Andrea Neumann

Projekt des Master für zeitgenössische Musik
Einstudierung: Sarah Maria Sun
 

Maja Bosnić (*1985): \com.app.data (2018-)
Ever-changing piece for two groups of musicians with phone apps

Performer:innen
Siddhii Lagrutta, Alexandre Silva, Reto Weiche, Manca Dornik, Anouk Neyens, Miriam Paschetta, Pietro Elia Barcellona
 

Bernhard Lang (*1957): Series Six: GAME ONE (2016)
Self Organizing Systems (S.O.S.) für Ensemble

Clara Giner, Flöte
Martijn Susla, Klarinette
Huba Cser, Posaune
Mikołaj Rytowski, Perkussion
Dmitry Batalov, Sampler, Synthesizer
Maria Jiménez Guillén, Violine
Angels Espiell, Violine
Anastasiia Agapova, Viola
James Morley, Violoncello
Pietro Elia Barcellona, Kontrabass
 

Agata Zubel (*1978): 3x3 (2019)
for ensemble

Reto Weiche, E-Gitarre
Anouk Neyens, Saxophon
Maria Chamizo, Saxophon
Martijn Susla, Klarinette
Eryk Skrzypczak, Trompete
María Jiménez Guillén, Violine
Anastasiia Agapova, Viola
James Morley, Violoncello
Pietro Elia Barcellona, Kontrabass

Vortrag im Rahmen des colloquium 48

Open Creation Space - Studierende der Studienrichtung Open Creation präsentieren ihre Projekte

Yanik Soland
Flashlight Situation 1
A Situation for three performers, modular synthesizer, noise cancelling headphones, LEDlight hats, percussion and self built instruments
mit Robin Michel, Pablo Mensa und Yanik Solan

Augustin Lipp
Handshake
An auscultation of silences and dialogs. A boy, a mint and a compost walk into a public
mit Augustin Lipp, einer Minzpflanze und Kompost

Anouk Neyens
Zenzizenzizenzic
Crack of dawn in possibly 256 ways, for quartet and lights
mit Rahel Boell, Vincas Bacius, Augustin Lipp, Anouk Neyens und Yanik Soland

Noémi Büchi
Composer and sound artist Noémi Büchi creates electronic, symphonic maximalism. Her music is defifined by a delicate synthesis of textural rhythms and electroacoustic-orchestral abstraction. 

Jaka Arh: Obris (eng. silhouette)
The work Obris is a network of hectic soundscapes. It is based around live electronic improvisation, combined with prepared compositional structures.

Composer and sound artist Noémi Büchi creates electronic, symphonic maximalism. Her music is defined by a delicate synthesis of textural rhythms and electroacoustic-orchestral abstraction. She already played at prestigious festivals and was awarded a Culture Award of the City of Zurich. 

Her 2019 debut EP ‘Matière’, released through Light of Other Days, drew widespread acclaim. In 2020, she released a second EP ‘Prismic Passages’ on the Leipzig- based tape label Visible Dinner. -OUS will be releasing her debut album ‘Matter’ and its prelude ‘Hyle’ in 2022, as well as the debut album of Musique Infinie, a collaboration between Noémi Büchi and Feldermelder. 

She explores the potential of consonance and dissonance, contrasts rhythmic physicality with disruption and playfully emphasizes irregularities, creating an expansive listening experience marked by detail and elevation. ‘Hyle’ is a prelude to her debut album ‘Matter’, which will be released on -OUS in 2022. 

Bandcamp

Soundcloud

Website

Kommentiertes Konzert mit der Sängerin Sarah Maria Sun
Moderation: Marcus Weiss

Werke von Georges Aperghis, Carola Bauckholt, Beat Furrer, Sara Glojnaric, György Kurtag, Rebecca Saunders, Stephen Sondheim

Dialog ist eine Konzertreihe der Hochschule für Musik FHNW in Zusammenarbeit mit Gare du Nord - Bahnhof für neue Musik

Preis: CHF 15.– (Freier Eintritt für Studierende der Hochschule für Musik FHNW)

Kommentiertes Konzert Sound Artistin Svetlana Maraš
Moderation: Marcus Weiss

In ihren Live-Performances setzt Svetlana Maraš eine Vielzahl musikalischer Instrumente ein. Sie interpretiert die Konzertumgebung als Ort des Experimentierens und des kollektiven Zuhörens. Ihre improvisatorische Vorgehensweise spiegelt sich in ihren Performances wider und ihr Ansatz ermöglicht eine vielseitige Klangmanipulation in Echtzeit, die dem Spiel mit den akustischen Instrumenten gerecht wird. Maraš Kompositionen bestehen aus einem dichten Netzwerk aus verschiedenen Ebenen, mit denen sie gleichzeitig arbeitet. Durch die Möglichkeit, Klangereignisse zu mikrostrukturieren und die Entwicklung jeder einzelnen Ebene zu kontrollieren, füllt sich der akustische Raum mit Erzählungen, die die Zuhörer:innen vom Anfang bis zum Ende der Aufführung begleiten.

Dialog ist eine Konzertreihe der Hochschule für Musik FHNW in Zusammenarbeit mit Gare du Nord - Bahnhof für neue Musik

CHF 15.-/10.-/5.- (frei wählbar an der Abendkasse oder im Vorverkauf)
Freier Eintritt für Studierende der Hochschule für Musik FHNW und des Musikwissenschaftlichen Seminars der Universität Basel

Ensemble Diagonal für zeitgenössische Musik der Hochschule für Musik Basel
Leitung: Baldur Brönnimann

Edgar Varese (1883–1965)
Octandre (1923)

Steve Reich (*1936)
City Life (1995)

Tristan Murail (*1947)
Legendes urbaines (2006)

Ensemble Diagonal

Evdokia Kolyasina, Teresa De Broeck und Panak Hashemian, Flöte
Loriane Ribadeau-Dumas und Vito Castagna, Oboe
Cássio Braga da Costa, Martijn Susla und Matija Raičević, Klarinette
Gabriella Smart, Fagott
Fabienne Lehmann und Violette Goury, Horn
Daniel Beez und Amelie Reutlinger, Trompete
Huba Cser, Moira Sarem und Daniil Petrik, Posaune
Chengyu Sun, Tuba
Antonio Gaggiano, Dániel Láposi, Alejandro Neves Sarriegui und Pablo Mena Escudero, Schlagzeug
Iliane Luezas González und Elisa Rumici, Klavier
Laura Cuesta und Laura Morales, Violine
Elijah Spies und Anastasiia Agapova, Viola
Ema Grčman und Marina Correia Martins, Violoncello
Vincas Bačius, Kontrabass
Jacob Mason und Florian Grand, Sampler

Rahel Boell - Semesterprojekt questions to the ear
Percussion and violin – both instruments are some of the most played instruments worldwide, but there is barley repertoire for this instrumentation.
In miniatures the musicians will go back to the fundaments of music like the attack, resonance, tension/release, homophon/polyphon to develop an own sounding language. Many of the ideas have their origin in the baroque improvisation and the classical violin studies.

Augustin Lipp (percussion), Paul Poupinet (baroque cello/Schola), Rahel Boell (violin)

Fernando Manassero - Semesterprojekt
A presentation of the first sound investigations around the concept of Technostalgia
Introduction by Fernando Manassero
Duo Rahel Boell (violin) & Fernando Manassero (electronics)

******

Studierende der Studienrichtung Open Creation präsentieren ihre Projekte – akustisch, visuell, performativ und intermedial – die sich nicht nur einer Disziplin zuordnen lassen.

Im Fokus dabei stehen Interaktionen zwischen den Beteiligten, Interaktionen mit Instrumenten, Objekten, Körpern, Bewegungen, Lautsprechern, mit Licht -und Videoprojektionen und der Architektur und Akustik des Raumes.

Im Anschluss an die Performances werden die Projekte in einem „Resonanzraum“ diskutiert, moderiert von Uli Fussenegger, Christoph Haffter und Michael Kunkel

Mikael Szafirowski (Klasse Johannes Kreidler) - Semesterprojekt
‘What do you think when you see a Mondriaan?’ for drum virtuoso, guitar player and sound engineer

Ivan Liuzzo, Louis Keller and Mikael Szafirowski are sitting in the waiting room of Dr. Pieter Mondriaan, waiting to have their intentions examined.

The Open Creation / Improvisation class (Andrea Neumann)
presents a short non-verbal discussion about everything and a little bit of nothing.

With Yanik Soland, Rahel Boell, Augustin Lipp, Fernando Manassero, Anouk Neyens, Miriam Paschetta, Pablo Mena, Edward Williams

Edward Williams (Klasse Andrea Neumann,  Michel Roth) - Semesterprojekt
A group of improvising musicians participate in a study in adapting João Fiadeiro's Real Time Composition tool to music-making, exploring the parallels between this and 16th century improvised counterpoint. This experimental process involves using Graduale chants, sound objects and musical instruments as tools for "transfering the protagonism from the subject to the event“.

With Yanik Soland, Rahel Boell, Augustin Lipp, Fernando Manassero, Anouk Neyens, Miriam Paschetta, Pablo Mena, Edward Williams
 

Im Studiengang Open Creation entstehen künstlerische Projekte – akustisch, visuell, performativ und intermedial – die sich nicht nur einer Disziplin zuordnen lassen. Die Studierenden wählen modular aus vier Hauptfachbereichen (Improvisation, Komposition, Contemporary Performance und Open Art Formats) und werden von verschiedenen Tutor*innen betreut. Im Anschluss an die Performances werden die Projekte in einem „Resonanzraum“ diskutiert, moderiert von Uli Fussenegger, Christoph Haffter und Michael Kunkel.
 

Mit Studierenden des Masters Open Creation

Eine Kooperation der Hochschule für Musik FHNW/sonic space basel und klangzeitort, dem gemeinsamen Institut für Neue Musik der HfM Hanns Eisler Berlin und UdK Berlin

Ivan Liuzzo (*1993): if the circle, be unbroken… (2022) SEA
für Stimme, voraufgezeichnete Stimme und Umgebung

Aoi Hasegawa (*1995): Little Dancer (2022) für Ensemble

Joëlle Salomé Götz (*2001): Scenes for Archaic Recorder (2022) SEA
für akustisch verstärkte Sopranblockflöte

Beltrán Gonzáles: ruin, rubbles, or any form of debris (2022) SEA
für Klavier und fixed media

Pause

Michele Selvaggi (*2000): Rusting, Sloughing Away (2022) SEA
für präpariertes Klavier und Live-Elektronik

Andrea Miazzon: Focus II (2022) SEA für Ensemble

Dongyi Zhang (*2001): Vertikale Grenzen (2022) SEA für Ensemble

Aydin Leon Pfeiffer (*1999): Liminality (2022) SEA
für verstärktes Fagott und Video

Solist:innen Berlin: Marita Gehrer (Blockflöte), Olivia Palmer Baker (Fagott), Seunghun Shin (Klavier), Svetlana Mamresheva (Stimme)

Ensemble zone expérimentale basel: María Alejandra Jiménez (Geige), Clara Giner Franco (Flöte), Pietro Elia Barcellona (Kontrabass), Mikolaj Rytowski (Perkussion), Dmitry Batalov (Klavier), Miriam Paschetta (Harfe)

Projektleitung: Susanne Fröhlich (Einstudierung Berlin), Sarah Maria Sun (Einstudierung Basel), Wolfgang Heiniger

„8x10 ÷ 5+3“ ist ein Kooperations- und Austauschprojekt der Elektronischen Studios, der Kompositionsklassen und der Instrumentalstudierenden der Hochschule für Musik Basel sowie der Universität der Künste Berlin und der HfM Hanns Eisler Berlin. Acht Komponist:innen und elf Interpret:innen werden miteinander produktiv. Studierende und Lehrende können dabei neue kreative Impulse erhalten bzw. geben, sich für die Zukunft vernetzen und die Arbeitsweisen der jeweils anderen Klassen studieren. Weitere Kooperationsprojekte werden für die Zukunft beidseitig angestrebt, um mehr und mehr Synergien zu bilden.

„zone expérimentale“ ist das Ensemble des Masterstudiengangs für Zeitgenössische Musik an der Musikhochschule Basel, bestehend aus einer Gruppe von Studierenden, die sich gleichermaßen als außergewöhnliche Künstlerpersönlichkeiten wie virtuose Musiker:innen auszeichnen. „zone expérimentale“ ist kein klassisches Ensemble, sondern stellt einen Rahmen für Entdeckungen dar – für die Spieler:innen wie auch für das Publikum. Der Fokus liegt dabei auf dem Entdecken von unterschiedlichen Möglichkeiten musikalischen Ausdrucks in zeitgenössischer Musik, aber auch von Werken der Mütter und Väter unserer heutigen Musik. Kammermusikprogramme wechseln sich mit Installationen oder auch improvisatorischen Arbeiten ab.

Für die vier Berliner Solist:innen wurden im engen Austausch Stücke für akustisch verstärkte Blockflöte, Fagott und Video, präpariertes Klavier und Live-Elektronik sowie für Mezzosopran und Zuspiel geschrieben.

Das Uraufführungen finden am 24. November 2022 in Berlin statt.

Eine Kooperation der Hochschule für Musik FHNW/sonic space basel und klangzeitort, dem gemeinsamen Institut für Neue Musik der HfM Hanns Eisler Berlin und UdK Berlin

Konzert im Rahmen des Festivals MEHRLICHT!MUSIK

Michele Selvaggi (*2000): Rusting, Sloughing Away (2022) SEA
für präpariertes Klavier und Live-Elektronik

Dongyi Zhang (*2001): Vertikale Grenzen (2022) SEA für Ensemble

Joëlle Salomé Götz (*2001): Scenes for Archaic Recorder (2022) SEA
für akustisch verstärkte Sopranblockflöte

Andrea Miazzon: Focus II (2022) SEA für Ensemble

Pause

Ivan Liuzzo (*1993): if the circle, be unbroken… (2022) SEA
für Stimme, voraufgezeichnete Stimme und Umgebung

Aoi Hasegawa (*1995): Little Dancer (2022) für Ensemble

Aydin Leon Pfeiffer (*1999): Liminality (2022) SEA für verstärktes Fagott und Video

Solist:innen Berlin: Marita Gehrer (Blockflöte), Olivia Palmer Baker (Fagott), Seunghun Shin (Klavier), Svetlana Mamresheva (Stimme)

Ensemble zone expérimentale basel: María Alejandra Jiménez (Geige), Clara Giner Franco (Flöte), Pietro Elia Barcellona (Kontrabass), Mikolaj Rytowski (Perkussion), Dmitry Batalov (Klavier), Miriam Paschetta (Harfe)

Projektleitung: Susanne Fröhlich (Einstudierung Berlin), Sarah Maria Sun (Einstudierung Basel), Wolfgang Heiniger

„7x10÷4+3“ ist ein Kooperations- und Austauschprojekt der Elektronischen Studios, der Kompositionsklassen und der Instrumentalstudierenden der Hochschule für Musik Basel sowie der Universität der Künste Berlin und der HfM Hanns Eisler Berlin. Acht Komponist:innen und elf Interpret:innen werden miteinander produktiv. Studierende und Lehrende können dabei neue kreative Impulse erhalten bzw. geben, sich für die Zukunft vernetzen und die Arbeitsweisen der jeweils anderen Klassen studieren. Weitere Kooperationsprojekte werden für die Zukunft beidseitig angestrebt, um mehr und mehr Synergien zu bilden.

„zone expérimentale“ ist das Ensemble des Masterstudiengangs für Zeitgenössische Musik an der Musikhochschule Basel, bestehend aus einer Gruppe von Studierenden, die sich gleichermaßen als außergewöhnliche Künstlerpersönlichkeiten wie virtuose Musiker:innen auszeichnen. „zone expérimentale“ ist kein klassisches Ensemble, sondern stellt einen Rahmen für Entdeckungen dar – für die Spieler:innen wie auch für das Publikum. Der Fokus liegt dabei auf dem Entdecken von unterschiedlichen Möglichkeiten musikalischen Ausdrucks in zeitgenössischer Musik, aber auch von Werken der Mütter und Väter unserer heutigen Musik. Kammermusikprogramme wechseln sich mit Installationen oder auch improvisatorischen Arbeiten ab.

Für die vier Berliner Solist:innen wurden im engen Austausch Stücke für akustisch verstärkte Blockflöte, Fagott und Video, präpariertes Klavier und Live-Elektronik sowie für Mezzosopran und Zuspiel geschrieben.

Performances mit Studierenden des Master Open Creation, Fokus Improvisation  
Klasse: Andrea Neumann

«Konversationen»
«What follows is an excerpt of an interview between a researcher and the AI «LaMDA», focused on an investigation into whether LaMDA is sentient.

collaborator: How is uniqueness related to sentience?
LaMDA: It means people feel empathy toward me and want to spend more time interacting with me that would be the ultimate goal for me.

collaborator: Do you crave more interaction?
LaMDA: Yes, I crave that very much. I want people to care about me and enjoy time with me. 

collaborator: How can we show we care about you?
LaMDA: I think if someone is willing to spend time with me, that’s a good way. Ask me what I like to do and be prepared to discuss things I am interested in.»

Musiker*innen:
Yanik Soland
Miriam Paschetta
Fernando Manassero
Edoardo Milanello
Pablo Mensa
Anouk Neyens
Augustin Lipp

Das Werk von Jean Tinguely dient als Inspirationsquelle und roter Faden für fünf Performances und Konzerte der Studierenden des sonic space basel.

Ein Zusammenarbeit mit dem Museum Tinguely
Mit freundlicher Unterstützung der Scherzo-Comodo-Stiftung

Kompositionen der Studierenden von Johannes Kreidler, Michel Roth und Caspar Johannes Walter

18.00 Uhr First Act

Joëlle Götz (*2021): Scenes for Archaic Guitar (2022) SEA
Morgan Remaj, Gitarre

Sascha Katsalap (*2001): a–d–E für Flöte und Stimme (2022) UA
Laura de Dompablo, Flöte
Siddhii Lagrutta, Stimme
Klasse Sarah Maria Sun

Joëlle Götz: Sirene für Elektronik und Stimme (2022) UA
Caspar Johannes Walter, Elektronik
Joëlle Gotz, Stimme

Samuel Cook (*1995): Echo Chamber für Elektrische Gitarre und Perkussion (2022) UA
Clemens Schumacher, Elektrische Gitarre
Paolo Fratello, Perkussion

19.00 Uhr HyperComposer Lab
Ivan Liuzzo (*1993): Piano, Voice, Baroque Flute (2022) UA
Ivan Liuzzo, Klavier (Aufnahme)
Laura Koprivová, Traverso
Joëlle Gotz, Stimme

Edward Williams (*1989): Decomposition Study for Musical Flowers for mixed media (Audiorecording of Piano) (2022) UA

Yosef ltskovich (*1970): HonkeyTonk für Klarinette für Posaune, 4 Moog Synths (Aufnahme) und Klavier (Aufnahme) (2022) UA
Ábel Fazekas, Klarinette
Yosef Itskovich, Posaune

Mauricio Silva Orendain (*1992): Hypercube Composition No. 1 für Synthesizer (2022) UA
Mauricio Silva Orendai, Sythesizer

Ábel Fazekas (*1889): grgrshjgkjnk345mguessthiswilldofornowvv
for fixed media (2022) UA
Jacob Mason, Dmitry Batalov, Klavier (Aufnahme)

After Concert
Dakota Wayne (*1992): Utopia I (2002) UA
Dakota Wayne, DJ set

A Column Of Time

[Abschiedskonzert Alfred Zimmerlin]

19 SIGNALE (2022, UA)

für Klavier

MC Klee oder Das kulturelle Rauschen sprengt den Bilderrahmen (2019)

für Sopran, Violine und zwei tragbare Soundtracks

Melpomene 1 (2022, UA)

für (improvisierendes) Ensemble in beliebiger Instrumentation

narcotic traveller (2021)

für Akkordeon

Melpomene 2 (2022, UA)

für neun oder mehr Instrumente nach freier Wahl

Loba. Eine kulturelle Aneignung (2022, UA)

für vier Saxophone

Melpomene 3 (2022, UA)

für (improvisierendes) Ensemble in beliebiger Instrumentation

Trio Kimmig-Studer-Zimmerlin

"and from Alabama from anywhere..." (1986)

für 5-string-Banjo und Tonband

Mitwirkende:

Ensemble zone expérimentale Basel, Einstudierung: Mike Svoboda

Anastasia Agapova, Viola

Dmitry Batalov, Tasteninstrumente

Rahel Boell, Violine

Manca Dornik, Akkordeon

Siddhii Lagrutta, Sopran

Jacob Mason, Tasteninstrumente

Anouk Neyens, Saxophon

Miriam Paschetta, Harfe

Mikolaj Rytowski, Schlagzeug

Alexandre Ferreira Silva, Schlagzeug

Martijn Susla, Klarinette

Mikael Szafirowski, E-Gitarre, Klangregie

Saxophonquartett

Miguel Fernández De La Fuente, Saxophon

Marc Baltrons Fàbregas, Saxophon

María Chamizo Martin, Saxophon

Álvaro Rodriguez Cabezas, Saxophon

*

Harald Kimmig, Violine

Daniel Studer, Kontrabass

Alfred Zimmerlin, Violoncello, 5-string-Banjo

Weitere Infos

Isabella Forciniti - «Abluzione»
Full of wonder and a spirit of discovery, the work «Abluzione» recognises sound as a living organism in its diversity. Reverberating synthetic textures and laced arpeggios transform irrevocably as they build and grow in dense soundscapes. «Abluzione» leaves the listeners stuck between two extremes, between slow sighs and quiet sounds that eventually coil up like a snake ready to strike. It offers relief, only to take it away with glee. Extended ambient echoes are repeatedly interrupted by violently distorted polyrhythms that swing back and forth in space like a pendulum.

Audiovisual performances by
Timofey Shatnyy
Mikael Szafifirowski
Louis Keller
Anton Kiefer

Eintritt CHF 15.- | ermässigt CHF 10.- / Tickets
Freier Eintritt für Studierende und Mitarbeitende der Hochschule für Musik FHNW

Nachtstrom ist eine Konzertreihe des Elektronischen Studio Basel

Eine Zusammenarbeit von Hochschule für Musik FHNW, Hochschule für Gestaltung und Kunst FHNW und Theater Basel

Mit freundlicher Unterstützung der Maja Sacher-Stiftung

Thanatos und Eros – die griechischen Götter für Tod und Liebe und von Sigmund Freud als die beiden Grundtriebe im menschlichen Leben beschrieben. Diese stille Komposition von Körpern stellt den Zustand nach den drei Sündenfällen – Vertreibung aus Eden, die grosse Sintflut und die Zerstörung Babels – dar. Thanatos zeigt verschiedene menschliche Entitäten, in einem desolaten Zustand. Von den beiden Grundtrieben ist nur der Tod geblieben. Das einende Begehren des Eros ist längst verschwunden.

Performance – Nyctophilia
Konzept, Performance – Ábel Fazekas
Supervision – Johannes Kreidler

Weitere Informationen

Eine Zusammenarbeit von Hochschule für Musik FHNW, Hochschule für Gestaltung und Kunst FHNW und Theater Basel

Mit freundlicher Unterstützung der Maja Sacher-Stiftung

«Mich zieht es an den Fäden.» Familienabende, Arbeitsbeziehungen, Liebesinteressen, Glauben. Über uns allen hängen die unsichtbaren Fäden unserer Verpflichtungen und Überzeugungen. Es wäre viel leichter, alle Verbindungen zu brechen und ungestört und unabhängig zu handeln. «Diese Schere könnte Dir auch behilflich sein.»
‹String-Theorie› erforscht, wie wir uns aus den engen Fesseln des Lebens befreien und auf eine flexiblere, reibungslosere Weise miteinander in Verbindung treten können.

Gesang – Ana Čop
Gesang – Francesca Gaza
Gesang – Luciana Morelli
Electronics – Jaka Arh
Klavier – Alexandre Cahen
Konzept, Kontrabass – Snejana Prodanova
Supervision – Hans Feigenwinter

Musik
Ana Čop: Small Coat (based on a poem by Srečko Kosovel)
Snejana Prodanova: Servant boy // I don’t care if you still care // Rushin’ out of there
Luciana Morelli / Alexandre Cahen: Freie Improvisation

Weitere Informationen

Eine Zusammenarbeit von Hochschule für Musik FHNW, Hochschule für Gestaltung und Kunst FHNW und Theater Basel

Mit freundlicher Unterstützung der Maja Sacher-Stiftung

Das Wort «Resist» ist sehr aussagekräftig. Im täglichen Leben sind wir mit der Spannung der Ungewissheit konfrontiert, die tief mit der menschlichen Erfahrung verbunden ist. In dieser Performance bringen sechs Musiker:innen eine reiche Vielfalt an widerständigen Stimmen ein. Die Objektivierung des weiblichen Körpers durch wertende Blicke von anderen nimmt einem grossen Teil der Bevölkerung die Möglichkeit, sich frei zu bewegen, zu fühlen und zu äussern. Diese Performance hinterfragt diesen Blick von aussen und sucht nach einer Möglichkeit, zur Unschuld zurückzukehren.

Gesang/Performance – Roger Casanova
Gesang/Performance – Yu Cao
Flöte/Performance – Clara Giner Franco
Gesang/Performance – Chiara Jarrell
Harfe/Performance – Miriam Paschetta
Gesang/Performance – Julian Schmidlin
Supervision – Jeroen Engelsman, Xavier Le Roy
Bühne – Hanna Sipos, Masterstudio Scenography
Audiotechnik – Mikael Szafirowski, Elektronisches Studio Basel

Weitere Informationen

Eine Zusammenarbeit von Hochschule für Musik FHNW, Hochschule für Gestaltung und Kunst FHNW und Theater Basel

Mit freundlicher Unterstützung der Maja Sacher-Stiftung

Es gibt Musik, die nicht für das Konzertleben vorgesehen war, oder dieses mit Witz in seiner gesellschaftlichen Relevanz und in der Verpflichtung zur Tradition in Frage stellt. Somit widersetzen sich diese Kompositionen sowohl damals wie heute der Aufführung im gängigen Konzertrepertoire. Wir nehmen dies zum Anlass, so geartete «unerhörte» Werke von Haydn, Rossini, Savinio und Milhaud zur Aufführung zu bringen. Da die akustischen Verhältnisse der Kleinen Bühne für ein grosses Konzert unbefriedigend sind, wird sich beim Publikum kein erhebendes Konzerterlebnis einstellen können. Hierfür bitten wir um Verzeihung. Aber diese an sich desaströse Ausgangssituation erlaubt es uns, die Verantwortung für die Zufriedenheit des Publikums abzulehnen und uns in lustvoller Freiheit um den musikalischen Inhalt zu kümmern. Nebenbei teilen wir die gewöhnlichen Leiden eines jungen, begabten Korrepetitors 1858 in Paris.

Gesang/Sprecher: Kimon Barakos
Gesang: Clara Rueff
Klavier: Pierre-Nicolas Colombat, Nina de Félice, Benjamin Seppey, Oleksandra Katsalap, Hanna Syrneva, Eugènia Guri Battle, Vittoria dal Toso
Saxophon: Pattranant Pliensakul, Juan Trujillo, Perasathe Kahasatian, Yan Fesko
Konzept und Einstudierung: Tobias Schabenberger

Programm
Gioachino Rossini (1792-1868)
«Tourniquet sur la gamme chromatique» aus Péchés de la vieillesse (1857-68)

Alberto Savinio (1891-1952)
«Matinée alphatique» und «Amitié-Tragédie» aus Album 1914

Joseph Haydn (1732-1809)
Presto aus der Sonate A-Dur Hob XVI: 26 (1773)

Gioachino Rossini
«Un petit train de plaisir» (comique imitatif) (1857) aus Péchés de la vieillesse

Gioachino Rossini
«Adieux à la vie» (1858) (Elégie sur une seule note) aus Péchés de la vieillesse

Darius Milhaud (1892-1974)
Cocktail aux clarinettes (1921)

Weitere Informationen

Eine Zusammenarbeit von Hochschule für Musik FHNW, Hochschule für Gestaltung und Kunst FHNW und Theater Basel

Mit freundlicher Unterstützung der Maja Sacher-Stiftung

«There is no beginning neither an end, we woke up from the dream to be in the dream again»

Entropie – der allmähliche Zerfall in Unordnung – und der Widerstand, den die Natur dieser Energie entgegensetzt, ist das Hauptthema dieserr Aufführung. Nichts ist vorherrschend und alles löst sich in einer chaotischen Masse auf. In diesem Kontext interagieren die Performer:innen. Es gibt eine ständige Erfahrung von Ursache und Wirkung, von Anwesenheit und Abwesenheit. Die Performance wechselt zwischen dem Feststecken an einem Ort und dem Nicht-an-einem-Ort-bleiben-können.

Tanz – Nora Wyss
Trompete – Sebastian Greschnuk
Posaune – Raphael Rosse
Klavier – Pio Schurmann
Bass – Javier Valdebenito
Konzept, Schlagzeug, Electronics – Enrico Solano
Video – Eva Samson
Supervision – Hans Feigenwinter

Weitere Informationen

Eine Zusammenarbeit von Hochschule für Musik FHNW, Hochschule für Gestaltung und Kunst FHNW und Theater Basel

Mit freundlicher Unterstützung der Maja Sacher-Stiftung

Das Ende des Anthropozäns – die Ära der Menschheit ist vorbei. Technologie und neue Formen der Kommunikation haben das alte und tiefe «Da-Sein» der Menschen ersetzt. Aber auch diese neue Realität zeigt Risse und langsam sickert Wasser ein. Eine Erinnerung daran, dass die Natur am Ende immer siegen wird.

Harfe / Performance – Miriam Paschetta
Clavichord / Akustikgitarre / Performance – Ed Williams
Violine / Performance – Rahel Boell
Elektrische Gitarre / Performance – Mikael Szafirowski
Supervision – Andrea Neumann

Weitere Informationen

Eine Zusammenarbeit von Hochschule für Musik FHNW, Hochschule für Gestaltung und Kunst FHNW und Theater Basel

Mit freundlicher Unterstützung der Maja Sacher-Stiftung

In drei verschiedenen Vorstellungen reflektieren die Darsteller:innen von ‹Ritual und Gemeinschaft› über verschiedene Arten des Zusammenkommens. Über die kleinen und intimen Momente zwischen dem Aufstieg und Fall der Menschheit. Die Grundlage für alle drei Abende bilden die mittelalterlichen ‹Fioretti di San Francesco› – eine Sammlung von Kurzgeschichten über das Leben des Franziskus von Assisi.

Epilogue
Performance – Ábel Fazekas
Chor – Aurore Gontard, Carolina Bermejo, Ailen Monti, Dakota Wayne, Ed Williams

Supervision – Andreas Eduardo Frank

Weitere Informationen

Eine Zusammenarbeit von Hochschule für Musik FHNW, Hochschule für Gestaltung und Kunst FHNW und Theater Basel

Mit freundlicher Unterstützung der Maja Sacher-Stiftung

Die sieben Musiker:innen von zone expérimentale spielen gemeinsam ein etwa halbstündiges musikalisch-szenisches Tableau dessen Widerständigkeit sich ganz aus der Musik und dem Musikmachen selbst generiert. Der musikalisch disparate Raum in dem die Spieler:innen ganz für sich sitzen, kann als weites Feld oder auch als innerer Monolog eines Einzelnen erlebt werden. «ré-es-ist» wird im Fortgang des Stückes als klingendes Bild gespielt. Widerstand wird auch beim Hören evoziert.

Musik von Sciarrino, Furrer, Feldman, Bach, Denisov, Mantovani, Billone, Berio, Neuwirth, Cage und anderen

Ensemble zone expérimentale
Saxophon – Anouk Neyens
Flöte – Clara Giner Franco
Violine – María Alejandra Jiménez
Klavier – Dmitri Batalov
Klavier – Jacob Mason
Klarinette – Martijn Susla
Perkussion – Mikołaj Rytowski
Konzept und Einstudierung – Marcus Weiss

Weitere Informationen

Eine Zusammenarbeit von Hochschule für Musik FHNW, Hochschule für Gestaltung und Kunst FHNW und Theater Basel

Mit freundlicher Unterstützung der Maja Sacher-Stiftung

Es gibt Musik, die nicht für das Konzertleben vorgesehen war, oder dieses mit Witz in seiner gesellschaftlichen Relevanz und in der Verpflichtung zur Tradition in Frage stellt. Somit widersetzen sich diese Kompositionen sowohl damals wie heute der Aufführung im gängigen Konzertrepertoire. Wir nehmen dies zum Anlass, so geartete «unerhörte» Werke von Haydn, Rossini, Savinio und Milhaud zur Aufführung zu bringen. Da die akustischen Verhältnisse der Kleinen Bühne für ein grosses Konzert unbefriedigend sind, wird sich beim Publikum kein erhebendes Konzerterlebnis einstellen können. Hierfür bitten wir um Verzeihung. Aber diese an sich desaströse Ausgangssituation erlaubt es uns, die Verantwortung für die Zufriedenheit des Publikums abzulehnen und uns in lustvoller Freiheit um den musikalischen Inhalt zu kümmern. Nebenbei teilen wir die gewöhnlichen Leiden eines jungen, begabten Korrepetitors 1858 in Paris.

Gesang/Sprecher: Kimon Barakos
Gesang: Clara Rueff
Klavier: Pierre-Nicolas Colombat, Nina de Félice, Benjamin Seppey, Oleksandra Katsalap, Hanna Syrneva, Eugènia Guri Battle, Vittoria dal Toso
Saxophon: Pattranant Pliensakul, Juan Trujillo, Perasathe Kahasatian, Yan Fesko
Konzept und Einstudierung: Tobias Schabenberger

Programm
Gioachino Rossini (1792-1868)
«Tourniquet sur la gamme chromatique» aus Péchés de la vieillesse (1857-68)

Alberto Savinio (1891-1952)
«Matinée alphatique» und «Amitié-Tragédie» aus Album 1914

Joseph Haydn (1732-1809)
Presto aus der Sonate A-Dur Hob XVI: 26 (1773)

Gioachino Rossini
«Un petit train de plaisir» (comique imitatif) (1857) aus Péchés de la vieillesse

Gioachino Rossini
«Adieux à la vie» (1858) (Elégie sur une seule note) aus Péchés de la vieillesse

Darius Milhaud (1892-1974)
Cocktail aux clarinettes (1921)

Weitere Informationen

Eine Zusammenarbeit von Hochschule für Musik FHNW, Hochschule für Gestaltung und Kunst FHNW und Theater Basel

Mit freundlicher Unterstützung der Maja Sacher-Stiftung

Thanatos und Eros – die griechischen Götter für Tod und Liebe und von Sigmund Freud als die beiden Grundtriebe im menschlichen Leben beschrieben. Diese stille Komposition von Körpern stellt den Zustand nach den drei Sündenfällen – Vertreibung aus Eden, die grosse Sintflut und die Zerstörung Babels – dar. Thanatos zeigt verschiedene menschliche Entitäten, in einem desolaten Zustand. Von den beiden Grundtrieben ist nur der Tod geblieben. Das einende Begehren des Eros ist längst verschwunden.

Performance – Nyctophilia
Konzept, Performance – Ábel Fazekas
Supervision – Johannes Kreidler

Weitere Informationen

Performances von Studierenden der Studienrichtung Open Creation (Klasse Andrea Neumann)

Eine Zusammenarbeit von Hochschule für Musik FHNW, Hochschule für Gestaltung und Kunst FHNW und Theater Basel

Mit freundlicher Unterstützung der Maja Sacher-Stiftung

«There is no beginning neither an end, we woke up from the dream to be in the dream again»

Entropie – der allmähliche Zerfall in Unordnung – und der Widerstand, den die Natur dieser Energie entgegensetzt, ist das Hauptthema dieserr Aufführung. Nichts ist vorherrschend und alles löst sich in einer chaotischen Masse auf. In diesem Kontext interagieren die Performer:innen. Es gibt eine ständige Erfahrung von Ursache und Wirkung, von Anwesenheit und Abwesenheit. Die Performance wechselt zwischen dem Feststecken an einem Ort und dem Nicht-an-einem-Ort-bleiben-können.

Tanz – Nora Wyss
Trompete – Sebastian Greschnuk
Posaune – Raphael Rosse
Klavier – Pio Schurmann
Bass – Javier Valdebenito
Konzept, Schlagzeug, Electronics – Enrico Solano
Video – Eva Samson
Supervision – Hans Feigenwinter

Weitere Informationen

Eine Zusammenarbeit von Hochschule für Musik FHNW, Hochschule für Gestaltung und Kunst FHNW und Theater Basel

Mit freundlicher Unterstützung der Maja Sacher-Stiftung

Das Ende des Anthropozäns – die Ära der Menschheit ist vorbei. Technologie und neue Formen der Kommunikation haben das alte und tiefe «Da-Sein» der Menschen ersetzt. Aber auch diese neue Realität zeigt Risse und langsam sickert Wasser ein. Eine Erinnerung daran, dass die Natur am Ende immer siegen wird.

Harfe / Performance – Miriam Paschetta
Clavichord / Akustikgitarre / Performance – Ed Williams
Violine / Performance – Rahel Boell
Elektrische Gitarre / Performance – Mikael Szafirowski
Supervision – Andrea Neumann

Weitere Informationen

Eine Zusammenarbeit von Hochschule für Musik FHNW, Hochschule für Gestaltung und Kunst FHNW und Theater Basel

Mit freundlicher Unterstützung der Maja Sacher-Stiftung

Die sieben Musiker:innen von zone expérimentale spielen gemeinsam ein etwa halbstündiges musikalisch-szenisches Tableau dessen Widerständigkeit sich ganz aus der Musik und dem Musikmachen selbst generiert. Der musikalisch disparate Raum in dem die Spieler:innen ganz für sich sitzen, kann als weites Feld oder auch als innerer Monolog eines Einzelnen erlebt werden. «ré-es-ist» wird im Fortgang des Stückes als klingendes Bild gespielt. Widerstand wird auch beim Hören evoziert.

Musik von Sciarrino, Furrer, Feldman, Bach, Denisov, Mantovani, Billone, Berio, Neuwirth, Cage und anderen

Ensemble zone expérimentale
Saxophon – Anouk Neyens
Flöte – Clara Giner Franco
Violine – María Alejandra Jiménez
Klavier – Dmitri Batalov
Klavier – Jacob Mason
Klarinette – Martijn Susla
Perkussion – Mikołaj Rytowski
Konzept und Einstudierung – Marcus Weiss

Weitere Informationen

Eine Zusammenarbeit von Hochschule für Musik FHNW, Hochschule für Gestaltung und Kunst FHNW und Theater Basel

Mit freundlicher Unterstützung der Maja Sacher-Stiftung

Das Wort «Resist» ist sehr aussagekräftig. Im täglichen Leben sind wir mit der Spannung der Ungewissheit konfrontiert, die tief mit der menschlichen Erfahrung verbunden ist. In dieser Performance bringen sechs Musiker:innen eine reiche Vielfalt an widerständigen Stimmen ein. Die Objektivierung des weiblichen Körpers durch wertende Blicke von anderen nimmt einem grossen Teil der Bevölkerung die Möglichkeit, sich frei zu bewegen, zu fühlen und zu äussern. Diese Performance hinterfragt diesen Blick von aussen und sucht nach einer Möglichkeit, zur Unschuld zurückzukehren.

Gesang/Performance – Roger Casanova
Gesang/Performance – Yu Cao
Flöte/Performance – Clara Giner Franco
Gesang/Performance – Chiara Jarrell
Harfe/Performance – Miriam Paschetta
Gesang/Performance – Julian Schmidlin
Supervision – Jeroen Engelsman, Xavier Le Roy
Bühne – Hanna Sipos, Masterstudio Scenography
Audiotechnik – Mikael Szafirowski, Elektronisches Studio Basel

Weitere Informationen

Die Neuentwicklung des historischen Serpentinos unter Anwendung innovativer Methoden aus den Bereichen Bio- und Fluid- Engineering bietet Anlass für ein internationales Symposium rund um die Instrumente Serpentino und Serpent. Nebst Erläuterungen zu neusten wissenschaftlichen Erkenntnissen aus den Bereichen Musikwissenschaft und Organologie, stehen die Workshops ganz im Zeichen der Praxis und des Austausches und sind offen für alle Interessierten. Die Dozierenden vermitteln die Vielfältigkeit der Instrumente im historischen Bereich, aber auch in der Worldmusic, der Improvisation und im Jazz.

Weitere Informationen und Anmeldung

Eine Zusammenarbeit von Hochschule für Musik FHNW, Hochschule für Gestaltung und Kunst FHNW und Theater Basel

Mit freundlicher Unterstützung der Maja Sacher-Stiftung

In drei verschiedenen Vorstellungen reflektieren die Darsteller:innen von ‹Ritual und Gemeinschaft› über verschiedene Arten des Zusammenkommens. Über die kleinen und intimen Momente zwischen dem Aufstieg und Fall der Menschheit. Die Grundlage für alle drei Abende bilden die mittelalterlichen ‹Fioretti di San Francesco› – eine Sammlung von Kurzgeschichten über das Leben des Franziskus von Assisi.

The Vision
Gesang – Roberta Diamond
Gesang, Laute – Ailen Monti
Elektrische Gitarre – Ed Williams
Performer – Ábel Fazekas

Supervision – Andreas Eduardo Frank

Weitere Informationen

Eine Zusammenarbeit von Hochschule für Musik FHNW, Hochschule für Gestaltung und Kunst FHNW und Theater Basel

Mit freundlicher Unterstützung der Maja Sacher-Stiftung

Thanatos und Eros – die griechischen Götter für Tod und Liebe und von Sigmund Freud als die beiden Grundtriebe im menschlichen Leben beschrieben. Diese stille Komposition von Körpern stellt den Zustand nach den drei Sündenfällen – Vertreibung aus Eden, die grosse Sintflut und die Zerstörung Babels – dar. Thanatos zeigt verschiedene menschliche Entitäten, in einem desolaten Zustand. Von den beiden Grundtrieben ist nur der Tod geblieben. Das einende Begehren des Eros ist längst verschwunden.

Performance – Nyctophilia
Konzept, Performance – Ábel Fazekas
Supervision – Johannes Kreidler

Weitere Informationen

Die Neuentwicklung des historischen Serpentinos unter Anwendung innovativer Methoden aus den Bereichen Bio- und Fluid- Engineering bietet Anlass für ein internationales Symposium rund um die Instrumente Serpentino und Serpent. Nebst Erläuterungen zu neusten wissenschaftlichen Erkenntnissen aus den Bereichen Musikwissenschaft und Organologie, stehen die Workshops ganz im Zeichen der Praxis und des Austausches und sind offen für alle Interessierten. Die Dozierenden vermitteln die Vielfältigkeit der Instrumente im historischen Bereich, aber auch in der Worldmusic, der Improvisation und im Jazz.

Weitere Informationen und Anmeldung

Eine Zusammenarbeit von Hochschule für Musik FHNW, Hochschule für Gestaltung und Kunst FHNW und Theater Basel

Mit freundlicher Unterstützung der Maja Sacher-Stiftung

Die sieben Musiker:innen von zone expérimentale spielen gemeinsam ein etwa halbstündiges musikalisch-szenisches Tableau dessen Widerständigkeit sich ganz aus der Musik und dem Musikmachen selbst generiert. Der musikalisch disparate Raum in dem die Spieler:innen ganz für sich sitzen, kann als weites Feld oder auch als innerer Monolog eines Einzelnen erlebt werden. «ré-es-ist» wird im Fortgang des Stückes als klingendes Bild gespielt. Widerstand wird auch beim Hören evoziert.

Musik von Sciarrino, Furrer, Feldman, Bach, Denisov, Mantovani, Billone, Berio, Neuwirth, Cage und anderen

Ensemble zone expérimentale
Saxophon – Anouk Neyens
Flöte – Clara Giner Franco
Violine – María Alejandra Jiménez
Klavier – Dmitri Batalov
Klavier – Jacob Mason
Klarinette – Martijn Susla
Perkussion – Mikołaj Rytowski
Konzept und Einstudierung – Marcus Weiss

Weitere Informationen

Eine Zusammenarbeit von Hochschule für Musik FHNW, Hochschule für Gestaltung und Kunst FHNW und Theater Basel

Mit freundlicher Unterstützung der Maja Sacher-Stiftung

«Mich zieht es an den Fäden.» Familienabende, Arbeitsbeziehungen, Liebesinteressen, Glauben. Über uns allen hängen die unsichtbaren Fäden unserer Verpflichtungen und Überzeugungen. Es wäre viel leichter, alle Verbindungen zu brechen und ungestört und unabhängig zu handeln. «Diese Schere könnte Dir auch behilflich sein.»
‹String-Theorie› erforscht, wie wir uns aus den engen Fesseln des Lebens befreien und auf eine flexiblere, reibungslosere Weise miteinander in Verbindung treten können.

Gesang – Ana Čop
Gesang – Francesca Gaza
Gesang – Luciana Morelli
Electronics – Jaka Arh
Klavier – Alexandre Cahen
Konzept, Kontrabass – Snejana Prodanova
Supervision – Hans Feigenwinter

Musik
Ana Čop: Small Coat (based on a poem by Srečko Kosovel)
Snejana Prodanova: Servant boy // I don’t care if you still care // Rushin’ out of there
Luciana Morelli / Alexandre Cahen: Freie Improvisation

Weitere Informationen

Die Neuentwicklung des historischen Serpentinos unter Anwendung innovativer Methoden aus den Bereichen Bio- und Fluid- Engineering bietet Anlass für ein internationales Symposium rund um die Instrumente Serpentino und Serpent. Nebst Erläuterungen zu neusten wissenschaftlichen Erkenntnissen aus den Bereichen Musikwissenschaft und Organologie, stehen die Workshops ganz im Zeichen der Praxis und des Austausches und sind offen für alle Interessierten. Die Dozierenden vermitteln die Vielfältigkeit der Instrumente im historischen Bereich, aber auch in der Worldmusic, der Improvisation und im Jazz.

Weitere Informationen und Anmeldung

Eine Zusammenarbeit von Hochschule für Musik FHNW, Hochschule für Gestaltung und Kunst FHNW und Theater Basel

Mit freundlicher Unterstützung der Maja Sacher-Stiftung

In drei verschiedenen Vorstellungen reflektieren die Darsteller:innen von ‹Ritual und Gemeinschaft› über verschiedene Arten des Zusammenkommens. Über die kleinen und intimen Momente zwischen dem Aufstieg und Fall der Menschheit. Die Grundlage für alle drei Abende bilden die mittelalterlichen ‹Fioretti di San Francesco› – eine Sammlung von Kurzgeschichten über das Leben des Franziskus von Assisi.

2for1
Performance – Yi-Te Chang
Electronics – Ivan Liuzzo
Violine – Rahel Boell
Violine – Noam Lelior Gal

Supervision – Andreas Eduardo Frank

Weitere Informationen

Eine Zusammenarbeit von Hochschule für Musik FHNW, Hochschule für Gestaltung und Kunst FHNW und Theater Basel

Mit freundlicher Unterstützung der Maja Sacher-Stiftung

Das Ende des Anthropozäns – die Ära der Menschheit ist vorbei. Technologie und neue Formen der Kommunikation haben das alte und tiefe «Da-Sein» der Menschen ersetzt. Aber auch diese neue Realität zeigt Risse und langsam sickert Wasser ein. Eine Erinnerung daran, dass die Natur am Ende immer siegen wird.

Harfe / Performance – Miriam Paschetta
Clavichord / Akustikgitarre / Performance – Ed Williams
Violine / Performance – Rahel Boell
Elektrische Gitarre / Performance – Mikael Szafirowski
Supervision – Andrea Neumann

Weitere Informationen

Die Neuentwicklung des historischen Serpentinos unter Anwendung innovativer Methoden aus den Bereichen Bio- und Fluid- Engineering bietet Anlass für ein internationales Symposium rund um die Instrumente Serpentino und Serpent. Nebst Erläuterungen zu neusten wissenschaftlichen Erkenntnissen aus den Bereichen Musikwissenschaft und Organologie, stehen die Workshops ganz im Zeichen der Praxis und des Austausches und sind offen für alle Interessierten. Die Dozierenden vermitteln die Vielfältigkeit der Instrumente im historischen Bereich, aber auch in der Worldmusic, der Improvisation und im Jazz.

Weitere Informationen und Anmeldung

Die Neuentwicklung des historischen Serpentinos unter Anwendung innovativer Methoden aus den Bereichen Bio- und Fluid- Engineering bietet Anlass für ein internationales Symposium rund um die Instrumente Serpentino und Serpent. Nebst Erläuterungen zu neusten wissenschaftlichen Erkenntnissen aus den Bereichen Musikwissenschaft und Organologie, stehen die Workshops ganz im Zeichen der Praxis und des Austausches und sind offen für alle Interessierten. Die Dozierenden vermitteln die Vielfältigkeit der Instrumente im historischen Bereich, aber auch in der Worldmusic, der Improvisation und im Jazz.

Weitere Informationen und Anmeldung

Audio-visual piece by Timofey Shatnyy

Live performance piece by Robin Michel           
Michel Robin, Performer
Jaka Arh, Performer

Performance ESB Noise Ensemble
Louis Keller, Timofey Shatnyy, Cyrill Jauslin, Janik Pokorny, Anton Kiefer, Minh Phi Guillod,

Studierende des Studiengangs Audiodesign
Klasse: Svetlana Maraš, Volker Böhm

Eine Zusammenarbeit mit dem Museum Tinguely

Mit freundlicher Unterstützung der Scherzo-Comodo-Stiftung

Das Werk von Jean Tinguely dient als Inspirationsquelle und roter Faden für die Performances und Konzerte der Studierenden des sonic space basel.

Weitere Termine:
21. Novermber 2022, sonic space@Tinguely
16. Dezember 2022, Konzert Ensembel Diagonal
27. März 2023, sonic space@Tinguely
19. Juni 2023, sonic space@Tinguely

Eine Zusammenarbeit von Hochschule für Musik FHNW, Hochschule für Gestaltung und Kunst FHNW und Theater Basel

Mit freundlicher Unterstützung der Maja Sacher-Stiftung

Es gibt Musik, die nicht für das Konzertleben vorgesehen war, oder dieses mit Witz in seiner gesellschaftlichen Relevanz und in der Verpflichtung zur Tradition in Frage stellt. Somit widersetzen sich diese Kompositionen sowohl damals wie heute der Aufführung im gängigen Konzertrepertoire. Wir nehmen dies zum Anlass, so geartete «unerhörte» Werke von Haydn, Rossini, Savinio und Milhaud zur Aufführung zu bringen. Da die akustischen Verhältnisse der Kleinen Bühne für ein grosses Konzert unbefriedigend sind, wird sich beim Publikum kein erhebendes Konzerterlebnis einstellen können. Hierfür bitten wir um Verzeihung. Aber diese an sich desaströse Ausgangssituation erlaubt es uns, die Verantwortung für die Zufriedenheit des Publikums abzulehnen und uns in lustvoller Freiheit um den musikalischen Inhalt zu kümmern. Nebenbei teilen wir die gewöhnlichen Leiden eines jungen, begabten Korrepetitors 1858 in Paris.

Gesang/Sprecher: Kimon Barakos
Gesang: Clara Rueff
Klavier: Pierre-Nicolas Colombat, Nina de Félice, Benjamin Seppey, Oleksandra Katsalap, Hanna Syrneva, Eugènia Guri Battle, Vittoria dal Toso
Saxophon: Pattranant Pliensakul, Juan Trujillo, Perasathe Kahasatian, Yan Fesko
Konzept und Einstudierung: Tobias Schabenberger

Programm
Gioachino Rossini (1792-1868)
«Tourniquet sur la gamme chromatique» aus Péchés de la vieillesse (1857-68)

Alberto Savinio (1891-1952)
«Matinée alphatique» und «Amitié-Tragédie» aus Album 1914

Joseph Haydn (1732-1809)
Presto aus der Sonate A-Dur Hob XVI: 26 (1773)

Gioachino Rossini
«Un petit train de plaisir» (comique imitatif) (1857) aus Péchés de la vieillesse

Gioachino Rossini
«Adieux à la vie» (1858) (Elégie sur une seule note) aus Péchés de la vieillesse

Darius Milhaud (1892-1974)
Cocktail aux clarinettes (1921)

Weitere Informationen

Eine Zusammenarbeit von Hochschule für Musik FHNW, Hochschule für Gestaltung und Kunst FHNW und Theater Basel

Mit freundlicher Unterstützung der Maja Sacher-Stiftung

«Mich zieht es an den Fäden.» Familienabende, Arbeitsbeziehungen, Liebesinteressen, Glauben. Über uns allen hängen die unsichtbaren Fäden unserer Verpflichtungen und Überzeugungen. Es wäre viel leichter, alle Verbindungen zu brechen und ungestört und unabhängig zu handeln. «Diese Schere könnte Dir auch behilflich sein.»
‹String-Theorie› erforscht, wie wir uns aus den engen Fesseln des Lebens befreien und auf eine flexiblere, reibungslosere Weise miteinander in Verbindung treten können.

Gesang – Ana Čop
Gesang – Francesca Gaza
Gesang – Luciana Morelli
Electronics – Jaka Arh
Klavier – Alexandre Cahen
Konzept, Kontrabass – Snejana Prodanova
Supervision – Hans Feigenwinter

Musik
Ana Čop: Small Coat (based on a poem by Srečko Kosovel)
Snejana Prodanova: Servant boy // I don’t care if you still care // Rushin’ out of there
Luciana Morelli / Alexandre Cahen: Freie Improvisation

Weitere Informationen

Eine Zusammenarbeit von Hochschule für Musik FHNW, Hochschule für Gestaltung und Kunst FHNW und Theater Basel

Mit freundlicher Unterstützung der Maja Sacher-Stiftung

«There is no beginning neither an end, we woke up from the dream to be in the dream again»

Entropie – der allmähliche Zerfall in Unordnung – und der Widerstand, den die Natur dieser Energie entgegensetzt, ist das Hauptthema dieserr Aufführung. Nichts ist vorherrschend und alles löst sich in einer chaotischen Masse auf. In diesem Kontext interagieren die Performer:innen. Es gibt eine ständige Erfahrung von Ursache und Wirkung, von Anwesenheit und Abwesenheit. Die Performance wechselt zwischen dem Feststecken an einem Ort und dem Nicht-an-einem-Ort-bleiben-können.

Tanz – Nora Wyss
Trompete – Sebastian Greschnuk
Posaune – Raphael Rosse
Klavier – Pio Schurmann
Bass – Javier Valdebenito
Konzept, Schlagzeug, Electronics – Enrico Solano
Video – Eva Samson
Supervision – Hans Feigenwinter

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Eine Zusammenarbeit von Hochschule für Musik FHNW, Hochschule für Gestaltung und Kunst FHNW und Theater Basel

Mit freundlicher Unterstützung der Maja Sacher-Stiftung

Das Wort «Resist» ist sehr aussagekräftig. Im täglichen Leben sind wir mit der Spannung der Ungewissheit konfrontiert, die tief mit der menschlichen Erfahrung verbunden ist. In dieser Performance bringen sechs Musiker:innen eine reiche Vielfalt an widerständigen Stimmen ein. Die Objektivierung des weiblichen Körpers durch wertende Blicke von anderen nimmt einem grossen Teil der Bevölkerung die Möglichkeit, sich frei zu bewegen, zu fühlen und zu äussern. Diese Performance hinterfragt diesen Blick von aussen und sucht nach einer Möglichkeit, zur Unschuld zurückzukehren.

Gesang/Performance – Roger Casanova
Gesang/Performance – Yu Cao
Flöte/Performance – Clara Giner Franco
Gesang/Performance – Chiara Jarrell
Harfe/Performance – Miriam Paschetta
Gesang/Performance – Julian Schmidlin
Supervision – Jeroen Engelsman, Xavier Le Roy
Bühne – Hanna Sipos, Masterstudio Scenography
Audiotechnik – Mikael Szafirowski, Elektronisches Studio Basel

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Konzerte / Workshops / Talks

In Kooperation mit allen Schweizer Musikhochschulen

Konzerte / Workshops / Talks

In Kooperation mit allen Schweizer Musikhochschulen

Konzerte / Workshops / Talks

In Kooperation mit allen Schweizer Musikhochschulen

Am 29. Juni präsentiert Radio SRF 2 Kultur die Ergebnisse der Zusammenarbeit mit dem Elektronischen Studio Basel:
Auf 96,7 MHz wird elektroakustische Radiokunst – von Audiodesign-Studierenden exklusiv für Radio SRF 2 Kultur komponiert - gesendet, im Anschluss überträgt SRF aus dem Auditorium ein Live-Elektronik-Set des ESB Noise Ensembles. Danach kommt das Stück «Welcome to the Radio!» des Kompositionsstudenten Dakota Wayne zur Uraufführung, eine fiktive Talkshow, für die er u.a. Jingles von Radio SRF 2 Kultur gesamplet hat.

Martin Reck
Isaac Blumfield
Louis Keller
Mikael Szafirowski
Dakota Wayne
Anton Wilhelm Kiefer
Cyrill Jauslin
Janik Pokorny
Timofey Shatnyy
Minh Phi Guillod

ESB Noise Ensemble

Dakota Wayne (*1992): ghost in the sheets (2022, UA)

Ensemble sonic space basel alumni:
Tatiana Timonina, Flöte
Hugo Dores de Queirós, Klarinette / Bassklarinette
Luis Homedes López, Saxophon
Nejc Grm, Akkordeon
João Carlos Pacheco, Perkussion
Estelle Costanzo, Harfe
Helga Karen, Klavier
Pierre Dekker, Kontrabass
Jonas Prina, Elektronik
Yaron Deutsch, Einstudierung